1. Comprendre la lumière dure
* Caractéristiques:
* ombres définies: Transitions nettes et distinctes entre la lumière et l'ombre.
* Contrast élevé: Différence significative entre les zones les plus brillantes et les plus sombres de l'image.
* texture révélatrice: Met l'accent sur la texture de la peau, les rides et autres détails.
* Source directe: Généralement à partir d'une petite source lumineuse non modifiée (comme la lumière directe du soleil ou une ampoule nue).
* Impact: La lumière dure peut évoquer un sens de:
* drame: Crée un sentiment de tension, de mystère ou d'intensité.
* Force: Met l'accent sur les caractéristiques angulaires et peut rendre le sujet plus puissant.
* Vulnérabilité: Peut révéler les imperfections et l'âge.
2. Choisir votre source lumineuse
* Sunlight: Tirer à l'extérieur par une journée ensoleillée offre une lumière naturelle et dure. Cependant, la position du soleil change constamment, vous obligeant à ajuster fréquemment votre sujet ou votre propre position. Le soleil de midi est souvent trop dur, alors pensez à tirer tôt le matin ou en fin d'après-midi pour des angles plus flatteurs.
* speedlights (flashs): Un speedlight nu est une source classique de lumière dure. Vous pouvez contrôler précisément la puissance, l'angle et la distance.
* stroboscopes / monolights: Semblable à Speedlights mais généralement plus puissant et offrent plus de contrôle sur la sortie.
* lumières pratiques: Utilisez des lampes de bureau, des lampes de poche ou même des lumières de téléphone portable pour des effets uniques et créatifs.
3. Positionner votre sujet et votre lumière
C'est l'étape la plus cruciale. Expérimentez avec différents angles pour voir comment la lumière et l'ombre interagissent avec le visage de votre sujet.
* Principes clés:
* angle lumineux: L'angle de la source de lumière par rapport à votre sujet détermine la forme et l'intensité des ombres.
* Éclairage latéral: Crée des ombres fortes et dramatiques sur un côté du visage. Excellent pour mettre en évidence la structure osseuse et l'ajout de profondeur.
* Éclairage supérieur: Crée des ombres sous les sourcils, le nez et le menton, ce qui peut être peu flatteur à moins d'être utilisé avec soin. Considérez-le comme un effet de "film d'horreur". Utilisez avec parcimonie.
* Éclairage avant: Minimise les ombres, mais peut toujours être difficile et créer des reflets spéculaires (taches brillantes). Généralement moins dramatique mais utile pour révéler les détails.
* Éclairage arrière (éclairage de jante): Crée un effet de halo autour du sujet, les séparant de l'arrière-plan. Nécessite un contrôle d'exposition minutieux.
* Distance: Le déplacement de la source de lumière augmente son intensité et crée des ombres plus dures. Le déplacer plus éloigné adoucit légèrement les ombres (bien qu'elle soit toujours considérée comme une lumière dure).
* angle d'incidence =angle de réflexion: L'angle auquel la lumière touche une surface est égale à l'angle auquel il se reflète. Ceci est important pour comprendre lors du positionnement de votre sujet pour attraper la lumière dans les zones souhaitées.
* Configuration courante:
* Éclairage Rembrandt classique (avec lumière dure): Placez légèrement la source lumineuse sur le côté et au-dessus du sujet. Recherchez le petit triangle de lumière du côté de l'ombre du visage. C'est un look très flatteur et dramatique.
* Éclairage divisé: La source lumineuse est positionnée directement sur le côté, créant une division dramatique entre la lumière et l'ombre. Un côté du visage est complètement éclairé, tandis que l'autre est dans l'obscurité totale.
* Éclairage de coquille (avec lumière dure): Deux lumières dures, une au-dessus et une sous le visage du sujet. Crée un look propre, presque graphique.
4. Contrôlant la lumière et les ombres
* Modificateurs (utilisez avec prudence): Bien que l'objectif soit * dur * léger, vous avez parfois besoin d'une touche de contrôle.
* snots / grilles: Concentrez le faisceau lumineux et empêchez le déversement, créant des ombres encore plus définies.
* Réflecteurs (avec parcimonie): Un petit réflecteur peut faire rebondir une petite quantité de lumière dans les ombres pour les soulever légèrement. Faites attention à ne pas adoucir la lumière * trop *. Considérez un réflecteur argenté pour un remplissage plus lumineux et plus spéculaire.
* drapeaux / goboes: Bloquer la lumière de frapper les zones indésirables. Utile pour sculpter la lumière et créer des ombres plus dramatiques.
* Distance de l'arrière-plan:
* Close Background: Les ombres seront plus prononcées en arrière-plan.
* fond lointain: L'arrière-plan sera probablement plus sombre, offrant plus de séparation entre le sujet et l'arrière-plan.
5. Paramètres de la caméra
* ouverture: Choisissez une ouverture qui correspond à la profondeur de champ souhaitée. Des ouvertures plus larges (par exemple, f / 2.8, f / 4) créeront une profondeur de champ moins profonde, brouillant le fond et concentrant l'attention sur le visage du sujet. Des ouvertures plus petites (par exemple, f / 8, f / 11) augmenteront la profondeur de champ, mettant au point davantage de la scène.
* ISO: Gardez votre ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit.
* vitesse d'obturation: Ajustez votre vitesse d'obturation pour contrôler la lumière ambiante. Si vous utilisez Flash, votre vitesse d'obturation sera généralement limitée par la vitesse de synchronisation de votre appareil photo.
* Soutien: Utilisez la mesure de ponctualité pour compter le visage du sujet, assurant une bonne exposition à leur teint. Vous devrez peut-être ajuster la compensation d'exposition en fonction de la configuration de l'éclairage.
6. Composition et posant
* posant: Les angles et les expressions sont essentiels. Demandez à votre sujet de contourner la tête, de lever un sourcil ou d'adopter une position forte et confiante pour améliorer le drame. Considérez les poses qui mettent l'accent sur la structure osseuse.
* Background: Choisissez un arrière-plan qui complète l'éclairage dramatique. Un fond sombre et épuré aidera à souligner le sujet.
* Croping: Une récolte serrée peut intensifier l'accent sur le visage du sujet et amplifier l'impact dramatique.
7. Post-traitement
* Contraste: Augmenter le contraste pour améliorer davantage le drame.
* ombres et points forts: Ajustez les ombres et les reflets pour affiner la plage tonale globale.
* esquive et brûler: Utilisez des techniques de esquive et de brûlure pour éclaircir sélectivement ou assombrir les zones, en sculptant davantage la lumière et les ombres.
* Affûtage: L'affûtage peut améliorer la texture et les détails révélés par la lumière dure.
* Conversion en noir et blanc: La lumière dure semble souvent frappante en noir et blanc, mettant l'accent sur le contraste et la forme.
Conseils pour réussir
* Expérience: N'ayez pas peur d'expérimenter différents angles d'éclairage, distances et modificateurs.
* Démarrez simple: Commencez par une seule source de lumière et ajoutez progressivement plus de complexité à mesure que vous devenez plus à l'aise.
* Regardez les ombres: Faites une attention particulière aux ombres. Ils sont tout aussi importants que la lumière dans la création d'un portrait dramatique.
* Communiquez avec votre sujet: Expliquez votre vision à votre sujet et guidez-les pour se poser et s'exprimez d'une manière qui complète l'éclairage.
* Embrasse les imperfections: La lumière dure révèle la texture et les imperfections. Au lieu d'essayer de les cacher, embrassez-les dans le cadre du caractère et du drame du portrait.
* Exemples d'étude: Regardez les portraits de maîtres qui utilisent efficacement la lumière dure, comme Annie Leibovitz ou Peter Hurley, pour s'inspirer et apprendre de leurs techniques.
L'éclairage dur peut être difficile, mais les résultats peuvent être incroyablement enrichissants. En comprenant les caractéristiques de la lumière dure, en positionnant soigneusement votre sujet et votre source de lumière et en maîtrisant l'art de contrôler les ombres, vous pouvez créer des portraits dramatiques et inoubliables. Bonne chance!