1. Comprendre la lumière dure:
* Source: Habituellement, une petite source lumineuse non affusée (ampoule nue, flash direct, le soleil par temps clair).
* Caractéristiques:
* ombres distinctes: Les bords durs et définis séparent les zones de lumière et d'ombre.
* Contrast élevé: Les reflets brillants et les ombres profondes créent une différence frappante dans les tons.
* l'accent mis sur la texture: Il accentue la texture de la peau, les rides et les contours.
* Effets: Peut transmettre la force, le drame, l'intensité ou même un sentiment de dureté, de vulnérabilité ou d'âge.
2. Choisir votre sujet et votre concept:
* Caractéristiques du sujet: Considérez comment la lumière dure affectera le visage du sujet. Des lignes profondes peuvent être soulignées, créant un sens du caractère ou de l'âge. La peau plus lisse montrera moins d'imperfections, mais pourrait sembler moins intéressante.
* Humeur souhaitée: La lumière dure n'est pas idéale pour les portraits doux et romantiques. Il est mieux adapté:
* Études de caractère fortes: Mettant l'accent sur la personnalité, la détermination ou l'expérience.
* looks inspirés du noir: Créer une atmosphère cinématographique classique.
* portraits énervés ou granuleux: Transmettre un sentiment de rébellion ou de réalisme.
* Storyteling dramatique: Using light and shadow to highlight specific emotions or narratives.
* Considérez l'histoire: Avant de commencer, réfléchissez à quelle histoire vous voulez raconter avec l'image. Cela influencera votre pose, votre expression et votre esthétique globale.
3. Configuration de votre éclairage:
* la source lumineuse:
* Sunlight: Utilisez la lumière directe du soleil (tôt le matin ou la fin de l'après-midi offre une lumière dure plus douce que midi). Trouvez des emplacements avec des ombres intéressantes ou des éléments architecturaux qui peuvent être incorporés.
* speedlight / flash: Positionnez le flash directement ou avec un petit réflecteur / grille si possible.
* Studio Strobe: Similaire à un flash, une puissance de contrôle et une position. Une ampoule ou un réflecteur nu sans diffusion est essentiel.
* Le placement est la clé:
* Éclairage latéral: L'une des configurations les plus courantes et les plus dramatiques. La lumière du côté met l'accent sur les contours du visage et crée une ombre forte de l'autre côté.
* Éclairage supérieur (lumière dure à clapet): Positionnez la lumière au-dessus du sujet, légèrement à l'avant, pour créer des ombres dramatiques sous le front et les pommettes. Un réflecteur en dessous peut rebondir un peu de lumière pour adoucir légèrement les ombres.
* rétro-éclairage: Peut créer des silhouettes et un éclairage de bord dramatique.
* Placement de lumière au-dessus ou en dessous du sujet. Cela peut produire des images dures ou belles, selon le sujet
4. Posant et expression:
* Posing directionnel: Guidez votre sujet pour transformer leur visage en lumière ou loin de celui-ci pour contrôler les zones des reflets et des ombres.
* Expressions fortes: La lumière dure peut améliorer les émotions fortes. Expérimentez avec des regards intenses, des mâchoires serrées ou des expressions réfléchies.
* langage corporel: Réfléchissez à la façon dont la position corporelle peut renforcer l'ambiance que vous créez. Une posture effondrée peut transmettre la tristesse, tandis qu'une position confiante peut transmettre la puissance.
* Utilisez des accessoires: Les accessoires peuvent ajouter à l'histoire et créer plus d'intérêt visuel.
5. Paramètres de la caméra:
* ouverture: Choisissez une ouverture qui atteint la profondeur de champ souhaitée. Une ouverture plus étroite (nombre F plus élevé comme f / 8 ou f / 11) vous donnera plus de profondeur de champ, ce qui peut être utile pour les portraits où vous voulez une netteté sur toute la face. Une ouverture plus large (nombre F inférieur comme f / 2,8 ou f / 4) créera une profondeur de champ moins profonde, brouillant l'arrière-plan et attirant davantage l'attention sur le sujet.
* ISO: Gardez ISO aussi bas que possible (ISO 100 ou 200) pour minimiser le bruit, en particulier dans l'ombre.
* vitesse d'obturation: Ajustez la vitesse d'obturation pour contrôler l'exposition globale, en équilibrant la lumière de votre source de lumière. Si vous utilisez un flash, faites attention à la vitesse de synchronisation de votre appareil photo.
* Mode de mesure: Expérimentez avec différents modes de mesure (par exemple, évaluatif / matrice, pondéré par le centre, mesure de poncée) pour voir ce qui vous donne la meilleure exposition. Les compens sur les zones de surbrillance peuvent être utiles.
* Balance des blancs: Réglez la balance du blanc correcte pour assurer des couleurs précises. Expérimenter avec une balance blanche plus froide (bleuâtre) ou plus chaude (jaunâtre) peut également influencer l'ambiance.
6. Prise de vue et réglage fin:
* Observez les ombres: Portez une attention particulière aux ombres et à la façon dont ils tombent sur le visage du sujet. Ajustez la position de la lumière pour façonner les ombres à votre goût.
* Shoot in Raw: Le tir en brut vous donne plus de flexibilité dans le post-traitement pour ajuster l'exposition, le contraste et la balance des blancs sans perdre la qualité d'image.
* Utilisez un réflecteur avec parcimonie: Vous pouvez utiliser un réflecteur pour remplir subtilement les ombres, mais veillez à ne pas éliminer complètement l'effet de lumière dure.
7. Post-traitement:
* Ajustements de contraste: Améliorez le contraste pour souligner davantage l'effet de lumière dure.
* esquiver et brûler: Utilisez des outils d'esquive (éclaircissement) et de brûlure (assombrissement) pour ajuster sélectivement les reflets et les ombres, affiner la forme et les contours du visage.
* Affûtage: Un affûtage subtil peut améliorer les textures publiées par la lumière dure.
* Conversion en noir et blanc: La lumière dure fonctionne souvent exceptionnellement bien en noir et blanc. Expérimentez avec des ajustements de contraste pour créer une image monochrome dramatique.
* Gradage des couleurs: Si vous travaillez en couleur, expérimentez le classement des couleurs pour créer une humeur ou une esthétique spécifique.
* nettoyage: Retirez tous les imperfections ou imperfections distrayantes.
Conseils pour réussir:
* Expérience: N'ayez pas peur d'expérimenter différentes configurations d'éclairage, poses et expressions. La meilleure façon d'apprendre est par essais et erreurs.
* Communiquez avec votre sujet: Faites savoir à votre sujet ce que vous essayez de réaliser et fournissez une direction claire.
* Démarrez simple: Commencez par une seule source lumineuse et ajoutez progressivement la complexité à mesure que vous acquérez de l'expérience.
* Étudiez les maîtres: Regardez le travail de photographes qui excellent dans des portraits de lumière dure (par exemple, Yousuf Karsh, Irving Penn, Peter Lindbergh) pour s'inspirer.
* Pratique et affiner: Plus vous vous entraînez, mieux vous deviendrez à utiliser une lumière dure pour créer des portraits dramatiques et convaincants.
quand éviter la lumière dure:
* portraits flatteurs: Si votre objectif est de créer un portrait traditionnellement flatteur avec des tons de peau doux et même, la lumière dure n'est généralement pas le meilleur choix.
* Sujets à peau très sensible: Hard light can emphasize imperfections, so it might not be ideal for subjects with very sensitive or problematic skin.
* nourrissons ou jeunes enfants: Peut être trop dur et intense, potentiellement les mettre mal à l'aise.
* lorsque l'histoire ne correspond pas: Si l'histoire que vous essayez de raconter nécessite une esthétique plus douce ou rêveuse.
En comprenant les caractéristiques de la lumière dure, de la planification soigneusement de votre configuration et de la maîtrise des techniques de pose, des paramètres de la caméra et du post-traitement, vous pouvez créer des portraits puissants et dramatiques qui attirent l'attention du spectateur.