1. Comprendre la lumière dure et ses effets:
* Définition: La lumière dure provient d'une petite source de lumière ciblée. Pensez à la lumière directe du soleil par une journée claire, à une ampoule nue ou à une vitesse sans diffuseur.
* Caractéristiques:
* ombres tranchantes et définies: Ceux-ci créent des lignes et des contours forts.
* Contrast élevé: Différence significative entre les zones les plus brillantes et les plus sombres.
* Accentuation de la texture: Met l'accent sur la texture de la peau, les rides et les détails.
* Humeur: Peut évoquer des sentiments d'intensité, de drame, de mystère ou de netteté.
2. Choisir votre sujet et votre emplacement:
* Sélection du visage: Considérez des visages avec des caractéristiques solides, une structure osseuse proéminente ou des imperfections intéressantes. La lumière dure met l'accent sur ces fonctionnalités.
* arrière-plans: Optez pour des arrière-plans simples, sombres ou neutres. Cela aide le sujet à se démarquer et empêche la lumière de se disperser trop. Un fond sombre amplifie le drame.
* Considérations de localisation: Recherchez des zones où vous pouvez contrôler la lumière. Une pièce avec une seule fenêtre ou un endroit où vous pouvez facilement positionner votre source de lumière.
3. Équipement et configuration:
* Source lumineuse:
* lumière naturelle: Dire la lumière du soleil à travers une fenêtre. Plus la fenêtre est petite, plus la lumière est difficile.
* lumière artificielle: Speedlight ou stroboscope avec une diffusion minimale ou sans diffusion (par exemple, pas de softbox, parapluie). Un réflecteur peut être utilisé avec parcimonie pour remplir subtilement des ombres, mais évitez la tropofture.
* Caméra et objectif:
* caméra: Le reflex numérique ou la caméra sans miroir est idéal pour le contrôle manuel.
* Lens: Un téléobjectif standard à court (par exemple, 50 mm, 85 mm) est souvent préféré pour que les portraits évitent la distorsion.
* Facultatif:
* réflecteur (argent ou blanc): Pour remplir subtilement des ombres, mais utilisez avec parcimonie.
* carte noire / drapeau: Pour réduire davantage le déversement de lumière et approfondir les ombres.
* METTRE LIGHT (facultatif): Pour un contrôle précis de l'exposition, en particulier avec la lumière artificielle.
4. Placement de lumière et pose:
* Placement de la lumière clé: C'est * crucial * pour l'effet dramatique. Expérimentez avec ces positions:
* Éclairage latéral: La source lumineuse est positionnée sur le côté du sujet, créant une forte ligne d'ombre sur le visage. C'est un classique pour les portraits dramatiques.
* Éclairage supérieur: La lumière vient directement au-dessus. Cela peut créer des ombres profondes sous les yeux et le nez, ajoutant l'intensité. Être attentif à l'effet; Cela peut être peu flatteur s'il n'est pas bien fait.
* Éclairage de rétro-éclairage / jante: La source lumineuse est derrière le sujet, créant un contour brillant ou un halo. Cela fonctionne mieux lorsque le sujet est en train de silhouett sur un fond plus sombre. Il peut être combiné avec une petite quantité de lumière de remplissage sur le visage.
* Éclairage de boucle: La lumière est légèrement sur le côté et au-dessus du sujet, créant une petite ombre en forme de boucle sous le nez. Il s'agit d'une option flatteuse qui conserve un drame.
* Éclairage divisé: La lumière est positionnée de sorte que la moitié du visage du sujet soit allumée, et l'autre moitié est dans l'ombre. Cela crée un look très dramatique et intense.
* posant:
* angles: Expérimentez avec différents angles de tête et de corps pour accentuer les ombres et les reflets.
* Expressions: Considérez l'humeur que vous souhaitez créer. Des expressions intenses, pensives ou stoïques fonctionnent souvent bien avec la lumière dure.
* Shadow Play: Faites attention à l'endroit où les ombres tombent sur le visage. Ajustez la lumière et posant pour créer des formes et des motifs intéressants. Pensez à utiliser des ombres pour sculpter le visage.
5. Paramètres de la caméra:
* Mode de prise de vue: Le mode manuel (M) est recommandé pour un contrôle complet.
* ouverture: Choisissez une ouverture en fonction de la profondeur de champ souhaitée. Une ouverture plus large (par exemple, f / 2,8, f / 4) créera une profondeur de champ moins profonde et brouillera l'arrière-plan, mettant l'accent sur le sujet. Une ouverture plus étroite (par exemple, f / 8, f / 11) entraînera une plus grande profondeur de champ, gardant davantage l'image en vigueur.
* ISO: Gardez l'ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit (par exemple, ISO 100, 200). Augmentez-le uniquement si nécessaire pour obtenir une exposition appropriée.
* vitesse d'obturation: Ajustez la vitesse d'obturation pour obtenir une exposition appropriée, en l'équilibrant avec votre ouverture et ISO. Commencez par une vitesse d'obturation sûre pour éviter le flou du mouvement (par exemple, 1/100 ou plus rapidement).
* Balance des blancs: Réglez la balance des blancs de manière appropriée pour votre source lumineuse (par exemple, lumière du jour pour la lumière du soleil, tungstène pour la lumière à incandescence).
* focus: Concentrez-vous attentivement sur les yeux. Une concentration nette est essentielle pour les portraits.
6. Soutien et exposition:
* Spot Metering: Utilisez la mesure du point pour mesurer la lumière sur le visage du sujet. Compteur sur une zone du visage du visage pour éviter de sous-exposer les ombres ou de surexposer les points forts.
* Alerte de surbrillance: Faites une attention particulière à l'alerte de surbrillance de votre appareil photo (clignotements). Évitez d'écraser les reflets (les surexposer à un blanc pur), car cela perdra les détails.
* Évaluez l'histogramme: Passez en revue l'histogramme pour assurer une bonne gamme de tons sans coupure excessive.
7. Post-traitement:
* Ajustements de contraste: Les ajustements de contrastes mineurs peuvent améliorer l'effet dramatique, mais veillez à ne pas en faire trop.
* Dodge &Burn: Utilisez sélectivement les outils d'esquive et de brûlure pour éclaircir subtilement les reflets et assombrir les ombres, en sculptant davantage le visage.
* Affûtage: Appliquez un affûtage pour améliorer les détails, mais utilisez-le avec parcimonie pour éviter de créer des artefacts.
* Conversion en noir et blanc (facultatif): La conversion en noir et blanc peut améliorer le drame et se concentrer sur les tons et les textures. Expérimentez avec différentes techniques de conversion en noir et blanc pour des résultats variés.
Considérations clés et conseils:
* Pratique: Expérimentez avec différentes positions lumineuses, angles et paramètres de la caméra pour voir ce qui vous convient le mieux.
* Confort du sujet: Communiquez avec votre sujet et mettez-les à l'aise. Un sujet détendu entraînera des portraits plus naturels et expressifs.
* observer: Étudiez le travail des photographes qui excellent à utiliser la lumière dure, comme Richard Avedon et Herb Ritts.
* itérer: Prenez beaucoup de photos et passez en revue attentivement. Faites des ajustements à votre configuration et paramètres au besoin.
* N'en faites pas trop: La lumière dure peut être impitoyable. Soyez conscient de l'âge et de l'état de la peau du sujet. Parfois, un ramollissement subtil de la lumière est nécessaire.
* Sécurité: Ne pointez jamais une source de lumière vive directement dans les yeux du sujet.
En maîtrisant les techniques ci-dessus et en pratiquant régulièrement, vous pouvez exploiter la puissance de l'éclairage dur pour créer des portraits convaincants et spectaculaires. Bonne chance!