i. Le modèle de base:(envisagez de l'utiliser comme point de départ et adaptez-le à votre image spécifique)
"Ce portrait était tout au sujet de [ objectif principal / sentiment que vous alliez ], et je l'ai réalisé par ...
* Sujet et connexion: [Décrivez brièvement votre sujet et mentionnez comment vous vous êtes connecté avec eux (le cas échéant). Était-ce un ami, un étranger, un modèle? Comment était l'humeur entre vous?]
* Emplacement: [Décrivez l'emplacement et pourquoi vous l'avez choisi. Quelles étaient ses caractéristiques clés? Était-ce une lumière naturelle, urbaine, studio, etc.?]
* Éclairage: [Détaillez la configuration de l'éclairage. Était-ce une lumière naturelle (heure de la journée, direction), lumière artificielle (type de lumière, nombre de lumières, modificateurs)? Comment la lumière a-t-elle interagi avec le sujet?]
* caméra et objectif: [Spécifiez votre appareil photo et votre objectif. Expliquez * pourquoi * vous avez choisi cette lentille (la distance focale et l'impact de l'ouverture). Donnez les paramètres importants de la caméra comme l'ISO, l'ouverture et la vitesse d'obturation]
* Composition: [Décrire la composition. Règle des tiers? Centré? Lignes principales? Comment avez-vous posé le sujet? Qu'est-ce qui était en arrière-plan?]
* post-traitement: [Mentionnez brièvement votre processus d'édition. Quel logiciel avez-vous utilisé? Quels ont été les ajustements clés que vous avez effectués? Gardez-le concis - ne répertoriez pas chaque curseur que vous avez touché.] "
ii. Éléments clés à considérer en détail:
* Sujet et connexion:
* Qui sont-ils? (Âge, sexe, description générale).
* relation avec vous? (Ami, famille, modèle payant, étranger). Cela compte!
* humeur / ambiance? (Sérieux, ludique, contemplatif, énergique). Comment avez-vous * créé * ou * capturer * cette humeur?
* Directure: Quelle direction avez-vous donnée? Des poses spécifiques? Ou plus candide?
* Rapport: Avez-vous discuté avec eux pour les mettre à l'aise? Avez-vous raconté des blagues? Un sujet confortable est la clé.
* Emplacement:
* Indoor / Outdoor: Grande différence!
* spécificiaires: (Café, parc, studio avec arrière-plan sans couture, rue animée, etc.)
* Pourquoi cet emplacement? Le contexte a-t-il complété le sujet? Cela a-t-il contribué à l'histoire?
* Background: Le fond était-il flou? Occupé? Simple? L'avez-vous consciemment choisi ou le minimiser?
* Éclairage:
* lumière naturelle:
* heure de la journée: (Hour d'or, soleil de midi, couvert). Cela * radicalement * change la lumière.
* Direction: (Lumière avant, lumière latérale, lumière arrière). Comment cela a-t-il affecté les ombres et les reflets?
* modificateur: (Diffuseur, réflecteur, scrim). Avez-vous adoucis ou rebondir la lumière?
* lumière artificielle:
* Type de lumière: (Stroboscope, speedlight, LED continu).
* Nombre de lumières: (Une lumière, deux lumières, etc.)
* Modificateurs: (Softbox, parapluie, plat de beauté, gels). * Crucial * pour comprendre comment les modificateurs façonnent la lumière.
* Paramètres d'alimentation: (Pleine puissance, 1/2 puissance, etc.)
* Positionnement: (Angle au sujet, distance au sujet). De minuscules ajustements font une grande différence.
* Ratio: (La différence de luminosité entre la lumière clé et la lumière de remplissage, si vous utilisez plusieurs lumières.)
* Mémoir à lumière: En avez-vous utilisé un? Pourquoi ou pourquoi pas?
* Caméra et objectif:
* Corps de la caméra: (Par exemple, Canon EOS R6, Sony A7III, Nikon D850, iPhone 14 Pro).
* Lens: (par exemple, 85 mm f / 1,8, 50 mm f / 1,4, 24-70 mm f / 2,8).
* Large focale: Pourquoi avez-vous choisi cette distance focale? (Compression, champ de vision). 85 mm est une distance focale du portrait commune car elle est flatteuse. Les lentilles plus larges déforment davantage le sujet.
* ouverture: Pourquoi avez-vous choisi cette ouverture? (Profondeur de champ). Les ouvertures larges (par exemple, f / 1.8) créent une profondeur de champ peu profonde et des arrière-plans floues. Les ouvertures plus petites (par exemple, f / 8) gardent davantage l'image en vue.
* ISO: Aussi bas que possible pour éviter le bruit, tout en maintenant une bonne vitesse d'obturation.
* vitesse d'obturation: Assez rapide pour éviter le flou de mouvement (en particulier avec le tir portable). Considérez la distance focale de votre objectif - une règle générale est d'utiliser une vitesse d'obturation plus rapidement que la distance focale (par exemple, 1/100 sec pour une lentille de 50 mm).
* Mode de prise de vue: (Priorité d'ouverture, manuel, etc.).
* Mode de mise au point: (AF à point unique, AF continu, détection oculaire AF).
* Composition:
* Règle des tiers: Avez-vous placé le sujet sur l'un des points d'intersection?
* Composition centrée: Parfois efficace, en particulier pour les sujets symétriques.
* lignes de tête: Avez-vous utilisé des lignes dans la scène pour guider l'œil du spectateur?
* cadrage: Avez-vous utilisé des éléments dans la scène pour encadrer le sujet?
* Espace négatif: Combien d'espace vide avez-vous laissé autour du sujet? Que vouliez-vous représenter avec ce vide?
* posant:
* langage corporel: (Détendu, tendu, confiant).
* Placement des mains: (Détail important! Évitez les positions de la main maladroites).
* Contact oculaire: (Direct, évité, regardant autre chose).
* Inclinaison de tête: (Des inclinaisons subtiles peuvent ajouter de l'intérêt).
* angle de vue: (Niveau des yeux, angle élevé, angle bas). Comment cela a-t-il affecté l'apparence du sujet?
* post-traitement (édition):
* Logiciel: (Lightroom, Photoshop, capturez-en un).
* Balance des blancs: Ajusté pour être précis ou pour une humeur spécifique.
* Exposition: Éclairé ou assombri dans l'ensemble.
* Contraste: Augmenté ou diminué pour améliorer ou adoucir les détails.
* Highlights / Shadows: Détails récupérés dans des zones vives ou sombres.
* Clarity / Texture: Ajouté ou réduit pour souligner ou adoucir les détails.
* Affûtage: Ajouté pour la netteté.
* Réduction du bruit: Bruit réduit, en particulier aux ISO élevés.
* Gradage des couleurs: Couleurs ajustées pour créer une humeur ou un style spécifique (par exemple, des tons chauds, des tons frais, un look désaturé).
* Retouching: (Lissage de la peau, élimination des imperfections, etc.). Combien avez-vous fait?
* Croping: Pour améliorer la composition.
* Conversion en noir et blanc: Le cas échéant, comment avez-vous ajusté les tons?
iii. Exemples (en utilisant le modèle):
Exemple 1:Portrait de rue Candid (lumière naturelle)
«Ce portrait était de capturer un moment authentique et quotidien d'un homme absorbé par son journal.
* Sujet et connexion: Le sujet était un étranger que j'ai vu assis sur un banc de parc. J'ai admiré sa concentration et la scène classique qu'il a présentée. Je n'ai pas du tout interagi avec lui; C'était un coup franc.
* Emplacement: Un petit parc au centre-ville [nom de la ville]. Le banc usé et la lumière du soleil pachée filtrant à travers les arbres ont créé un cadre naturel et intime.
* Éclairage: Lumière naturelle, vers 10h00. Le soleil était suffisamment élevé pour fournir un bon éclairage mais a été filtré par les feuilles, créant une lumière douce et diffuse. Je me suis positionné pour obtenir une légère lumière latérale sur son visage.
* caméra et objectif: Sony A7III avec un objectif de 50 mm f / 1,8. J'ai choisi le 50 mm pour sa polyvalence et la capacité de créer un fond légèrement flou. ISO 200, f / 2,8 (pour la profondeur de champ peu profonde) et 1/250 s (pour geler tout léger mouvement).
* Composition: J'ai utilisé la règle des tiers, plaçant légèrement l'homme à gauche du cadre. Le fond flou a aidé à l'isoler et à attirer l'attention sur sa lecture.
* post-traitement: À Lightroom, j'ai fait des ajustements mineurs à l'exposition et au contraste. J'ai également légèrement réchauffé la balance des blancs et ajouté une touche d'affûtage. "
Exemple 2:Portrait de studio (configuration d'une lumière)
"Ce portrait visait à créer une image dramatique et de mauvaise humeur, mettant en évidence la force et l'intensité du sujet.
* Sujet et connexion: Le sujet était un modèle masculin avec une forte mâchoire. Nous avons discuté de l'humeur que je voulais réaliser à l'avance, en nous concentrant sur une expression sérieuse et puissante.
* Emplacement: Un studio avec un fond en papier noir sans couture. Cela a fourni une toile de fond propre et sans distraction.
* Éclairage: Un seul stroboscope avec une grande boîte à soft positionnée à un angle de 45 degrés par rapport au sujet, légèrement au-dessus du niveau des yeux. Cela a créé une lumière directionnelle douce avec des ombres subtiles. Je n'ai pas utilisé de réflecteur, permettant à l'ombre de son visage de tomber dans l'ombre plus profonde.
* caméra et objectif: Canon EOS R6 avec un objectif F / 1,4 de 85 mm. Le 85 mm fournit une compression flatteuse. J'ai tiré sur ISO 100, f / 2.0 (pour une profondeur peu profonde de champ et une peau lisse) et 1/200 s (vitesse de synchronisation pour le stroboscope).
* Composition: Un coup de tête serré, remplissant le cadre avec son visage. Je lui ai demandé de regarder directement dans la caméra avec une expression déterminée. J'ai légèrement recadré pour créer une sensation plus dynamique.
* post-traitement: Dans Photoshop, j'ai effectué des retouches de peau mineures pour éliminer les imperfections. J'ai également esquivé et brûlé pour souligner les points forts et les ombres, améliorant encore l'effet dramatique. J'ai ajouté une légère vignette pour assombrir les bords du cadre. "
Exemple 3:Golden Hour Portrait (portrait environnemental)
«Ce portrait a cherché à capturer la chaleur et la beauté de la lumière des heures d'or tout en racontant une histoire sur le lien du sujet à la nature.
* Sujet et connexion: Le sujet était un ami passionné par le jardinage. Je voulais capturer sa joie et sa connexion avec son jardin. Nous avons parlé et ri en nous promenant dans la cour.
* Emplacement: Le jardin de mon ami, rempli de fleurs et de plantes. J'ai choisi cet endroit car il reflétait sa personnalité et sa passion.
* Éclairage: Heure d'or, environ une heure avant le coucher du soleil. La lumière était chaude, douce et directionnelle. Je l'ai positionnée pour que le soleil soit légèrement derrière elle, créant une subtile lumière de jante autour de ses cheveux.
* caméra et objectif: Nikon D850 avec un objectif F / 1,8 35 mm. Je voulais inclure plus d'environnement, alors j'ai opté pour un angle plus large. ISO 100, f / 2,8 (pour brouiller légèrement l'arrière-plan) et 1/250 sec.
* Composition: J'ai utilisé des lignes principales du chemin du jardin pour attirer l'œil du spectateur vers elle. Elle a été posée naturellement, tenant une fleur et souriant.
* post-traitement: À Lightroom, j'ai amélioré la chaleur de la lumière des heures d'or. J'ai également légèrement augmenté la saturation des légumes verts et des fleurs. "
iv. Conseils pour écrire votre propre "comment j'ai obtenu la photo":
* être spécifique: Ne dis pas simplement "J'ai utilisé une boîte à soft." Dites * quelle taille * softbox, * à quelle distance * elle était, et * à quel angle *.
* Expliquez votre raisonnement: * Pourquoi * avez-vous fait les choix que vous avez faits? C'est la partie la plus précieuse.
* Utilisez correctement les termes techniques: Si vous n'êtes pas sûr d'un terme, regardez-le!
* Soyez honnête: Il est normal d'admettre des erreurs ou des défis auxquels vous avez été confronté. "J'ai d'abord eu la lumière trop haute et cela a créé des ombres dures, alors je l'ai baissée ..."
* Pratique: Plus vous analysez vos propres photos, mieux vous deviendrez pour expliquer votre processus.
* public: Pour qui écrivez-vous ceci? Si c'est pour les débutants, évitez le jargon trop technique. Si c'est pour les photographes expérimentés, vous pouvez entrer plus en détail.
* Lire des exemples: Regardez des articles ou des vidéos "en coulisses" de photographes que vous admirez. Voyez comment ils décrivent leur processus.
En suivant ces directives, vous pouvez créer des descriptions convaincantes et informatives de la façon dont vous avez capturé vos images de portrait. Bonne chance!