i. Planification et conceptualisation de pré-shoot (la fondation)
C'est sans doute l'étape la plus cruciale. Ne vous contentez pas de prendre votre appareil photo et espérez le meilleur. Pensez à ce que vous voulez réaliser.
1. Définissez votre vision / concept:
* quelle est l'histoire? Quel message essayez-vous de transmettre? S'agit-il de la force, de la vulnérabilité, de la joie, de la mélancolie, du mystère, de l'autonomisation, etc.? Un concept clair guidera vos décisions.
* Humeur et atmosphère: Comment voulez-vous que le portrait se sente? Rêve, énervé, intime, cinématographique, surréaliste? Considérez des adjectifs comme:* éthéré, granuleux, romantique, audacieux, ludique, sombre, dramatique *.
* Inspiration: Regardez d'autres photographes, peintres, films, magazines de mode, nature, etc. Ne le copiez pas, mais utilisez-le comme tremplin pour vos propres idées. Créez une planche d'humeur sur Pinterest, enregistrez des images dans un dossier ou des idées de croquis.
2. Sélection et collaboration du modèle:
* Ajustez le concept: Choisissez un modèle dont le look et la personnalité s'alignent sur votre vision. Un modèle qui a l'air délicat et éthéré ne serait pas idéal pour un tournage granuleux sur le thème de l'industrie.
* Communiquez votre vision: Expliquez clairement votre concept, votre tableau d'humeur et vos poses souhaitées à votre modèle * avant * le tournage. La communication ouverte est essentielle.
* Release du modèle: Ayez toujours un formulaire de version de modèle signé, surtout si vous prévoyez d'utiliser les images commercialement ou de les soumettre pour publication.
* Considérons les modèles non professionnels: Ne vous limitez pas aux modèles professionnels. Parfois, un ami ou quelqu'un avec un look unique peut apporter quelque chose de spécial au tournage.
* collaborer: Obtenez leur avis! Ils pourraient avoir des idées qui améliorent votre vision.
3. Scoutisme de localisation (ou planification de studio):
* scout à l'avance: Si vous tournez à l'extérieur, visitez l'emplacement au moment de la journée, vous prévoyez de tirer pour évaluer l'éclairage et les défis potentiels. Considérez l'arrière-plan, les textures, les couleurs et la lumière disponible.
* Considérations intérieures: Si vous tournez dans un studio, assurez-vous d'avoir un espace, des décors, des équipements d'éclairage et des prises de courant adéquates. Planifiez votre configuration d'éclairage à l'avance.
* pensez à l'arrière-plan: L'arrière-plan fait partie de l'histoire. Sera-t-il flou, une scène animée ou une toile de fond minimaliste? Considérez comment il complète le modèle et le concept.
4. Armoire, cheveux et maquillage:
* intégrale au concept: Les vêtements, la coiffure et le maquillage devraient tous travailler ensemble pour améliorer l'humeur et l'histoire globales.
* planifier à l'avance: Décidez bien de la garde-robe avant le tournage. Coordonner les couleurs, les textures et les styles.
* maquilleur: Envisagez d'embaucher une maquilleuse professionnelle si le concept le demande. Même le maquillage naturel peut faire une grande différence.
* coiffeur: Semblable au maquillage, un coiffeur peut donner vie à votre vision.
* Fournit l'inspiration: Partagez votre tableau d'humeur avec les équipes de garde-robe, de cheveux et de maquillage.
5. Plan d'éclairage:
* lumière naturelle vs lumière artificielle: Décidez du type de lumière que vous utiliserez. La lumière naturelle est belle mais moins contrôlable. La lumière artificielle offre plus de contrôle mais nécessite de l'équipement.
* Lumière clé, remplissage de la lumière, rétro-éclairage: Comprendre les principes de base de l'éclairage. Où sera positionné votre lumière clé? Utiliserez-vous une lumière de remplissage pour adoucir les ombres? Utiliserez-vous un rétro-éclairage pour séparer le modèle de l'arrière-plan?
* Modificateurs: Expérimentez avec des modificateurs comme les boîtes aux soft, les parapluies, les réflecteurs et les gels pour façonner et contrôler la lumière.
* Couleur: Considérez comment la température de couleur (chaude ou cool) affectera l'humeur de l'image.
* Pratique: Pratiquez votre configuration d'éclairage avant l'arrivée du modèle.
6. accessoires et accessoires:
* ajouts délibérés: Ne vous contentez pas d'ajouter des accessoires pour les ajouter. Ils devraient contribuer à l'histoire ou améliorer l'intérêt visuel.
* Symbolisme: Les accessoires peuvent être utilisés pour ajouter un sens symbolique au portrait.
* Considérez l'échelle: Pensez à la taille et à l'échelle de vos accessoires par rapport au modèle.
ii. Le tournage (mettre le plan en action)
1. Paramètres de la caméra:
* ouverture: Choisissez votre ouverture en fonction de la profondeur de champ souhaitée. Une large ouverture (par exemple, f / 1,8, f / 2.8) créera une profondeur de champ peu profonde et brouillera l'arrière-plan. Une ouverture plus petite (par exemple, f / 8, f / 11) créera une plus grande profondeur de champ et maintiendra davantage la scène dans le foyer.
* vitesse d'obturation: Choisissez une vitesse d'obturation suffisamment rapide pour éviter le flou de mouvement. Un bon point de départ est de 1 / focale (par exemple, si vous utilisez un objectif de 50 mm, essayez 1 / 50e de seconde). Ajustez au besoin.
* ISO: Gardez votre ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez-le uniquement si vous en avez besoin pour obtenir une exposition appropriée.
* Format brut: Tirez au format brut pour préserver autant de données d'image que possible pour le post-traitement.
* Balance des blancs: Définissez votre balance blanche en fonction des conditions d'éclairage. Utilisez une balance blanche personnalisée si possible.
2. Composition et posant:
* Règle des tiers: Placez le sujet dans le sens ou aux intersections de la Grille de la règle des tiers pour une composition plus attrayante visuellement.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* Espace négatif: Utilisez un espace négatif pour créer un sentiment d'équilibre et pour souligner le sujet.
* angles: Expérimentez avec différents angles. La prise de vue sous un angle bas peut rendre le sujet puissant, tandis que le tir sous un angle élevé peut les rendre vulnérables.
* Posing Guidance: Ne dites pas simplement au modèle de «rester là». Fournir des instructions spécifiques sur la façon de poser. Pensez aux lignes du corps et à la façon dont elles créent des formes. Utilisez vos mains pour démontrer la pose.
* La communication est la clé: Donnez une rétroaction constante au modèle. Dites-leur ce que vous aimez et ce que vous voulez qu'ils changent. Encouragez-les à essayer différentes expressions et poses.
* Connexion: Encouragez le modèle à se connecter avec la caméra. Le contact visuel est puissant.
* enfreindre les règles: Une fois que vous comprenez les règles de la composition, n'ayez pas peur de les briser. Parfois, les images les plus intéressantes sont celles qui défient la convention.
3. Considérations techniques:
* focus: Assurez-vous que votre objectif est vif sur les yeux. Utilisez le mode automatique à point unique pour un contrôle précis.
* Exposition: Utilisez l'histogramme de votre appareil photo pour vous assurer que votre exposition est correcte. Évitez d'écraser les reflets ou les ombres.
* Éclairage: Faites attention à l'éclairage et comment il affecte l'humeur de l'image. Ajustez votre éclairage au besoin.
4. Expérimentation:
* N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses: Expérimentez avec différents angles, poses, techniques d'éclairage et paramètres de la caméra.
* Prendre des risques: N'ayez pas peur de prendre des risques. Certaines des meilleures images proviennent de la prise de risques.
* Amusez-vous! Si vous ne vous amusez pas, cela montrera dans votre travail.
iii. Techniques et idées créatives (ajoutant le "créatif")
C'est là que vous injectez votre personnalité et votre vision.
1. techniques d'éclairage:
* Éclairage de jante: Crée un effet de halo autour du sujet.
* Éclairage dur: Crée des ombres dramatiques.
* Éclairage doux: Crée une lumière flatteuse, voire.
* gels colorés: Ajoutez de la couleur à la lumière pour un effet surréaliste ou dramatique.
* peinture légère: Utilisez une source de lumière pour «peindre» sur le sujet lors d'une longue exposition.
* bokeh: Créez un fond flou à l'aide d'une large ouverture.
* silhouette: Exposez pour l'arrière-plan et laissez le sujet être silhouetté.
* Lumière projetée: Projet de modèles ou d'images sur le sujet à l'aide d'un projecteur.
* en utilisant des ombres de manière créative: Pensez à la forme et à la texture des ombres.
2. Composition unique:
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan pour encadrer le sujet.
* symétrie: Créez une composition symétrique.
* asymétrie: Créez une composition asymétrique.
* Close-ups: Concentrez-vous sur un détail spécifique, comme les yeux ou les mains.
* Plans larges: Capturez le sujet dans un environnement plus large.
* Perspectives inhabituelles: Tirer sous un angle très élevé ou très bas.
* Angle néerlandais: Inclinez la caméra pour créer un sentiment de malaise ou de désorientation.
3. accessoires et narration:
* objets symboliques: Utilisez des accessoires pour représenter des concepts abstraits.
* Éléments contrastés: Juxtaposer des éléments contrastés pour créer un intérêt visuel.
* surréalisme: Incorporez des éléments surréalistes pour créer une qualité onirique.
* Textures inhabituelles: Incorporez des textures dans l'arrière-plan ou le premier plan.
* Incorporer la nature: Utilisez des éléments naturels comme les fleurs, les feuilles ou l'eau.
4. Effets dans la caméra:
* Double exposition: Combinez deux images en une seule.
* Blur de mouvement: Utilisez une vitesse d'obturation lente pour créer un flou de mouvement.
* Zoom Burst: Zoomer ou sortir tout en prenant une longue exposition.
* Flare d'objectif: Créer intentionnellement la poussée de la lentille.
* Prism Photography: Utilisez un prisme pour réfracter la lumière et créer des effets intéressants.
* hacks vaseline / filtre: Créez un effet rêveur en étalant la vaseline sur le bord d'un filtre clair (utilisez avec parcimonie et soigneusement!).
5. Techniques de post-traitement (The Final Touch)
1. Logiciel: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One sont des normes de l'industrie. GIMP est une alternative ouverte gratuite.
2. Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Highlights / Shadows: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Blancs / Noirs: Réglez les points blancs et noirs.
* Clarity / Texture: Ajouter ou réduire la clarté et la texture.
* Vibrance / saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Balance des blancs: Affiner la balance des blancs.
3. Retouching (utilisez avec parcimonie et éthiquement):
* lissage de la peau: Réduisez les imperfections et les rides (mais n'en faites pas trop!).
* Séparation de fréquence: Retoucher la peau tout en préservant la texture (technique avancée).
* esquive et brûler: Éclairer et assombrir des zones spécifiques pour améliorer la forme et la dimension.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et ajoutez un coup de pouce.
* Whitening des dents: Blanchir les dents (subtilement!).
4. Effets créatifs:
* Gradage des couleurs: Ajustez les couleurs pour créer une humeur ou un style spécifique. Utilisez la tonification divisée pour ajouter différentes couleurs aux reflets et aux ombres.
* Couleur sélective: Isoler et améliorer des couleurs spécifiques.
* Conversion en noir et blanc: Convertissez l'image en noir et blanc. Expérimentez avec différents préréglages en noir et blanc.
* Ajout de grains: Ajoutez du grain pour créer un look vintage ou en forme de film.
* vignet: Ajoutez une vignette pour assombrir les bords de l'image et attirer l'attention sur le centre.
* Ajout de textures / superpositions: Superposer des textures ou des images pour créer un effet unique.
* Manipulation Photoshop: (Advanced) Utilisez Photoshop pour créer des portraits surréaliste ou basés sur la fantaisie. Cela peut impliquer de composer plusieurs images, d'ajouter des effets spéciaux et de manipuler des formes et des couleurs.
iv. Pratique et commentaires
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* recherchez des commentaires: Partagez votre travail avec d'autres photographes et demandez des critiques constructives. Soyez ouvert aux commentaires et utilisez-le pour améliorer vos compétences.
* Apprenez de vos erreurs: Analysez vos images et identifiez ce que vous auriez pu faire mieux.
Prise des clés pour la photographie de portrait créative:
* Le concept est roi: Un concept fort est le fondement d'un portrait créatif.
* La collaboration est essentielle: Travaillez en étroite collaboration avec votre modèle, styliste et autres membres de l'équipe.
* Expérimentez et prenez des risques: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de repousser vos limites.
* Racontez une histoire: Utilisez vos portraits pour raconter une histoire ou transmettre un message.
* Développez votre propre style: Trouvez votre propre voix et votre perspective unique.
* Amusez-vous! Profitez du processus et laissez votre créativité couler.
En suivant ces étapes et en pratiquant et en apprenant continuellement, vous serez en bonne voie pour créer une photographie de portrait étonnante et créative. Bonne chance, et amusez-vous!