i. Planification et concept
* L'histoire que vous souhaitez raconter: Quelle humeur ou quelle émotion visez-vous? (par exemple, joie, mystère, force, vulnérabilité). Considérez la personnalité de la personne et ce que vous voulez mettre en évidence.
* Sujet: Pensez à ce qui rend votre sujet unique. Comment pouvez-vous présenter cela dans le portrait? Sont-ils à l'aise devant la caméra? Ont-ils des préférences?
* Emplacement: Où allez-vous tirer? (Studio, plein air, chez eux). L'emplacement devrait compléter l'histoire et le sujet. Emplacements des éclaireurs à l'avance. Recherchez de bons arrière-plans légers et intéressants. Si c'est à l'extérieur, considérez l'heure et la météo.
* garde-robe et style: Les vêtements, les cheveux et le maquillage peuvent avoir un impact significatif sur la sensation générale du portrait. Coordonnez avec votre sujet à l'avance. Simple est souvent meilleur que occupé. Évitez les modèles ou logos distrayants. Considérez les couleurs qui complètent l'emplacement et le teint.
* Mood Board / Inspiration: Collectez des images qui vous inspirent - l'éclairage, la pose, les palettes de couleurs, etc. Cela vous aide à visualiser votre image finale et à communiquer votre vision à votre sujet.
ii. Équipement
* caméra: Toute caméra avec des commandes manuelles fonctionnera, mais une caméra DSLR ou sans miroir vous offre le plus de flexibilité. Considérez le plein format pour de meilleures performances en basse lumière et une profondeur de champ moins profonde.
* objectifs: C'est crucial.
* 50 mm: Une lentille polyvalente pour les portraits. Souvent appelé «Nifty Fifty». Idéal pour les tirs à la tête et les portraits du haut du corps.
* 85 mm: Un objectif de portrait classique. Offre un beau flou de fond (bokeh) et une perspective flatteuse.
* 35 mm: Utile pour les portraits environnementaux, montrant davantage de l'environnement du sujet.
* lentilles zoom (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm): Offrez la polyvalence, mais les objectifs privilégiés ont souvent des ouvertures plus larges (nuages F plus bas) pour un meilleur flou d'arrière-plan.
* Éclairage:
* lumière naturelle: Le plus accessible. Recherchez l'ombre ouverte ou la lumière du soleil diffus. Évitez la lumière directe du soleil, qui peut provoquer des ombres dures et des plis. Le "Hour d'or" (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) fournit une lumière chaude et douce. Le "Blue Hour" (juste avant le lever du soleil et juste après le coucher du soleil) peut fournir une lumière douce et froide.
* réflecteur: Essentiel pour rebondir la lumière dans les ombres et l'ajout de remplissage. Un simple réflecteur blanc ou argenté peut faire une grande différence.
* speedlight / strobe (flash): Pour plus de contrôle sur l'éclairage. Apprenez à les utiliser hors caméra avec des modificateurs (softboxs, parapluies) pour une lumière plus douce et plus flatteuse.
* lumière continue (panneaux LED, etc.): Plus facile à voir l'effet en temps réel par rapport aux flashs, mais souvent pas aussi puissant.
* Trépied: Utile pour les images nettes, en particulier en basse lumière.
* Mémoir à lumière: Utile pour une exposition cohérente lorsque vous utilisez des stroboscopes, mais pas essentiels si vous comprenez le triangle d'exposition (ouverture, vitesse d'obturation, ISO).
* arrière-plans (si en studio): Bollants en papier, Tabots de tissus ou même un mur vide.
iii. Paramètres de la caméra (triangle d'exposition)
* ouverture (f-stop): Contrôle la profondeur de champ (la zone de mise au point).
* large ouverture (par ex., f / 1,4, f / 2.8): Profondeur de champ peu profonde, brouille l'arrière-plan, isole le sujet. Idéal pour les portraits.
* ouverture étroite (par exemple, f / 8, f / 11): Profondeur de champ, maintient davantage la scène dans le foyer. Pas généralement idéal pour les portraits à sujet unique.
* vitesse d'obturation: Contrôle combien de temps le capteur de la caméra est exposé à la lumière.
* Vitesse d'obturation plus rapide (par exemple, 1/200e SEC, 1/500th SEC): Gèle le mouvement, réduit le shake de la caméra.
* vitesse d'obturation plus lente (par exemple, 1 / 60e SEC, 1/30th SEC): Permet plus de lumière, mais augmente le risque de flou de mouvement et de secouer de la caméra. Utilisez un trépied.
* ISO: Contrôle la sensibilité de la caméra à la lumière.
* faible ISO (par exemple, ISO 100, ISO 200): Produit des images plus propres avec moins de bruit. Idéal pour les conditions lumineuses.
* ISO élevé (par exemple, ISO 800, ISO 1600, ISO 3200): Vous permet de tirer en basse lumière, mais augmente le bruit (grain) dans l'image.
* Mode de mesure: La mesure évaluative / matrice est généralement un bon point de départ. La mesure au comptant peut être utile dans les situations d'éclairage difficiles.
* Mode de mise au point: La mise au point automatique à point unique (AF-S ou AF à un coup) est souvent la plus précise pour les portraits. Concentrez-vous sur les yeux. L'autofocus continu (AF-C ou AI Servo AF) peut être utile si le sujet se déplace.
* Balance des blancs: Réglez-le de manière appropriée pour la source lumineuse (par exemple, lumière du jour, nuageuse, tungstène, fluorescent). Vous pouvez également tirer en brut et ajuster la balance des blancs en post-traitement.
* Mode de prise de vue: Le mode priorité d'ouverture (AV ou A) est souvent un bon choix pour les portraits. Vous contrôlez l'ouverture et la caméra choisit la vitesse d'obturation. Le mode manuel (M) vous donne un contrôle complet.
iv. Techniques d'éclairage
* Configuration d'une lumière: Un bon point de départ. Placez la source de lumière sur le côté du sujet pour un motif d'ombre flatteur. Utilisez un réflecteur pour remplir les ombres.
* Configuration à deux lumières: Utilisez une lumière comme lumière clé (lumière principale) et l'autre comme une lumière de remplissage pour réduire le contraste. Ou, utilisez une lumière comme lumière de jante (rétro-éclairage) pour séparer le sujet de l'arrière-plan.
* Éclairage papillon: Placez la source lumineuse directement devant le sujet et légèrement au-dessus. Crée une petite ombre en forme de papillon sous le nez. Flatteur pour de nombreux visages.
* Éclairage Rembrandt: Placez la source de lumière sur le côté du sujet, créant un triangle de lumière sur la joue en face de la source de lumière.
* Éclairage large: Le côté du visage le plus proche de la caméra est également le côté du visage qui est principalement éclairé. Cela peut rendre un visage plus large.
* Éclairage court: Le côté du visage le plus proche de la caméra est également le côté du visage qui est principalement dans l'ombre. Cela peut rendre un visage plus mince.
v. Posant
* La communication est la clé: Parlez à votre sujet et mettez-les à l'aise. Donnez-leur des instructions claires.
* Démarrez simple: Commencez par des poses de base et expérimentez progressivement.
* Corps incliné: Évitez de faire face au sujet de la caméra. Un léger angle est généralement plus flatteur.
* Chin en avant et en bas (légèrement): Cela peut aider à définir la mâchoire. Évitez les doubles mentons. "Turtle-Necking" le menton sortira un peu.
* mains: Soyez conscient des mains. Demandez-leur de faire quelque chose de naturel (par exemple, tenant un objet, reposant sur la jambe). Évitez les positions de la main maladroites. Encouragez les doigts détendus.
* Contact oculaire: Le contact visuel direct peut être puissant, mais parfois une légèreté légèrement à distance peut créer une humeur plus contemplative.
* Distribution de poids: Demandez au sujet de déplacer légèrement leur poids à une jambe pour une pose plus détendue.
* Entraînez-vous à vous poser: Tenez-vous devant un miroir et expérimentez avec différentes poses. Cela vous aidera à mieux comprendre ce qui a l'air bien et comment guider votre sujet.
* N'ayez pas peur de donner des détails: "Tournez légèrement la tête vers la gauche." "Soulevez un peu le menton." "Détendez-vous vos épaules."
* Encourager le mouvement naturel: Demandez à votre sujet de se déplacer un peu et de les capturer entre les poses. Ces moments francs sont souvent les meilleurs.
vi. Composition
* Règle des tiers: Placez les yeux du sujet ou d'autres éléments clés le long des lignes ou aux intersections de la Grille de la règle des tiers.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour attirer l'œil du spectateur sur le sujet.
* Espace négatif: Laissez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment d'équilibre et attirez l'attention sur eux.
* cadrage: Utilisez des éléments dans la scène (par exemple, arbres, portes) pour encadrer le sujet.
* arrière-plans: Choisissez des arrière-plans propres et épurés. Évitez les éléments distrayants qui détourneront l'attention du sujet.
vii. Post-traitement (édition)
* Shoot in Raw: Les fichiers bruts contiennent plus d'informations que les JPEG, vous offrant plus de flexibilité dans le post-traitement.
* Logiciel: Adobe Lightroom et Adobe Photoshop sont les normes de l'industrie. Les autres options incluent la capture un, la luminar AI et le gimp (gratuit).
* Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité et le contraste.
* Balance des blancs: Coulages de couleur corrects.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les zones vives et sombres.
* Clarity &Texture: Ajoutez une netteté et une définition. Faites attention à ne pas en faire trop.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Retouching:
* lissage de la peau: Réduisez les imperfections et les rides. Utilisez une touche légère pour éviter de rendre la peau non naturelle.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et ajoutez un éclat subtil.
* Dodge &Burn: Éclairer et assombrir des zones spécifiques pour créer des dimensions et mettre en évidence les caractéristiques.
* Gradage des couleurs: Ajustez les couleurs de l'image pour créer une humeur ou un style spécifique.
* Affûtage: Aiguisez l'image comme étape finale pour faire ressortir les détails.
* Croping: Ajustez la composition pour améliorer l'impact global de l'image.
* Presets / actions: Utilisez des préréglages ou des actions pour accélérer votre flux de travail. Cependant, évitez de compter entièrement sur eux. Il est préférable d'apprendre les bases et d'ajuster les paramètres manuellement.
viii. Les principaux plats à retenir
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Apprenez des autres: Étudiez le travail des photographes que vous admirez.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles.
* Obtenez des commentaires: Partagez votre travail et demandez des critiques constructives.
* Amusez-vous! Si vous vous amusez, votre sujet le fera aussi.
Exemple de scénario:Portrait en plein air pendant l'heure d'or
1. Concept: Capturez un portrait détendu et joyeux d'une femme dans un champ de fleurs sauvages pendant l'heure d'or.
2. équipement: DSLR, objectif 85 mm, réflecteur.
3. Paramètres: Ouverture f / 2,8, ISO 200, vitesse d'obturation ajustée pour maintenir une exposition appropriée, la balance des blancs réglée sur «l'ombre» ou le «nuageux» pour les tons plus chauds.
4. Éclairage: Golden Hour Sunlight par derrière, Reflector pour rebondir sur son visage.
5. posant: Demandez-lui de rester sur le côté de la caméra, légèrement incliné vers la lumière. Demandez-lui de sourire naturellement et regardez la caméra. Encouragez-la à interagir avec les fleurs sauvages.
6. Composition: Utilisez la règle des tiers pour la placer dans le cadre. Incluez certains des fleurs sauvages au premier plan et en arrière-plan pour créer un sentiment de profondeur.
7. Post-traitement: Ajustez l'exposition, la balance des blancs, les reflets et les ombres. Adoucir légèrement la peau. Ajoutez une qualité de couleur chaude.
En comprenant et en appliquant ces principes, vous serez sur la bonne voie pour capturer de superbes portraits qui racontent une histoire et capturent l'essence de votre sujet. Bonne chance et amusez-vous à tirer!