1. Prioriser même l'éclairage diffusé:
* La règle d'or: Évitez les ombres durs et les reflets. C'est le facteur le plus critique.
* lumière naturelle (préférée): Si possible, utilisez la lumière naturelle. Positionnez votre illustration près d'une grande fenêtre, mais pas en plein soleil. La lumière directe du soleil créera des ombres dures et une exposition inégale. Les jours couverts sont idéaux. La lumière doit tomber uniformément à travers la surface de l'œuvre d'art.
* lumière artificielle: Si la lumière naturelle n'est pas disponible, utilisez deux softbox ou deux lumières avec des diffuseurs placés à des angles de 45 degrés de chaque côté de l'œuvre d'art. Assurez-vous que les sources lumineuses sont identiques (même puissance, température de couleur). Pensez à utiliser des lumières LED continues conçues pour la photographie car ils offrent une couleur cohérente. Évitez d'utiliser le flash intégré de votre appareil photo - il produit presque toujours des résultats terribles.
* cohérence de la température de couleur: Assurez-vous que toutes vos sources de lumière ont la même température de couleur (mesurée en Kelvin). Mélanger différentes températures de couleur (par exemple, lumière du jour et incandescence) entraînera des moulages de couleur qui sont difficiles à corriger en post-traitement. 5000-6500K est généralement recommandé pour la couleur neutre.
2. Stabilisez votre appareil photo (le trépied est un must):
* Éliminez le flou: Un trépied n'est pas négociable pour atteindre des images nettes, en particulier dans des conditions de lumière inférieure. Même la moindre appareil photo peut provoquer un flou.
* positionnement cohérent: Un trépied vous permet de maintenir une position cohérente de la caméra tout au long du processus de prise de vue, ce qui est important si vous photographiez plusieurs pièces ou si vous avez besoin de prendre plusieurs photos pour l'empilement de mise au point ou d'autres techniques.
* Release d'obturation à distance (recommandée): Utilisez un déclencheur distant (câblé ou sans fil) pour minimiser davantage la shake de la caméra. Si vous n'avez pas de télécommande, utilisez l'auto-temps de votre appareil photo (le retard de 2 secondes est généralement suffisant).
3. Les paramètres de la caméra sont importants (ouverture, ISO, Balance des blancs):
* ouverture (f / 8 à f / 11): Utilisez une ouverture de milieu de gamme comme f / 8 à f / 11 pour vous assurer que toute l'œuvre est au point. Aller beaucoup plus large (nombre F inférieur) vous donnera une profondeur de champ peu profonde, et certaines parties de l'œuvre peuvent être floues. Aller beaucoup plus étroit (nombre F plus élevé) peut introduire la diffraction, ce qui peut adoucir légèrement l'image.
* ISO (le plus bas possible): Gardez votre ISO aussi bas que possible (généralement ISO 100 ou 200) pour minimiser le bruit / les grains dans votre image. L'utilisation d'un trépied vous permettra d'utiliser un ISO inférieur car vous pouvez utiliser une vitesse d'obturation plus longue.
* Balance blanche (personnalisée ou préréglé): Réglez correctement votre balance du blanc pour assurer des couleurs précises. Utilisez une carte grise pour prendre une lecture de balance des blancs personnalisée si vous en avez un. Sinon, utilisez un préréglage qui correspond à votre source de lumière (par exemple, "lumière du jour" pour la lumière naturelle, "tungstène" ou "incandescent" pour les lumières intérieures, "fluorescente" si vous utilisez des ampoules fluorescentes, ou "personnalisé" et ajustez manuellement). Le tir au format brut vous donnera plus de flexibilité pour ajuster la balance des blancs en post-traitement.
* Shoot in Raw: Tirez toujours dans un format brut. Cela capture beaucoup plus d'informations que JPEG et permet une plus grande flexibilité dans le post-traitement, en particulier lors de la correction des couleurs et de l'exposition.
4. Positionnez correctement l'illustration et la caméra:
* carré et parallèle: Assurez-vous que l'œuvre est parfaitement parallèle au capteur de la caméra. Cela minimise les problèmes de distorsion et de perspective. Utilisez un niveau pour confirmer que l'œuvre d'art est accrochée. La caméra doit également être de niveau.
* Framinage centré: Encadrez soigneusement l'œuvre, laissant une petite quantité d'espace sur les bords. Évitez de couper toutes les parties de l'œuvre d'art.
* Zoom, ne bouge pas: Utilisez la fonction de zoom de votre appareil photo pour ajuster le cadrage. Évitez de déplacer physiquement l'appareil photo ou plus loin, car cela peut changer la perspective.
5. Focus avec précision:
* Focus manuel (recommandé): Passez à la mise au point manuelle et utilisez Live View (si votre appareil photo a) pour zoomer et se concentrer précisément sur un domaine détaillé de l'œuvre d'art.
* automatique (si nécessaire): Si vous utilisez l'autofocus, utilisez un seul point de mise au point et placez-le sur une zone à contraste élevé de l'œuvre d'art. Ensuite, verrouillez la mise au point et recomposez la photo.
* Focus Picing: Si votre appareil photo a un pic de mise au point, permettez-le de vous aider à confirmer visuellement que l'œuvre d'art est en évidence.
6. Vérifiez les réflexions et les reflets:
* Réglage de l'angle: De petits ajustements à l'angle de l'œuvre ou de l'éclairage peuvent souvent éliminer les réflexions et les reflets.
* Filtre polarisant (facultatif): Un filtre polarisant peut réduire les reflets et les réflexions, en particulier sur les surfaces brillantes. Cependant, veillez à ne pas sur-polariser l'image, ce qui peut le rendre non naturel.
* surfaces mates: Si possible, envisagez de photographier des illustrations derrière du verre mat ou de l'acrylique, qui minimisera les réflexions.
7. Post-traitement (l'édition est la clé):
* Logiciel: Utilisez un logiciel de retouche photo comme Adobe Photoshop, Lightroom, Capture One ou GIMP (gratuit) pour affiner vos images.
* Ajustements essentiels:
* cultiver et redresser: Corrigez les problèmes de perspective restants en recadrant et en redressant l'image.
* Exposition et contraste: Ajustez l'exposition et le contraste pour obtenir un aspect équilibré et attrayant.
* Balance des blancs: Affinez l'équilibre du blanc pour assurer des couleurs précises.
* Correction des couleurs: Ajustez la saturation et la vibrance pour améliorer les couleurs de l'œuvre d'art.
* Affûtage: Appliquez une petite quantité d'aiguisme pour améliorer les détails. Faites attention à ne pas sur-sharpen, ce qui peut créer des artefacts indésirables.
* supprimer les imperfections: Clone sur toutes les taches de poussière ou autres imperfections sur l'œuvre d'art.
* Profils de couleur: Soyez conscient des profils de couleurs (SRGB pour le Web, Adobe RVB pour imprimer).
8. Considérez le contexte:
* Background: Choisissez un arrière-plan neutre qui ne distrait pas de l'œuvre d'art. Un fond blanc ou gris simple est souvent le meilleur choix.
* échelle: Si vous photographiez des illustrations à vendre, envisagez d'inclure une photo de l'œuvre d'art dans une pièce pour donner aux acheteurs potentiels une idée de son échelle.
* Détails: Prenez des plans détaillés de textures ou de techniques intéressantes utilisées dans l'œuvre d'art.
en résumé: Un bon éclairage, une caméra stable, des paramètres de caméra précis et un post-traitement minutieux sont les clés de la photographie des illustrations avec succès. Pratiquez et expérimentez pour trouver les techniques qui fonctionnent le mieux pour vos illustrations et équipements spécifiques.