Dans la vidéo et le cinéma, la "continuité" fait référence aux nombreuses stratégies utilisées par le réalisateur et éditeur pour créer l'illusion, oui, d'un programme continu à partir d'un tas de plans séparés. La continuité consiste en toutes les techniques employées pour organiser ces pièces en une image de mosaïque dans laquelle les pierres individuelles sont invisibles pour le spectateur.
Réduit à l'essentiel, la réalisation d'un film est un processus en trois étapes :
- Premièrement, vous prenez un récit continu (qu'il s'agisse d'une histoire ou d'un sujet de non-fiction) et le décomposez en éléments séparés suffisamment petits pour être enregistrés sous forme de plans individuels.
- Ensuite, vous prenez ces plans, en dupliquant (ou en chevauchant) l'action d'un plan à l'autre.
- Enfin, vous réassemblez le récit en plaçant les plans bout à bout dans l'ordre, tout en supprimant les chevauchements et en supprimant les doublons indésirables.
Comme vous pouvez le voir, deux parties sur trois du processus sont de la responsabilité du réalisateur et le monteur n'effectue que le remontage (même si ce monteur est simplement le réalisateur qui modélise un chapeau différent).
Mais puisqu'il s'agit d'Edit Suite, nous nous concentrerons principalement sur la façon dont l'éditeur prend les séquences qu'il obtient et lui impose une continuité fluide. Nous verrons comment effectuer des modifications invisibles et ajouter des transitions. Et commençons par une reprise rapide de la direction de l'écran.
Direction de l'écran
La direction de l'écran est un contributeur majeur à une continuité fluide. Fondamentalement, cela implique de garder les artistes (et des choses comme les voitures) face ou se déplaçant dans la même direction sur l'écran d'un plan à l'autre, tout au long de toute action continue. Dans le monde réel, ils peuvent se déplacer dans tous les sens à partir de mardi; mais si la caméra est correctement positionnée pour chaque prise de vue, leurs images vidéo traverseront toujours le plan de l'écran dans une direction cohérente.
Établir la direction de l'écran est le travail du réalisateur. Votre travail dans la suite de montage consiste à le maintenir, à le modifier au besoin et (trop souvent) à le réparer lorsqu'il est en panne.
Tant qu'un personnage maintient la direction de l'écran d'un plan à l'autre, vous n'avez rien à craindre. Souvent, cependant, la direction s'inversera au milieu d'une séquence en raison de restrictions sur le placement de la caméra, juste pour la variété ou parce que le réalisateur s'est trompé.
Sans un lissage adroit de votre part, le commutateur peut avoir un aspect caricatural, comme Wile E. Coyote faisant des allers-retours entre les cactus. Si le réalisateur ne change pas la direction d'un acteur en plein milieu d'un plan afin que le public puisse voir et suivre le changement, vous avez deux options pour faciliter l'inversion :le cadre vide et le plan de coupe.
Si le métrage brut le permet, laissez la personne ou l'objet sortir du cadre à la fin du premier plan ; puis démarrez le plan suivant un battement avant que le personnage n'entre (maintenant dans une direction d'écran différente.) Cela adoucit la continuité de deux manières. Premièrement, cela laisse du temps hors écran au personnage pour changer de direction de manière plausible et deuxièmement, cela permet à la mémoire visuelle du spectateur de la première direction de s'estomper avant que vous ne présentiez la deuxième direction.
Vous pouvez toujours utiliser le stratagème du cadre vide même si un seul des deux plans a de l'espace à son pied ou à sa tête. L'effet de lissage ne sera tout simplement pas aussi fort.
L'autre technique pour adoucir un changement de direction de l'écran est une coupe :une prise de vue qui montre autre chose que le sujet en mouvement. "Passez aux oiseaux ; passez aux nuages", comme plaisantent les éditeurs de films, et lorsque vous revenez au sujet principal, la coupe aura distrait le public du changement de mouvement apparent.
En fait, les coupes sont de la soupe au poulet pour de nombreux problèmes de continuité. Ils sont si utiles que nous les rencontrerons comme remèdes à plusieurs autres problèmes de continuité.
Mais que se passe-t-il si vous n'avez pas d'inversion à l'écran, d'acteur sortant du cadre ou de plan de coupe ? Que faites-vous si des directions d'écran incompatibles rendent une édition complètement fausse ? Hé, floppe juste le coup. De nombreux mélangeurs et applications d'édition informatique vous permettent d'inverser la direction apparente en retournant l'image horizontalement. Le public le remarquera rarement, tant que vous respectez quelques règles :
- Méfiez-vous des cadeaux comme les lettres inversées et les voitures qui commencent soudainement à rouler du côté britannique de la route ou un seul conducteur soudainement transporté du côté passager du véhicule.
- Évitez la technique lorsque la lumière est très directionnelle. Le changement qui en résulte n'est pas aussi évident que les lettres floppées, mais le public sentira que quelque chose ne va pas.
- Faire en sorte que le plan floppé soit bref, pour éviter que les spectateurs ne l'inspectent trop attentivement. En somme, le maintien de la direction de l'écran contribue grandement à la fluidité de la continuité globale.
Bonnes coupes, mauvaises coupes
Une autre façon de renforcer la continuité consiste à utiliser des montages invisibles :des transitions plan à plan qui passent inaperçues pour le public. Pour effectuer des modifications invisibles, vous devez sélectionner différents angles de caméra et faire correspondre l'action sur toute la coupe.
Chaque configuration de caméra a trois caractéristiques :angle vertical (élevé, neutre, bas), angle horizontal (avant, 3/4, profil) et taille de l'image (plan long, plan moyen, gros plan). Au fil des décennies, les éditeurs ont appris à modifier deux caractéristiques de configuration sur trois à chaque montage. Ne pas le faire entraîne ce qu'on appelle une coupe sautée, car l'image semble sauter.
Ainsi, si le plan A est un plan neutre de 3/4, couper à un gros plan neutre de 3/4 entraînera un saut visuel évident. En modifiant l'angle horizontal ainsi que la taille de l'image, vous pouvez créer un montage plus fluide.
Que se passe-t-il si le réalisateur ne vous a pas fourni de plans consécutifs variant de deux traits de configuration ? Faites ensuite de votre mieux en respectant la hiérarchie suivante :
- Aucun changement du tout n'est totalement inacceptable (sauf lorsque vous souhaitez activement créer une coupe sautée pour l'effet). La scène reste identique tandis que l'acteur semble se téléporter d'un endroit à l'autre.
- Modifier uniquement la taille de l'image entraîne une coupe sautée évidente, bien que cela soit parfois utile à des fins de choc.
- Changer uniquement l'angle horizontal est suffisamment permis pour que vous le voyez souvent dans les productions professionnelles.
- Changer uniquement l'angle vertical est la coupe sautée la moins répréhensible, peut-être parce que la différence de perspective est substantielle, à elle seule.
Si possible, cependant, alimentez le programme avec une belle coupe apaisante, la soupe au poulet pour les montages malades. Avec une coupe ou un insert au milieu, vous pouvez utiliser avec succès deux plans identiques ou des parties différentes de deux prises du même plan.
Transitions
Les transitions sont un autre outil pour une continuité fluide, en particulier dans les vidéos narratives (histoire).
Une coupe droite (pas de transition) signifie que le coup entrant continue simplement l'action du coup sortant. Un fondu enchaîné (également appelé mixage ou fondu enchaîné) effectue un changement progressif de A à B. Un fondu enchaîné signale un changement de temps et / ou de lieu dans le même «acte» du drame. Fade in et Fade out signalent le début et la fin d'un programme ou d'un segment majeur de l'émission.
Bien que ces règles de grammaire visuelle soient désormais aussi souples que celles de la grammaire verbale, les transitions sont toujours utiles pour signaler différents types de changements dans un programme.
Les DVE (effets vidéo numériques) peuvent remplir les mêmes fonctions que les transitions les plus courantes, mais là où les fondus et les fondus enchaînés passent généralement inaperçus, les retournements, les volets, les survols et ce sur quoi vous avez délibérément attiré l'attention eux-mêmes. Avec modération, les DVE ajoutent du style à votre programme ; trop utilisés, ils ajoutent de la distraction à la place.
Certains DVE ont également une importance particulière pour la continuité. Par exemple, un fondu enchaîné signale généralement un flashback ou peut-être un rêve éveillé. Les éditeurs de nouvelles et de documentaires utiliseront un balayage ou un retournement pour dire au public que deux plans très similaires ne sont pas continus. Par exemple, un entretien à configuration unique peut utiliser des effacements internes pour indiquer les parties éliminées du programme édité.
Lorsque tout le reste échoue
Enfin, il y a des moments où l'éditeur semble bloqué. Les plans ne veulent pas correspondre ou les transitions laissent toujours les téléspectateurs confus quant à ce qui se passe. Lorsque la continuité du programme présente des ruptures aussi flagrantes, vous disposez de deux armes classiques pour éclairer le public :les titres et la narration.
Les titres remontent à l'ère du silence, bien sûr. À moins que vous ne vouliez être ringard exprès, vous éviterez les intertitres (épanchements autonomes sur fond uni), comme :
Comment pourrait-elle savoir
Au réveil le lendemain matin
Que sa jeune vie
Modifié pour toujours ??!!
Mais une simple pierre tombale de 1887 superposée à un paysage urbain désertique peut en dire long au lecteur de manière discrète. Et si vous voulez expérimenter, utilisez les titres comme motif et donnez à votre production une qualité poétique.
La narration, bien sûr, est un incontournable de la vidéo de non-fiction, et vous pouvez également l'utiliser comme voix off pour ajouter de la continuité aux histoires (Plan d'une femme errant dans une rue de la ville. MARY VO :Maintenant comment vais-je trouver un serrurier dans cette ville étrange ?)
Le problème avec la narration est que vous devez établir la narration comme une convention de votre programme, puis l'utiliser assez régulièrement tout au long de la production.
Encore une fois, vous devez compter sur le réalisateur pour fournir le matériel de base. Même ainsi, vous pouvez faire beaucoup dans la suite de montage pour faciliter le cheminement du spectateur dans votre programme final.