i. Comprendre les fondements:la Sainte Trinité (ou Quad-Trinity!)
Avant de plonger dans des styles spécifiques, comprenez les principes fondamentaux qui * s'appliquent toujours *:
* lumière: C'est le facteur le plus important. Il façonne le visage, crée l'humeur et sépare votre sujet de l'arrière-plan.
* Composition: La façon dont vous organisez votre sujet dans le cadre affecte la façon dont l'œil du spectateur se déplace à travers l'image et met l'accent sur certains éléments.
* focus: Un accent accent sur les yeux (généralement) est essentiel pour la connexion et l'impact.
* Connexion du sujet: La façon dont vous interagissez avec votre sujet est aussi cruciale que les paramètres de votre appareil photo. Une expression détendue et authentique est plus convaincante que la perfection technique.
ii. Décomposer chaque élément:
a. Lumière:
* lumière naturelle:
* Hour d'or: L'heure après le lever du soleil et avant le coucher du soleil fournit une lumière chaude, douce et flatteuse.
* Open Shade: Positionner votre sujet à l'ombre coulée par un bâtiment ou un arbre élimine les ombres dures. Recherchez une lumière directionnelle uniforme.
* Days couverts / nuageux: Offre une lumière diffuse et douce, minimisant les ombres et créant un teint plus uniforme. Bon pour le détail et éviter les yeux.
* Lumière de fenêtre: L'utilisation d'une fenêtre comme source de lumière peut créer une belle lumière directionnelle. Expérimentez avec l'angle et la distance de votre sujet de la fenêtre.
* lumière artificielle:
* speedlights / flashs: Utilisé à la caméra ou hors caméra. Les flashs hors caméra avec des modificateurs (softboxs, parapluies) offrent plus de contrôle et de lumière plus douce.
* stroboscopes de studio: Plus puissant que Speedlights, offrant une lumière cohérente et contrôlable pour les paramètres de studio.
* lumières continues (panneaux LED, etc.): Bon pour les débutants car vous pouvez voir l'effet de la lumière en temps réel.
* Lumière clé, lumière rempli, rétro-éclairage (lumière de jante): Comprendre ces concepts.
* Lumière clé: La principale source de lumière illuminant le sujet.
* Remplir la lumière: Une source de lumière secondaire utilisée pour adoucir les ombres créées par la lumière clé.
* rétro-éclairage: Une source de lumière placée derrière le sujet pour les séparer de l'arrière-plan et créer un effet de halo.
b. Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placez les éléments clés (comme les yeux) dans ce sens ou à leurs intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans l'environnement (routes, clôtures, etc.) pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan (arbres, portes, arches) pour caresser le sujet et attirer l'attention sur eux.
* Espace négatif: Laisser l'espace vide autour du sujet peut créer un sentiment d'équilibre et attirer l'attention sur le sujet.
* symétrie: Peut être puissant. Un visage est rarement symétrique, et la capture de ce manque de symétrie peut ajouter du caractère.
* angles: Expérimentez avec différents angles. Le tir en dessous peut rendre le sujet puissant, tandis que le tir d'en haut peut les faire paraître plus petits ou vulnérables.
* Salle de la tête: L'espace au-dessus de la tête du sujet. Ne coupez pas le haut de la tête à moins d'intentionnellement pour un effet artistique.
c. Focus:
* Focus des yeux: Les yeux sont la fenêtre de l'âme. Un accent accent sur les yeux (ou l'œil le plus proche) est généralement crucial pour créer une connexion avec le spectateur.
* ouverture (f-stop): Contrôle la profondeur de champ (la zone de mise au point). Une ouverture plus large (par exemple, f / 1,8, f / 2.8) crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et isolant le sujet. Une ouverture plus étroite (par exemple, f / 8, f / 11) crée une profondeur de champ plus profonde, gardant davantage la scène au point.
* Modes de mise au point: Utilisez l'autofocus continu (AF-C ou AI Servo) pour les sujets en mouvement et la mise au point automatique unique (AF-S ou One-Shot) pour les sujets stationnaires.
* Focus du bouton arrière: La séparation de la fonction de mise au point automatique du bouton d'obturation peut vous donner plus de contrôle sur la concentration et la récomposition.
d. Connexion du sujet:
* Communication: Parlez à votre sujet! Dirigez-les, faites-les rire et aidez-les à se détendre. Les expressions authentiques sont plus convaincantes que les sourires forcés.
* posant: Guidez votre sujet dans des poses naturelles et flatteuses. Évitez les positions raides ou maladroites.
* Directure: Donnez des instructions spécifiques plutôt que de simplement dire «sourire». Essayez "pensez à quelque chose de drôle" ou "imaginez que vous voyez quelqu'un que vous n'avez pas vu depuis des années."
* relaxation: Aidez votre sujet à vous sentir à l'aise devant la caméra. Jouez à la musique, racontez des blagues ou discutez simplement pour soulager leurs nerfs.
* Authenticité: Efforcez-vous de capturer la personnalité et l'essence de votre sujet.
iii. Styles et techniques de portraits:comment j'ai eu * ce * tir
Regardons certains styles de portrait communs et les techniques que vous pourriez utiliser pour les réaliser:
* Portrait classique:
* lumière: Lumière naturelle douce et diffusée ou éclairage de studio contrôlé. Utilise souvent une lumière clé et la configuration de la lumière remplie.
* Composition: Tête et épaules ou tir de taille. Utilise souvent la règle des tiers.
* focus: Focus net sur les yeux.
* posant: Des poses simples et élégantes qui mettent l'accent sur les caractéristiques du sujet.
* Exemple: "J'ai positionné mon sujet près d'une grande fenêtre avec une lumière douce et diffuse. J'ai utilisé un réflecteur pour remplir les ombres du côté opposé de leur visage. Je leur ai demandé d'incliner légèrement la tête et de regarder directement la caméra. J'ai utilisé une profondeur de champ peu profonde (f / 2.8) pour brouiller l'arrière-plan et attirer l'attention sur leurs yeux."
* Portrait environnemental:
* lumière: Lumière naturelle qui complète l'environnement.
* Composition: Un coup plus large qui montre le sujet dans leur environnement. L'environnement est important pour l'histoire.
* focus: Profondeur suffisante de champ pour maintenir le sujet et l'environnement au point.
* posant: Natural et non plus, montrant souvent le sujet interagissant avec leur environnement.
* Exemple: "J'ai photographié un pêcheur sur son bateau au lever du soleil. J'ai utilisé la lumière des heures d'or pour créer une atmosphère chaleureuse et accueillante. Je l'ai capturé en jetant son filet, montrant son lien avec la mer. J'ai utilisé une ouverture plus large (f / 5.6) pour le garder et le paysage environnant dans le foyer."
* Portrait candide:
* lumière: Quelle que soit la lumière disponible pour le moment.
* Composition: Imprévu et spontané. Capturer des moments authentiques.
* focus: Focus rapide et précis sur les yeux du sujet.
* posant: Pas de pose! Capturer le sujet dans leur état naturel.
* Exemple: "Je photographiais un festival de rue et j'ai vu un enfant rire en mangeant un cornet de crème glacée. J'ai rapidement soulevé mon appareil photo et capturé le moment sans qu'ils remarquent. J'ai utilisé une vitesse d'obturation rapide pour geler l'action et une large ouverture pour brouiller l'arrière-plan."
* Portrait à clé haute:
* lumière: Éclairage brillant et même, souvent avec un fond blanc.
* Composition: Propre et minimaliste.
* focus: Focus net sur les yeux.
* posant: Simple et élégant.
* Exemple: "J'ai utilisé une toile de fond blanche et deux stroboscopes de studio avec des boîtes softbox pour créer une lumière brillante et même même. J'ai légèrement surexposé à l'image pour créer une sensation douce et aérée. J'ai demandé à mon sujet de porter des vêtements de couleur claire et de poser sur l'arrière-plan blanc."
* Portrait discret:
* lumière: Éclairage dramatique et contrasté, souvent avec un fond sombre.
* Composition: L'accent mis sur les ombres et les reflets.
* focus: Focus net sur les yeux.
* posant: Véhicule souvent la humeur ou le mystère.
* Exemple: "J'ai utilisé un seul stroboscope de studio avec une tache de grille pour créer un faisceau de lumière focalisé sur le visage de mon sujet. J'ai utilisé un fond sombre et j'ai permis aux ombres de tomber de façon spectaculaire. J'ai demandé à mon sujet de porter des vêtements sombres et d'adopter une expression sérieuse."
* Portrait de silhouette:
* lumière: Retrouf sur le sujet sur un fond lumineux (par exemple, coucher de soleil, fenêtre).
* Composition: L'accent mis sur la forme du sujet.
* focus: Concentrez-vous sur le fond pour créer une silhouette pointue.
* posant: La pose doit être facilement reconnaissable et expressive.
* Exemple: "J'ai positionné mon sujet devant un coucher de soleil. Je mettais en vedette le ciel, sous-explosant mon sujet pour créer une silhouette. Je leur ai demandé de poser avec leurs bras levés, créant une forme dynamique et reconnaissable."
iv. Paramètres de la caméra (points de départ généraux):
* ouverture: f / 1.8 - f / 5.6 (pour la profondeur peu profonde du champ et les arrière-plans floues)
* vitesse d'obturation: 1 / 60e seconde ou plus rapide (pour éviter le flou de mouvement, en particulier la main)
* ISO: Restez aussi bas que possible pour minimiser le bruit (généralement ISO 100-400 en bon lumière). Augmentez si nécessaire pour maintenir une vitesse d'obturation suffisamment rapide.
* Balance des blancs: Réglé sur automatique ou ajuster en fonction des conditions d'éclairage. "Lumière du jour" pour les jours ensoleillés, "nuageux" pour les jours couverts, "tungstène" pour l'éclairage intérieur, etc.
* Mode de prise de vue: Le mode priorité d'ouverture (AV ou A) vous donne un contrôle sur la profondeur de champ tandis que la caméra ajuste automatiquement la vitesse d'obturation. Le mode manuel (M) vous donne un contrôle total sur l'ouverture et la vitesse d'obturation.
v. Post-traitement:
* Ajustements de base: Exposition, contraste, points forts, ombres, blancs, noirs.
* Correction des couleurs: Ajustez la balance des blancs, les vibrance, la saturation.
* Affûtage: Appliquez une légère affûtage pour améliorer les détails.
* Retouchage de la peau: Retirez les imperfections et même le teint (utilisez avec parcimonie et soigneusement!).
* esquiver et brûler: Éclairer et assombrir les zones spécifiques de l'image pour améliorer le contraste et la forme.
vi. Conseils pour l'amélioration continue:
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Étudiez les maîtres: Analysez le travail des photographes que vous admirez et essayez de comprendre leurs techniques.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles.
* Obtenez des commentaires: Partagez votre travail avec les autres et demandez des critiques constructives.
* Apprenez de vos erreurs: Ne soyez pas découragé par de mauvais coups. Analysez ce qui a mal tourné et en apprenez.
* Développez votre style: Au fil du temps, pendant que vous expérimentez, vous découvrirez ce que vous aimez tirer et ce que vous faites le mieux.
vii. Exemple «Comment j'ai obtenu le tir» Modèle de description:
Pour aider à formuler vos descriptions, voici un modèle:
* la vision: "Je voulais créer un portrait [décrire le style] qui transmet [l'émotion / le sentiment / l'histoire]."
* le sujet: "Mon sujet a été [décrire votre sujet brièvement - par exemple, une jeune femme avec un regard frappant / un homme âgé avec un visage aimable]."
* l'emplacement / le réglage: "Nous tournions [emplacement] parce que [raison de l'emplacement - par exemple, la lumière douce était parfaite / elle était significative pour le sujet]."
* la lumière: "J'ai utilisé [Source lumineuse - naturel / artificiel] qui était [décrire sa qualité - douce / dur / directionnel]. Je l'ai modifiée avec [modificateurs - réflecteur / softbox]."
* Paramètres de la caméra: "J'ai utilisé un [corps de la caméra] avec un [objectif] à [Aperture], [Speed d'obturation] et [ISO]. J'ai tourné en [Mode de prise de vue] et focalisé en utilisant [Mode de mise au point]."
* la composition: "J'ai composé la photo en utilisant [Règle des tiers / lignes principales / cadrage] pour [réaliser l'effet souhaité]."
* la pose / la direction: "J'ai demandé à mon sujet de [direction spécifique] et me suis concentré sur [un aspect spécifique de leur expression]."
* le post-traitement: "En post-traitement, j'ai ajusté [exposition / contraste / couleurs] et [revêtement la peau / esquivé et brûlé] pour [obtenir un aspect final]."
* le résultat: "Je pense que l'image finale [ce que vous avez réalisée - capture la personnalité du sujet / transmet l'émotion / est un exemple réussi de [style]]."
En considérant tous ces facteurs et en pratiquant de manière cohérente, vous pouvez améliorer considérablement vos compétences en photographie de portrait et capturer des images époustouflantes qui racontent des histoires convaincantes. Bonne chance!