Éléments de base (applicables à la plupart des styles de portrait):
1. Concept / Vision:
* quelle histoire voulez-vous raconter? Est-ce un portrait commercial formel, un coup de vie franc, un portrait environnemental ou quelque chose de plus artistique et conceptuel? La définition de ce premier guidera toutes vos autres décisions.
* Humeur et émotion: Quel sentiment voulez-vous que le spectateur ressent? Joie, sérénité, pouvoir, vulnérabilité, mystère? Cela informe la pose, l'éclairage et le post-traitement.
* Client / Sujet: Comprenez leur personnalité, ce qu'ils aiment / n'aiment pas et ce qu'ils veulent réaliser avec le portrait. Écoutez leur contribution et mettez-les à l'aise.
2. Équipement:
* caméra: Une caméra DSLR ou sans miroir est généralement préférée pour sa polyvalence et sa qualité d'image. Cependant, même un smartphone peut produire d'excellents résultats avec un bon éclairage et une bonne composition.
* Lens:
* les objectifs primaires (la longueur focale fixe) sont souvent préférés pour les portraits. Les choix courants comprennent 35 mm, 50 mm, 85 mm et 135 mm. Ils ont souvent des ouvertures plus larges (nuages F plus bas) pour une profondeur de champ peu profonde et de meilleures performances en basse lumière.
* Les objectifs zoom (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm) peuvent offrir une flexibilité mais pourrait ne pas avoir les mêmes capacités d'ouverture large que les nombres premiers.
* Considérez le "facteur de recadrage" si vous utilisez une caméra avec un capteur plus petit (par exemple, APS-C). Un objectif de 50 mm sur une caméra APS-C aura un champ de vision plus proche d'un objectif de 80 mm sur une caméra complète.
* Éclairage: C'est sans doute l'élément * le plus important *.
* lumière naturelle: L'heure d'or (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) offre une lumière douce, chaude et flatteuse. Les jours couverts fournissent une lumière douce, voire légère. Évitez la lumière directe du soleil, qui peut créer des ombres dures.
* lumière artificielle:
* stroboscopes / flashs de studio: Fournir un contrôle précis sur l'éclairage. Souvent utilisé avec des modificateurs (softbox, parapluies, plats de beauté) pour façonner la lumière.
* speedlights / flashs: Plus portable que les stroboscopes. Peut être utilisé à la caméra (rebondi sur un plafond ou un mur) ou hors caméra (déclenché sans fil).
* Lumières continues (LED): Ce que vous voyez, c'est ce que vous obtenez. Bon pour les débutants.
* Réflecteurs: Pour faire rebondir la lumière dans les ombres et les remplir. Les réflecteurs blancs, argentés et or offrent différents effets.
* diffuseurs: Pour adoucir la lumière dure (par exemple, la lumière du soleil).
* Trépied: Particulièrement utile en faible lumière ou lors de l'utilisation de vitesses d'obturation lentes.
* arrière-plans: Papier transparent, décors de tissus, murs ou environnements naturels.
3. Configuration de l'éclairage:
* une lumière: Un point de départ simple et efficace. Placez la lumière d'un côté du sujet pour créer des ombres qui définissent leurs caractéristiques. Utilisez un réflecteur du côté opposé pour remplir les ombres.
* deux lumières: Lumière clé (lumière principale) et remplir la lumière (pour réduire les ombres). Une lumière capillaire peut également être ajoutée pour séparer le sujet de l'arrière-plan.
* trois lumières: Clé, remplissage et lumière des cheveux pour plus de contrôle et de drame.
* Éclairage papillon: Lumière clé directement devant le sujet, légèrement au-dessus. Crée une ombre symétrique sous le nez (en forme de papillon).
* Éclairage Rembrandt: Lumière clé placée sur le côté, créant un triangle de lumière sur la joue en face de la source lumineuse.
4. Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placer les éléments clés dans ce sens ou à leurs intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* Espace négatif: L'espace vide autour du sujet peut créer un sentiment d'équilibre et attirer l'attention sur eux.
* cadrage: Utilisez des éléments dans l'environnement (par exemple, portes, fenêtres, arbres) pour encadrer le sujet.
* symétrie: Peut créer un sens de l'ordre et de l'équilibre.
* angles:
* Levet des yeux: Crée un sentiment de connexion et d'égalité.
* tir d'en haut: Peut faire apparaître le sujet plus petit ou plus vulnérable.
* tir d'en bas: Peut faire apparaître le sujet plus grand ou plus puissant.
5. posant:
* La communication est la clé: Diriger clairement le sujet et leur donner des instructions spécifiques. Faites-les se sentir à l'aise et détendue.
* Commencez par les bases: Plongez légèrement le corps vers la caméra (évitez d'être carré). Léger pli dans les membres.
* mains: Gardez-les détendus et naturels. Évitez les avoir à plat contre le corps ou serrés. Pensez à les faire interagir avec quelque chose dans l'environnement ou leurs propres vêtements.
* Expressions faciales: Encouragez les sourires naturels, les expressions authentiques et le contact visuel. Faites attention aux yeux du sujet - ils sont la fenêtre de l'âme.
* Pratique: Poses de révision à partir de magazines de mode, de blogs ou d'autres ressources pour élargir vos connaissances.
* Mouvement: Encouragez le mouvement et les réactions franches.
6. Paramètres de la caméra:
* ouverture: Contrôle la profondeur de champ. Les ouvertures larges (par exemple, f / 1.8, f / 2.8) créent une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et isolant le sujet. Les ouvertures plus étroites (par exemple, f / 8, f / 11) créent une plus grande profondeur de champ, en gardant davantage la scène dans le foyer.
* vitesse d'obturation: Contrôle la durée du capteur de la caméra est exposée à la lumière. Vitesses d'obturation plus rapides (par exemple, 1/200s, 1/500) gel du gel. Les vitesses d'obturation plus lentes (par exemple, 1/30, 1/60) peuvent brouiller le mouvement. Utilisez une vitesse d'obturation suffisamment rapide pour éviter les shake de la caméra (surtout lors de la prise de vue de la main).
* ISO: Contrôle la sensibilité de la caméra à la lumière. Des valeurs ISO plus faibles (par exemple, 100, 200) produisent des images plus propres. Des valeurs ISO plus élevées (par exemple, 800, 1600, 3200) peuvent être utilisées dans une faible lumière, mais peuvent introduire du bruit (grain) dans l'image.
* Mode de mesure: La mesure évaluative / matrice est généralement un bon point de départ. La mesure des points peut être utile lorsque vous souhaitez exposer pour un domaine spécifique de la scène.
* Mode de mise au point: La mise au point automatique à point unique (AF-S ou One-Shot) est souvent préférée pour les portraits, vous permettant de contrôler précisément où la caméra se concentre. L'autofocus continu (AF-C ou AI Servo) peut être utile pour capturer des sujets en mouvement.
* Balance des blancs: Réglez la balance des blancs pour correspondre aux conditions d'éclairage (par exemple, lumière du jour, nuageuse, tungstène, fluorescent). Vous pouvez également le définir sur Auto ou l'ajuster en post-traitement.
7. Post-traitement (édition):
* brut vs jpeg: Le tir au format brut vous donne plus de flexibilité dans le post-traitement.
* Logiciel: Adobe Lightroom et Adobe Photoshop sont les normes de l'industrie. Les autres options incluent Capture One, Luminar et Gimp (gratuitement).
* Ajustements de base: Exposition, contraste, balance des blancs, points forts, ombres, blancs, noirs.
* Correction des couleurs: Ajustez la teinte, la saturation et la luminance des couleurs individuelles.
* Affûtage: Ajoutez une quantité subtile d'aiguise pour améliorer les détails.
* Réduction du bruit: Réduisez le bruit si nécessaire, en particulier dans les images prises à des valeurs ISO élevées.
* Retouching: Retirez les imperfections, adoucissez la peau et effectuez d'autres ajustements mineurs à l'apparence du sujet. (Faites cela subtilement!)
* esquiver et brûler: Éclairer sélectivement (esquiver) ou assombrir (brûler) des zones de l'image pour améliorer le contraste et la forme.
Exemples de styles spécifiques et comment ils changeraient ce qui précède:
* Portrait de studio (formel):
* Éclairage: Éclairage de studio contrôlé avec plusieurs stroboscopes et modificateurs. Utilise souvent un fond transparent.
* posant: Posing plus formel et dirigé.
* Retouching: Implique généralement une retouche plus approfondie pour créer un aspect poli.
* Portrait environnemental:
* Emplacement: Le sujet est photographié dans leur environnement naturel (par exemple, au travail, à la maison, dans un parc).
* Éclairage: Repose souvent sur la lumière naturelle ou la lumière disponible, complétée par des réflecteurs ou une petite quantité de lumière artificielle.
* posant: Posing plus naturel et candide. L'environnement joue un rôle crucial en racontant l'histoire.
* Portrait candide / lifestyle:
* focus: Capturer des moments et des émotions authentiques.
* Éclairage: La lumière naturelle est souvent préférée.
* posant: Pose ou direction minimale. Le photographe agit comme un observateur.
* Portrait discret:
* Éclairage: Éclairage dramatique avec des ombres fortes. Utilise souvent une seule source lumineuse.
* Background: Fond sombre ou noir.
* Humeur: Mystérieux, dramatique ou de mauvaise humeur.
* Portrait à clé haute:
* Éclairage: Éclairage brillant, même avec des ombres minimales.
* Background: Fond blanc ou léger.
* Humeur: Léger, aéré et gai.
"Comment j'ai obtenu la photo" Liste de contrôle / processus de réflexion (résumé):
1. Planification pré-shoot:
* Concept: Quel est le but du portrait? Quelle histoire dois-je raconter?
* Emplacement: Où le tournage aura-t-il lieu? Comment l'emplacement contribuera-t-il au concept global?
* Éclairage: Quel type d'éclairage vais-je utiliser? Comment vais-je façonner la lumière?
* posant: Quel type de pose vais-je utiliser? Comment vais-je diriger le sujet?
* Équipement: De quel équipement ai-je besoin pour le tournage?
2. Configuration sur la place:
* Background: Choisissez ou configurez un arrière-plan approprié.
* Éclairage: Positionnez les lumières et les modificateurs. Prenez des clichés de test pour vérifier l'éclairage.
* Paramètres de la caméra: Réglez l'ouverture, la vitesse d'obturation, l'ISO, la balance des blancs et le mode de mise au point.
3. tir:
* Communication: Communiquez clairement avec le sujet et mettez-les à l'aise.
* posant: Diriger le sujet dans des poses qui flattent leurs caractéristiques et transmettent l'émotion souhaitée.
* Composition: Faites attention à la composition et utilisez la règle des tiers, des lignes principales et d'autres techniques de composition.
* focus: Assurez-vous que les yeux sont fortement mis en évidence.
* Revue: Passez en revue les images sur l'écran LCD de l'appareil photo et effectuez des ajustements au besoin.
4. Post-traitement:
* sélectionnez: Choisissez les meilleures images du tournage.
* ajuster: Faites des ajustements de base à l'exposition, au contraste, à la balance des blancs et à la couleur.
* retouch: Retirez les imperfections et effectuez d'autres ajustements mineurs à l'apparence du sujet.
* aiguiser: Ajoutez une quantité subtile d'aiguise pour améliorer les détails.
* Enregistrer: Enregistrez les images dans un format approprié (par exemple, JPEG, TIFF).
Exemple de scénario:un portrait léger naturel dans un parc
1. Concept: Un portrait détendu et naturel d'une jeune femme, capturant sa beauté et sa personnalité dans un parc.
2. Équipement:
* Caméra:reflex numérique ou sans miroir
* Lens:50 mm f / 1,8 ou 85 mm f / 1,8
* Réflecteur (facultatif)
3. Emplacement et temps: Park pendant l'heure d'or (fin de l'après-midi).
4. Éclairage: Utilisez la lumière naturelle. Positionnez le sujet pour que le soleil soit derrière eux (rétro-éclairage) ou sur le côté (éclairage latéral). Utilisez un réflecteur pour faire rebondir la lumière dans les ombres.
5. posant: Encourager les poses naturelles. Demandez au sujet de se tenir debout, de vous asseoir ou de s'appuyer contre un arbre. Demandez-leur de sourire, de rire ou de regarder pensivement au loin.
6. Paramètres de la caméra:
* Ouverture:f / 2,8 ou f / 4 (pour créer une profondeur de champ peu profonde)
* Vitesse d'obturation:1/200S ou plus rapide (pour éviter le flou de mouvement)
* ISO:100-400 (pour maintenir le bruit bas)
* Mode de mise au point:automatique à point unique (AF-S ou One-Shot)
7. Composition: Utilisez la règle des tiers. Encadrer le sujet avec des arbres ou d'autres éléments dans l'environnement.
8. Post-traitement:
* Ajustez l'exposition, le contraste et la balance des blancs.
* Adoucissez légèrement la peau.
* Ajoutez une touche d'affûtage.
Prise des clés:
* La pratique rend parfaite: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles.
* Apprenez des autres: Étudiez le travail des photographes que vous admirez.
* Feedback: Obtenez des commentaires des autres et utilisez-le pour améliorer votre travail.
* Amusez-vous! Profitez du processus de création de portraits.
Il s'agit d'un aperçu complet. Pour devenir plus précis, dites-moi:
* quel est votre niveau de compétence? (Débutant, intermédiaire, avancé)
* quel équipement avez-vous? (Caméra, lentilles, éclairage)
* De quel type de style portrait êtes-vous le plus intéressé?
* quel est votre objectif? (Prendre de meilleurs portraits de la famille, démarrer une entreprise, etc.)
Avec plus d'informations, je peux fournir plus de conseils sur mesure. Bonne chance!