1. La vision (le "pourquoi")
* Quel sentiment essayez-vous d'évoquer? Pensez à l'humeur, à l'histoire et au message global que vous vouliez transmettre. Voyez-vous:
* intimité et vulnérabilité?
* puissance et confiance?
* joie et espièglerie?
* mystère et intrigue?
* une époque ou un style spécifique?
* Qu'est-ce qui était unique à propos du sujet que vous vouliez capturer? Leur personnalité, leur apparence, leur histoire. Qu'est-ce qui en a fait la bonne personne pour ce coup?
* aviez-vous un concept spécifique en tête? Un élément thématique, une représentation symbolique ou une référence directe à quelque chose? (par exemple, un portrait inspiré d'une peinture spécifique, un portrait relatif à leur profession, etc.)
2. L'équipement (le "quoi")
* Corps de la caméra: Spécifiez la caméra. (Par exemple, Canon EOS R5, Sony Alpha A7III, Nikon D850, Fujifilm X-T4) La taille du capteur est importante (cadre complet, APS-C, micro quatre tiers).
* Lens: C'est crucial! Énumérez la distance focale et l'ouverture (par exemple, 85 mm f / 1,8, 50 mm f / 1,4, 35 mm f / 2). Pourquoi avez-vous choisi cet objectif? (par exemple, pour une profondeur de champ peu profonde, pour sa perspective flatteuse, pour sa netteté)
* Éclairage: Décrivez votre configuration d'éclairage en détail. C'est souvent l'aspect le plus important.
* lumière naturelle:
* Heure de la journée (heure d'or, midi, couvert)
* Direction de la lumière (avant, côté, arrière)
* Modificateurs utilisés (réflecteurs, diffuseurs, malices)
* Emplacement par rapport à une fenêtre ou à une autre source lumineuse
* Lumière artificielle (stroboscopes, vitesse, lumières continues):
* Nombre de lumières
* Type de lumières (par exemple, stroboscopique avec softbox, vitesse avec parapluie, panneau LED)
* Modificateurs légers utilisés (softbox, parapluie, plat de beauté, grille, snot)
* Paramètres d'alimentation de chaque lumière
* Placement de chaque lumière par rapport au sujet (par exemple, la lumière clé 45 degrés à droite, remplissez la lumière à gauche)
* Mémètre utilisé? (Si oui, quelles étaient les lectures?)
* Autre équipement: Trépied, réflecteurs, diffuseurs, fond, gels, accessoires, configuration de l'attache, etc.
3. Les paramètres (le "comment")
* ouverture: Quel F-Stop avez-vous utilisé et pourquoi? (par exemple, f / 2,8 pour une profondeur de champ peu profonde pour brouiller l'arrière-plan, f / 8 pour plus de netteté et de détails sur le visage)
* vitesse d'obturation: Quelle vitesse d'obturation avez-vous utilisée et pourquoi? (par exemple, 1 / 200e pour geler le mouvement, 1 / 60e parce que j'utilisais un trépied, 1/1000e pour lutter contre la lumière du soleil brillant)
* ISO: Quel ISO avez-vous utilisé et pourquoi? (par exemple, ISO 100 pour une qualité d'image optimale, ISO 800 parce que la lumière était faible)
* Balance des blancs: Quel paramètre de balance des blancs avez-vous utilisé? (par exemple, auto, lumière du jour, tungstène, coutume). L'avez-vous ajusté en post-traitement?
* Mode de mise au point: (AF à point unique, AF continu, œil AF) et où vous avez-vous concentré? (par exemple, sur les yeux)
* Mode de mesure: (Évaluatif / matrice, pondéré au centre, spot) et avez-vous utilisé la compensation d'exposition?
* Mode de prise de vue: (Priorité de l'ouverture, priorité d'obturation, manuel) et pourquoi?
4. La composition (le "où")
* cadrage: Comment avez-vous composé le coup? (par exemple, gros plan, tir moyen, tir complet)
* Règle des tiers: Avez-vous utilisé la règle des tiers pour positionner votre sujet?
* lignes de tête: Avez-vous utilisé des lignes de tête pour dessiner l'œil du spectateur?
* symétrie / asymétrie: La composition était-elle symétrique ou asymétrique? Pourquoi?
* Espace négatif: Comment avez-vous utilisé un espace négatif pour créer un sentiment d'équilibre ou pour souligner le sujet?
* Background: Décrire l'arrière-plan. Est-ce flou, net, distrayant, complémentaire? Pourquoi avez-vous choisi ce contexte?
* angle: Avez-vous tiré d'en haut, ci-dessous ou au niveau des yeux? Pourquoi? (par exemple, la prise de vue ci-dessous peut faire paraître le sujet puissant, le tir d'en haut peut les rendre vulnérables).
5. L'interaction (le "avec qui")
* posant: Comment avez-vous posé le sujet? Était-ce naturel et candide, ou plus délibéré et stylisé?
* Directure: Quelles instructions avez-vous donné le sujet? Comment les avez-vous mis à l'aise et détendus? Vous avez-vous parlé de la vision?
* Connexion: Comment avez-vous établi un lien avec le sujet pour capturer leur personnalité? Qu'avez-vous dit ou fait pour susciter l'expression souhaitée?
* garde-robe / style: Comment les vêtements et le style du sujet ont-ils contribué à l'apparence générale du portrait? Aviez-vous la contribution à ce sujet?
* maquillage / cheveux: Avez-vous utilisé un maquilleur ou un coiffeur? Comment leur travail a-t-il amélioré le portrait?
6. Le post-traitement (le "après")
* Logiciel: Quel logiciel avez-vous utilisé pour le post-traitement? (par exemple, Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, en capturer un)
* Ajustements: Quels ajustements avez-vous faits?
* Exposition: Avez-vous ajusté la luminosité globale?
* Contraste: Avez-vous augmenté ou diminué le contraste?
* Highlights / Shadows: Avez-vous récupéré des faits saillants ou ouvrir des ombres?
* Balance des blancs: Avez-vous affiné la balance des blancs?
* Gradage des couleurs: Avez-vous ajusté les couleurs pour créer une humeur ou un style spécifique? (par exemple, tons chauds, tons frais, look désaturé)
* Affûtage: Quelle affûtage avez-vous appliqué?
* Réduction du bruit: Avez-vous réduit le bruit?
* Retouching: Avez-vous supprimé les imperfections ou d'autres imperfections? Comment avez-vous maintenu un look naturel?
* esquiver et brûler: Avez-vous utilisé l'esquive et la brûlure pour façonner la lumière et créer plus de profondeur?
* Croping: Avez-vous recadressé l'image? Pourquoi?
* Presets / actions: Avez-vous utilisé des préréglages ou des actions? Si oui, lesquels et pourquoi?
* Sortie finale: Dans quelle taille et format avez-vous exporté l'image?
Mettre tout cela ensemble:un exemple
Disons que j'ai pris un portrait d'un musicien dans un club de jazz faiblement éclairé. Voici comment je décrirais "comment j'ai obtenu le coup":
"Mon objectif était de capturer l'émotion de l'âme et de la brute de ce musicien de jazz pendant sa performance. Je voulais que le portrait se sente intime et granuleux, reflétant l'atmosphère du club.
J'ai utilisé un Sony Alpha A7III avec une lentille F / 1,4 de 50 mm. J'ai choisi le 50 mm parce que c'est une distance focale polyvalente qui me permet de me rapprocher du sujet sans distorsion, et l'ouverture f / 1.4 laisse faire beaucoup de lumière dans l'environnement faiblement éclairé et crée une belle profondeur de champ peu profonde.
L'éclairage était entièrement ambiant. Le club avait un seul projecteur sur le musicien, alors je me suis positionné pour profiter de cette lumière, créant un effet dramatique éclairé par latéraux. Je n'ai pas utilisé de réflecteurs ou de diffuseurs car je voulais préserver l'humeur naturelle.
Mes paramètres étaient:f / 1,4 pour une profondeur de champ peu profonde et une lumière maximale, 1/125e de seconde pour geler son mouvement (tout en faisant attention pour éviter le flou de mouvement) et ISO 3200 pour compenser la faible luminosité. J'ai utilisé l'autofocus en un seul point pour m'assurer que ses yeux étaient nets. Ma balance des blancs a été réglée sur l'auto, car l'éclairage était complexe.
J'ai encadré le tir comme un gros plan moyen, en me concentrant sur son visage et ses mains sur l'instrument. J'ai utilisé la règle des tiers pour placer son œil légèrement décentré, créant une composition plus dynamique. L'arrière-plan est intentionnellement flou et sombre, mettant l'accent sur le musicien et son instrument.
J'ai parlé au musicien avant le plateau, expliquant ma vision et lui demandant d'être lui-même. Je voulais le capturer dans son élément, donc je ne l'ai pas du tout posé. J'ai attendu un moment où il était particulièrement expressif, ses yeux fermés et son front sortant, perdu dans la musique.
En post-traitement, j'ai utilisé Adobe Lightroom. J'ai légèrement réduit les points forts pour faire ressortir les détails sur son visage, augmenté les ombres pour ouvrir les zones sombres et ajouté une touche de clarté pour améliorer la texture. J'ai également ajouté une vignette subtile pour dessiner l'œil du spectateur au centre du cadre. J'ai appliqué un peu de réduction du bruit pour combattre l'ISO élevé. Enfin, j'ai converti l'image en noir et blanc pour souligner davantage l'émotion brute et la sensation intemporelle. "
Les principaux plats pour votre explication:
* être spécifique: Évitez les termes vagues comme la «bonne lumière» ou le «beau fond». Décrivez * Pourquoi * la lumière est bonne ou * comment * le fond contribue.
* Soyez honnête: Si vous avez fait une erreur, admettez-la et expliquez ce que vous avez appris. Parfois, les meilleurs plans proviennent de surmonter les défis.
* être personnel: Laissez votre personnalité briller. Expliquez ce qui vous a inspiré, ce que vous pensiez et ce que vous ressentez pendant le processus.
* Show, ne vous contentez pas de dire: Si possible, incluez l'image originale et non éditée aux côtés de la version finale pour illustrer l'impact de votre post-traitement.
* Pensez comme vous enseignez: Imaginez que vous expliquez cela à quelqu'un qui veut apprendre la photographie de portrait.
En couvrant ces éléments en détail, vous pouvez créer une explication convaincante et informative de "How I Got the Shot:Portrait Style" qui sera précieux pour les autres photographes. Bonne chance!