1. Comprendre la lumière dure:
* Source: Une petite source de lumière directe (comme une ampoule nue, une vitesse sans diffuseur ou une lumière directe du soleil) crée une lumière dure.
* ombres: Les ombres sont profondes, sombres et ont des bords distincts. Les transitions entre la lumière et l'ombre sont brusques.
* Humeur: La lumière dure peut évoquer des sentiments de drame, d'intensité, de force, de mystère et parfois même de dureté ou de vulnérabilité.
* texture: Il met l'accent sur la texture, faisant ressortir les rides, les pores et autres détails de surface.
2. Équipement essentiel:
* une seule source lumineuse: Commencez par une lumière puissante. Cela pourrait être:
* speedlight / strobe: Fournit un contrôle précis sur la puissance.
* Bulbe nu: Une option simple et souvent chaude.
* lumière directe du soleil: Gratuit et puissant, mais moins contrôlable.
* support d'éclairage (facultatif mais recommandé): Pour positionner la lumière.
* réflecteur (facultatif): Pour rebondir un peu de lumière dans l'ombre et adoucir légèrement le look. Une planche à mousse blanche fonctionne bien.
* gobo (facultatif): Une carte noire ou un drapeau pour bloquer et façonner la lumière.
* caméra: Avec des commandes manuelles.
* Lens: Une lentille portrait (50 mm, 85 mm ou plus) est idéale.
3. Paramètres de la caméra:
* Shoot en mode manuel (M): Vous donne un contrôle total sur l'exposition.
* ouverture (f-stop):
* * Averture plus large (par exemple, f / 2.8, f / 4):* crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et concentrant l'attention sur votre sujet. Peut être utile pour isoler les fonctionnalités.
* * Ouverture plus étroite (par exemple, f / 8, f / 11):* maintient davantage le sujet dans le foyer. Bon si vous voulez mettre l'accent sur les textures ou les caractéristiques faciales.
* vitesse d'obturation: Choisissez une vitesse d'obturation qui est suffisamment rapide pour éliminer la shake de la caméra (généralement 1 / focale ou plus rapidement) et fournit également la bonne exposition en combinaison avec l'ouverture et l'ISO.
* ISO: Gardez l'ISO aussi bas que possible (généralement 100 ou 200) pour minimiser le bruit.
* Balance des blancs: Réglez la balance des blancs pour correspondre à votre source lumineuse (par exemple, "lumière du jour" pour la lumière du soleil, "flash" pour un stroboscope ou ajustez la balance des blancs personnalisés).
* Mode de mesure: Expérimentez avec différents modes de mesure (évaluative / matrice, pondéré au centre, spot) pour voir ce qui fonctionne le mieux pour votre scène. La mesure ponctuelle peut être utile pour mesurer la lumière sur le visage du sujet.
4. Techniques de placement de lumière pour le théâtre:
* Éclairage latéral: Positionnez la lumière sur le côté de votre sujet. Cela crée un fort contraste entre la lumière et l'ombre, mettant l'accent sur les contours et les textures. Cela peut être particulièrement dramatique. Le côté du visage loin de la lumière sera principalement dans l'ombre.
* Éclairage supérieur: Placez la lumière directement au-dessus de la tête du sujet. Cela jette des ombres vers le bas, mettant l'accent sur les pommettes et créant un effet dramatique de "film d'horreur" (utilisez avec parcimonie, car cela peut être peu flatteur). Peut également créer un effet de halo s'il est légèrement positionné derrière.
* Éclairage arrière: Positionnez la lumière derrière le sujet, créant une silhouette ou un effet lumineux de jante. Cela fonctionne mieux sur un fond sombre. Peut ajouter du mystère et de l'intrigue.
* Éclairage de boucle: Placer légèrement la lumière sur un côté et au-dessus du sujet. Cela crée une petite ombre en forme de boucle sur la joue en face de la source lumineuse. Il est généralement considéré comme flatteur et peut toujours être dramatique.
* Éclairage Rembrandt: Semblable à l'éclairage en boucle, mais l'ombre du nez se connecte avec l'ombre sur la joue, créant un petit triangle de lumière sur la joue le plus éloigné de la source lumineuse. Il s'agit d'un motif d'éclairage classique et dramatique.
* Éclairage divisé: La source lumineuse est positionnée pour qu'il illumine un seul côté du visage, laissant l'autre côté dans l'ombre. Cela crée un look très dramatique et contrasté.
5. Posant et expression:
* intentionnalité: La lumière dure peut être impitoyable. Considérez les fonctionnalités du sujet et choisissez une pose qui les complète.
* Expressions fortes: L'éclairage dramatique se marie souvent bien avec des expressions intenses (par exemple, détermination, chagrin, contemplation). Cependant, des expressions subtiles peuvent également être puissantes contrairement à la lumière dure.
* angles: Expérimentez avec différents angles de la caméra et de la source lumineuse. L'inclinaison de la tête peut mettre l'accent sur certaines fonctionnalités ou créer des ombres plus dramatiques.
* Plans de profil: L'éclairage latéral fonctionne exceptionnellement bien avec des prises de vue, mettant en évidence la forme du visage.
6. Contrôle et modification de l'ombre:
* réflecteur: Utilisez un réflecteur pour faire rebondir la lumière dans l'ombre, en les adoucissant légèrement. Plus le réflecteur est proche du sujet, plus il fournit la lumière de remplissage.
* Distance: Plus la source lumineuse du sujet de plus en plus, plus la lumière devient difficile. Le rapprocher peut créer une transition légèrement plus douce entre la lumière et l'ombre, mais elle sera subtile.
* gobo: Utilisez une gobo (carte noire) pour bloquer la lumière de certaines zones, créant des ombres plus définies ou façonnant le faisceau lumineux.
7. Post-traitement:
* Contraste: Vous voudrez peut-être ajuster légèrement le contraste de post-traitement pour améliorer l'effet dramatique.
* esquive et brûler: Esquiver soigneusement les reflets (éclaircissement) et les ombres brûlantes (assombrisant) peuvent sculpter davantage le visage et mettre l'accent sur des caractéristiques spécifiques.
* Conversion en noir et blanc: La conversion en noir et blanc peut amplifier le drame en éliminant les distractions des couleurs et en mettant l'accent sur la gamme tonale et les ombres.
* netteté: Augmentez légèrement la netteté pour améliorer la texture.
Conseils pour réussir:
* Expérience: Jouez avec différentes positions lumineuses et angles pour voir quels effets vous pouvez créer.
* observer: Étudiez des portraits par des photographes qui utilisent efficacement l'éclairage dur. Faites attention à d'où vient la lumière et comment elle affecte le visage du sujet.
* Démarrez simple: N'essayez pas d'en faire trop à la fois. Commencez par une seule source de lumière et un réflecteur, et ajoutez progressivement plus de complexité à mesure que vous devenez plus à l'aise.
* Considérez le sujet: Pensez à la personnalité et aux caractéristiques du sujet. Choisissez l'éclairage et la pose qui les complète et raconte une histoire.
* moins c'est plus: La lumière dure peut être écrasante. N'en faites pas trop. Parfois, une touche subtile de lumière dure est plus efficace que de faire exploser le sujet avec.
* Pratique: La meilleure façon d'apprendre à utiliser efficacement l'éclairage dur est de pratiquer.
Quand éviter l'éclairage dur:
* Sujets à peau sensible: La lumière dure peut accentuer les imperfections et les rides.
* Lorsque vous voulez un look doux et flatteur: La lumière dure n'est généralement pas considérée comme flatteuse.
* lorsque le sujet appelle à la douceur: Par exemple, les portraits de bébés ou de jeunes enfants sont souvent mieux adaptés à un éclairage plus doux.
En comprenant les principes de l'éclairage dur et de la pratique de ces techniques, vous pouvez créer des portraits dramatiques et convaincants qui captent l'attention du spectateur. N'oubliez pas d'expérimenter et de développer votre propre style unique.