i. Prérequis:
* Une bonne image de départ: C'est crucial. Recherchez des portraits qui ont déjà un degré d'éclairage directionnel, de préférence de côté. Les sujets avec des fonctionnalités solides fonctionnent bien. La source lumineuse devrait créer un point fort et une zone d'ombre sur le visage.
* Format brut: Tirez en brut si possible. Cela vous donne beaucoup plus de flexibilité pour ajuster l'exposition et la température de couleur sans perdre les détails.
ii. Paramètres de développement Lightroom (panneau de base):
1. Exposition:
* abaisser considérablement l'exposition. Le but est de créer une atmosphère sombre et de mauvaise humeur. Visez que les points forts sont près du sommet de l'histogramme sans coupure (explosion). La majorité de l'image devrait être dans la gamme la plus sombre. Généralement, commencez par le diminuer de -1 à -2 arrêts et ajustez en fonction de votre image.
2. Contraste:
* Augmentez le contraste. Cela aide à définir les ombres et les reflets, en ajoutant de la profondeur et de la dimension. Expérimentez des valeurs entre +20 et +50, selon l'image.
3. Faits saillants:
* Rabagnit les points forts (valeurs négatives): Ce détail récupère dans toutes les zones brillantes qui pourraient être surexposées et approfondissent l'humeur globale. Essayez de commencer par -50 et ajustez au besoin.
4. Shadows:
* Soulevez légèrement les ombres: Ramenez des détails dans les zones les plus sombres, mais veillez à ne pas aplatir complètement l'image. Une petite valeur positive, comme +10 à +30, pourrait être suffisante. N'en faites pas trop; Vous voulez maintenir l'obscurité.
5. Blancs et Noirs:
* ajustez les blancs et les noirs pour définir la plage dynamique: Cela affecsé le contraste. Tenir la touche Alt / Option tout en faisant glisser les curseurs des Blancs et des Noirs vous permet de voir lorsque vous commencez à couper (perdez les détails dans les blancs les plus brillants ou les noirs les plus foncés). Ajustez-les jusqu'à ce que la coupe se produise. Cela maximisera la plage dynamique dans l'ambiance sombre.
6. Clarité:
* Expérimentez la clarté (souvent négative): Bien que la clarté augmente généralement le contraste de titron, pour une sensation plus douce et plus picturale, vous pouvez * légèrement * diminuer la clarté (par exemple, -5 à -15). Cela réduit la dureté. Alternativement, l'augmentation de la clarté peut affiner les détails dans des zones spécifiques avec des ajustements locaux.
7. Vibrance / saturation:
* Réglage subtil à la couleur: Les peintures de Rembrandt présentaient souvent des couleurs muettes et chaudes. Vous pouvez ajuster:
* vibrance: Une légère augmentation de la vibrance (par exemple, +5 à +15) peut faire ressortir les couleurs existantes sans les rendre trop saturées.
* saturation: Une diminution très subtile de la saturation globale (par exemple, -5 à 0) peut aider à désaturer légèrement les couleurs, donnant une sensation plus classique.
iii. Courbe de ton:
* Courbe "S" subtile: Une très légère courbe S dans la courbe de ton peut améliorer encore le contraste. Tirez dans la partie supérieure de la courbe pour assombrir les reflets et soulever légèrement la partie inférieure pour égayer les ombres. Être subtil; Évitez de créer des transitions sévères. Un préréglage "contraste moyen" est un bon point de départ que vous pouvez modifier.
iv. Panneau HSL / couleur:
* Tontes de peau affinées:
* Luminance: Ajustez la luminance de l'orange et du jaune pour affiner les tons de peau. Diminuez légèrement la luminance orange et jaune pour approfondir les tons de peau.
* saturation: Ajustez la saturation orange pour les tons de peau. Une diminution subtile peut donner un aspect plus naturel.
* Hue: Des ajustements mineurs à la teinte orange et jaune peuvent corriger toutes les couleurs de couleurs dans les tons de peau.
* Couleurs inutiles désaturées: Identifiez toutes les couleurs en arrière-plan ou vêtements qui distraient du sujet. Réduisez leur saturation pour minimiser leur impact.
v. Panneau de détail:
* Affûtage: Appliquez une quantité modérée d'aiguise, mais faites attention à ne pas sur-sharpen. Faites attention au curseur de masquage pour éviter d'aiguiser les zones bruyantes.
* Réduction du bruit: Selon l'ISO de votre image, vous devrez peut-être appliquer une certaine réduction du bruit, la luminance et la réduction du bruit des couleurs.
vi. Réglages locaux (brosse de réglage / filtre radial / filtre gradué):
* esquive et brûler: C'est là que vous pouvez vraiment imiter l'éclairage de Rembrandt.
* Brosse de réglage (Dodge): Utilisez un petit pinceau de réglage avec une exposition positive (+0,2 à +0,5) et un faible débit (10-20%) pour égayer subtilement les reflets sur le visage (par exemple, la pommette, l'os, le nez et la lèvre supérieure). Construire progressivement l'effet.
* Brosse de réglage (brûlure): Utilisez un pinceau de réglage similaire avec une exposition négative (-0,2 à -0,5) pour assombrir les ombres. Soulignez les ombres sous la pommette, autour des yeux et le long de la mâchoire.
* Filtre radial: Créez un filtre radial (gradient circulaire) autour du visage du sujet et réduisez légèrement l'exposition, la clarté et peut-être la saturation * à l'extérieur * du cercle. Cela aide à concentrer l'attention du spectateur sur le sujet. Feather les bords du filtre significativement pour une transition naturelle.
* Filtre gradué: Si votre source de lumière est directionnelle, utilisez un filtre gradué pour assombrir la zone de l'image la plus éloignée de la source lumineuse. Cela améliore l'effet d'éclairage dramatique.
vii. Panneau d'étalonnage:
* Expérience avec l'étalonnage de la caméra: L'ajustement de la teinte primaire rouge, verte et bleue, de la saturation et de la luminance peut subtilement modifier la palette de couleurs globale et l'humeur de l'image. Ces ajustements sont très subjectifs, alors expérimentez pour voir ce qui fonctionne le mieux pour votre image.
viii. Caractéristiques clés pour imiter le style de Rembrandt:
* Éclairage dramatique: Une seule source de lumière forte venant du côté, créant un contraste net entre la lumière et l'ombre.
* Éclairage Rembrandt (le «Triangle Rembrandt»): La marque de marque des portraits de Rembrandt est le petit triangle de lumière sur la joue en face de la source lumineuse. Ceci est un * must * pour un véritable éclairage Rembrandt.
* Tons chauds: Des couleurs riches et chaudes, souvent avec une sensation légèrement muette ou désaturée.
* fond sombre: Un arrière-plan sombre et souvent indéfini qui permet au sujet de se démarquer.
* Aspect doux et pictural: Évitez les bords durs et les détails trop pointus. Un aspect légèrement adoucis contribue à la sensation artistique.
ix. Processus itératif et conseils:
* Travaillez non destructivement: Les ajustements de Lightroom sont non destructifs, vous pouvez donc toujours revenir à l'image d'origine.
* reculez et révisez: Faites des pauses et visualisez l'image à distance pour évaluer l'effet global.
* Étude des peintures de Rembrandt: Familiarisez-vous avec l'éclairage, les couleurs et la composition des portraits de Rembrandt pour mieux comprendre l'esthétique que vous essayez de réaliser.
* N'en faites pas trop: La subtilité est la clé. Évitez les ajustements excessifs qui peuvent rendre l'image contre nature.
* Enregistrer les préréglages: Une fois que vous avez développé un ensemble d'ajustements que vous aimez, enregistrez-les comme préréglage pour une utilisation future. Cependant, n'oubliez pas que chaque image nécessitera des ajustements uniques.
En appliquant soigneusement ces techniques, vous pouvez créer de superbes portraits de style Rembrandt sombres et de mauvaise humeur à Lightroom, transformant vos images en œuvres d'art rappelant le Maître néerlandais. N'oubliez pas que la pratique et l'expérimentation sont essentielles pour maîtriser ce style. Bonne chance!