Comprendre ma philosophie (ou, "Pourquoi je fais ça?")
Avant même de prendre mon appareil photo, je me demande: quelle histoire dois-je raconter? Les portraits sont plus que de simples visages; Il s'agit de capturer la personnalité, l'humeur et un aperçu de la vie de quelqu'un. Est-ce que je veux transmettre la force, la vulnérabilité, la joie, l'introspection ou autre chose? Cela guide tout ce que je fais.
1. Le sujet:connexion et collaboration
* La conversation est la clé: Je passe du temps à parler à mon sujet * avant * le tournage. Cela les aide à se détendre, à comprendre ma vision et me permet de les apprendre. Je pourrais poser des questions sur leurs passe-temps, leurs passions ou ce qui les rend les plus à l'aise. Connaître ces choses informe la pose, le cadre et l'humeur globale.
* Building Trust: Les séances de portrait peuvent se sentir vulnérables. Je veux que mon sujet se sente en sécurité et à la confiance que je vais les représenter de manière positive et authentique. Donner une direction claire et une rétroaction positive est cruciale.
* Collaboration, pas la dictée: Je ne leur dis pas seulement quoi faire; Je collabore. Je les encourage à proposer des suggestions et à incorporer leur personnalité. S'ils ont une pose ou une expression de signature, je veux le capturer.
2. Lumière:le sculpteur de l'image
* Comprendre les qualités légères: La lumière est tout en photographie. Je pense à:
* Direction: D'où vient la lumière? L'éclairage avant peut être plat, l'éclairage latéral crée des ombres et de la profondeur, le rétro-éclairage peut être dramatique.
* Intensité: Est-ce le soleil dur ou la lumière douce et diffuse? La lumière dure met l'accent sur les textures, tandis que la lumière douce minimise les imperfections.
* Température de couleur: Le léger est-il chaud (heure d'or) ou frais (ombre)? Cela affecte l'humeur globale et les tons de peau.
* La lumière naturelle est mon ami (souvent): Je préfère souvent la lumière naturelle, surtout dans les "heures d'or" (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil). Il est flatteur et crée de beaux tons. Je cherche une teinte ouverte ou j'utilise des diffuseurs (comme un chantin ou même une fine feuille blanche) pour adoucir la lumière.
* lumière artificielle (si nécessaire): Si je tire à l'intérieur ou la nuit, j'utilise des sources de lumière artificielle. Je pourrais utiliser une vitesse (flash à la caméra) avec un diffuseur ou un stroboscope hors caméra avec un modificateur (softbox, parapluie, etc.) pour façonner la lumière. Je fais attention d'éviter le flash direct et dur, ce qui peut être peu flatteur.
* prêter attention aux ombres: Les ombres ajoutent de la profondeur et de la dimension. Je considère où les ombres tombent et comment elles affectent le visage du sujet. Parfois, je vais utiliser un réflecteur pour faire rebondir la lumière dans les ombres et les égayer.
3. Composition:diriger l'œil
* Règle des tiers: J'utilise souvent la règle des tiers, plaçant les yeux du sujet ou les caractéristiques clés le long des lignes d'intersection d'une grille.
* lignes de tête: Je cherche des lignes dans l'environnement qui attirent l'œil du spectateur vers le sujet.
* Espace négatif: L'espace vide autour du sujet peut être tout aussi important que le sujet lui-même. Cela peut créer un sentiment d'équilibre, d'isolement ou de liberté.
* cadrage: Utiliser des éléments dans l'environnement (arbres, portes, etc.) pour caresser le sujet et attirer l'attention sur eux.
* contact visuel (ou absence de celle-ci): Le contact visuel direct crée une connexion avec la visionneuse. Le détournement peut créer un sentiment de mystère ou d'introspection.
* angles et perspective: Le tir à partir d'un angle légèrement plus élevé peut être flatteur (il mince souvent le visage). Le tir sous un angle bas peut transmettre la puissance ou la domination.
4. Paramètres et équipement (les trucs techniques)
* ouverture: Je tire habituellement avec une large ouverture (f / 2,8, f / 1,8, ou même plus large, selon l'objectif) pour créer une profondeur de champ peu profonde et brouiller l'arrière-plan. Cela aide à isoler le sujet et à attirer l'attention sur eux.
* vitesse d'obturation: J'ajuste la vitesse d'obturation pour obtenir une exposition appropriée tout en évitant le flou de mouvement. Je vise généralement une vitesse d'obturation qui est au moins 1 / focale (par exemple, 1 / 50e de seconde pour un objectif de 50 mm). Si le sujet se déplace, j'utiliserai une vitesse d'obturation plus rapide.
* ISO: Je garde l'ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit (grain). Je n'augmenterai l'ISO que si je dois atteindre une vitesse d'obturation plus rapide ou une ouverture plus large.
* Choix de l'objectif: Je préfère les objectifs principaux (objectifs avec une distance focale fixe) pour les portraits car ils sont souvent plus nets et ont des ouvertures plus larges. Mes objectifs incontournables sont souvent un 50 mm et un 85 mm. Le 85 mm est mon préféré, car il me permet d'être plus éloigné de mon sujet, ce qui rend certaines personnes plus confortables.
* Corps de la caméra: Une caméra à cadre complet donne généralement le meilleur résultat en raison de sa qualité d'image élevée et de ses bonnes performances dans des environnements à faible luminosité, mais ce n'est pas une nécessité. Un corps de caméra avec une bonne plage dynamique est très important, car cela vous permettra de récupérer des informations à partir de faits saillants soufflés ou d'ombres concassées en post-production, si vous surexpiez accidentellement votre image.
* Focus: Une focalisation précise est cruciale. J'utilise l'autofocus en un seul point et me concentre sur l'œil du sujet qui est le plus proche de la caméra.
5. Posing:guider, ne pas forcer
* naturel et confortable: Je vise des poses qui semblent naturelles et confortables pour le sujet. J'évite les poses raides ou forcées.
* Ajustements subtils: Les petits ajustements peuvent faire une grande différence. Je pourrais leur demander d'incliner légèrement la tête, de changer leur poids ou de détendre leurs épaules.
* mains: Faites attention aux mains! Ils peuvent être expressifs, mais ils peuvent également sembler maladroits s'ils ne sont pas bien positionnés. Je pourrais les faire tenir quelque chose, les reposer sur leurs genoux ou toucher doucement leur visage.
* Expérimentation: J'encourage le sujet à essayer différentes poses et expressions. Nous pourrions commencer par une pose classique, puis expérimenter quelque chose de plus créatif.
* pause: Faites des pauses! La pose peut être fatigante. Il est important de donner au sujet une chance de se détendre et de se recharger.
6. Édition (post-traitement):Amélioration, pas surpuissant
* mon style: Mon style d'édition est généralement propre et naturel. Je veux améliorer l'image sans le faire paraître trop traité.
* Logiciel: J'utilise Adobe Lightroom et / ou Photoshop pour l'édition.
* Ajustements de base: Je commence par des ajustements de base comme l'exposition, le contraste, les reflets, les ombres, les blancs et les noirs.
* Correction des couleurs: J'ajuste la balance des blancs et les tons de couleur pour créer un aspect global agréable.
* Retouching: Je fais un minimum de retouche, en me concentrant sur la suppression des imperfections et des distractions. Je veux préserver la texture naturelle de la peau du sujet.
* Affûtage: J'ajoute une touche d'affûtage pour améliorer les détails.
* Croping: Je pourrais recadrer l'image pour améliorer la composition.
* Presets: J'utilise souvent des préréglages personnalisés pour accélérer mon flux de travail et maintenir un aspect cohérent à travers mes images.
7. Pratique et expérimentation:le voyage sans fin
* Tirez régulièrement: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Expérimentez avec différentes techniques: Essayez différentes configurations d'éclairage, techniques de pose et styles d'édition.
* Étudiez le travail d'autres photographes: Regardez le travail des photographes que vous admirez et analysez ce qui rend leurs images si convaincantes.
* Obtenez des commentaires: Partagez votre travail avec les autres et demandez des critiques constructives.
* N'ayez pas peur d'échouer: Tous les coups ne seront pas un chef-d'œuvre. Apprenez de vos erreurs et continuez à vous pousser à vous améliorer.
Exemple de scénario:"Comment j'ai obtenu la photo"
Sujet: Un jeune musicien, auteur-compositeur-interprète.
ma vision: Je voulais capturer son esprit émouvant et sa passion pour la musique.
la configuration:
* Emplacement: Un espace de grenier borné par le soleil avec une brique exposée et de grandes fenêtres.
* lumière: La lumière du soleil douce et diffusa par les fenêtres.
* équipement: Canon 5D Mark IV, 85 mm f / 1,4 objectif.
* Paramètres: f / 2, 1 / 200e de seconde, ISO 200.
le processus:
1. Conversation: Je lui ai parlé de sa musique, de ses inspirations et de ses rêves. J'ai appris qu'elle était une personne très introspective et expressive.
2. posant: Je lui ai demandé de s'asseoir près de la fenêtre avec sa guitare. Je l'ai encouragée à fermer les yeux et à s'imaginer se produire sur scène. J'ai fait des ajustements subtils à sa posture et à son placement à la main.
3. tir: J'ai pris une série de tirs sous différents angles, en me concentrant sur son visage et ses mains. J'ai fait une attention particulière à la lumière et aux ombres.
4. Édition: J'ai utilisé Lightroom pour ajuster les tons d'exposition, de contraste et de couleur. J'ai ajouté une touche de chaleur à l'image pour créer une sensation plus accueillante. J'ai fait une retouche minimale pour enlever quelques imperfections.
le résultat: Un portrait qui a capturé son esprit émouvant et sa passion pour la musique. La lumière douce, l'expression réfléchie et la guitare ont toutes contribué à raconter son histoire.
Prise des clés:
* La connexion est primordiale. Une véritable connexion avec votre sujet se traduira par un portrait plus authentique et convaincant.
* La lumière est votre outil le plus puissant. Apprenez à voir la lumière et à l'utiliser à votre avantage.
* Composition compte. Utilisez les éléments de la composition pour guider l'œil de la visionneuse et créer une image équilibrée et visuellement attrayante.
* La pose est de guider, de ne pas forcer. Aidez votre sujet à vous sentir à l'aise et confiant.
* L'édition consiste à améliorer, pas à maîtriser. Préservez l'authenticité de l'image.
* La pratique rend parfaite. Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
Il s'agit d'un aperçu complet, mais chaque session de portrait est unique. La clé est d'être adaptable, créatif et toujours apprenant. Bonne chance!