comment photographier des performances de danse:un guide pratique
Photographier des spectacles de danse est une expérience difficile mais enrichissante. Cela nécessite une combinaison de compétences techniques, de vision artistique et d'une compréhension de la forme d'art. Ce guide vous guidera à travers les aspects essentiels, de la préparation au post-traitement, pour vous aider à capturer de superbes images de danse.
i. La préparation pré-shoot est la clé:
* Autorisations et communication:
* Contactez les organisateurs: C'est l'étape la plus importante. Obtenez la permission des organisateurs de l'événement ou de la gestion des sites. Renseignez-vous sur:
* Politique de photographie: Flash, trépieds ou objectifs spécifiques sont-ils autorisés? Y a-t-il des emplacements de tir désignés?
* Accès à la répétition générale: Si possible, assister à une répétition générale vous donne un environnement à basse pression pour expérimenter et apprendre la chorégraphie.
* besoins spécifiques: Ont-ils besoin de plans spécifiques pour du matériel promotionnel?
* Communiquez avec les danseurs (si possible): Bien que souvent pas possible pendant la représentation, essayez de vous connecter à l'avance avec les danseurs (par exemple, pendant les répétitions, si elle est autorisée). Comprendre leurs intentions et leurs moments clés peut vous aider à anticiper et à capturer ces moments.
* Comprendre les performances:
* Recherchez la chorégraphie: Si vous avez accès à des informations à l'avance (programme, notes de répétition), familiarisez-vous avec la pièce. Connaître les mouvements clés, les thèmes et l'arc émotionnel de la danse amélioreront considérablement votre capacité à anticiper et à capturer des moments significatifs.
* Assister à une répétition (si possible): Comme mentionné ci-dessus, cela est inestimable pour comprendre l'éclairage, la mise en page et la chorégraphie. Il vous donne une chance d'expérimenter les paramètres et le cadrage sans la pression d'une performance en direct.
* Sélection des équipements:
* lentilles rapides (ES): Essentiel pour les situations à faible luminosité et le mouvement de congélation. Recherchez des lentilles avec une ouverture de f / 2,8 ou plus rapidement (f / 1,8, f / 1,4). Les lentilles Prime (focale fixe) comme 50 mm, 85 mm et 135 mm sont souvent d'excellents choix.
* Zoom Lens (option polyvalente): Un objectif zoom comme un 70-200 mm f / 2.8 peut offrir une flexibilité dans le cadrage sans avoir à se déplacer trop.
* Corps de la caméra: Choisissez un corps de caméra avec de bonnes performances à faible luminosité et une fréquence d'images rapide (cadres par seconde - FPS).
* Cartes mémoire: Apportez beaucoup de cartes mémoire à grande vitesse et à grande capacité. Le tir en mode continu remplira rapidement les cartes.
* Batteries supplémentaires: Ne manquez pas de pouvoir! Apportez des batteries de rechange entièrement chargées.
* trépied (généralement pas autorisé): Bien qu'un trépied puisse aider à la stabilité, il est souvent interdit aux performances de danse car ils peuvent entraver la vue. Vérifiez la politique de photographie.
* monopode (alternative possible): Un monopode peut être une option viable si des trépieds sont interdits. Il offre une certaine stabilité tout en permettant plus de maniabilité. Encore une fois, vérifiez la politique du lieu.
* STRAP DE CAME: Essentiel pour prévenir les gouttes et garder votre appareil photo accessible.
ii. Techniques de prise de vue:
* Paramètres de la caméra:
* Mode de prise de vue:manuel (M) ou priorité d'ouverture (AV / A): Le mode manuel vous donne le plus de contrôle sur l'exposition, mais la priorité de l'ouverture peut être utile si l'éclairage change rapidement.
* ouverture:grand ouvert (f / 2,8 ou plus rapide): Utilisez l'ouverture la plus large que votre objectif permet de maximiser l'apport lumineux et de créer une profondeur de champ peu profonde (fond flou). Sachez qu'une profondeur de champ très superficielle peut rendre difficile le fait de garder les danseurs en vue.
* Vitesse d'obturation:assez rapide pour geler le mouvement: C'est crucial! Commencez avec 1 / 250e de seconde et ajustez à partir de là. Les mouvements plus rapides nécessiteront des vitesses d'obturation encore plus rapides (1/500e, 1/1000e, ou plus rapidement). Expérimentez pour trouver le point idéal entre le mouvement de congélation et permettant suffisamment de lumière.
* ISO:aussi bas que possible, mais nécessaire: Soulevez l'ISO uniquement au besoin pour obtenir une exposition appropriée. Essayez de le garder en dessous de l'ISO 3200 pour minimiser le bruit, mais n'ayez pas peur d'aller plus haut si nécessaire. Les caméras modernes fonctionnent bien à des ISO supérieurs.
* Mode de mise au point:autofocus continu (Ai Servo sur Canon, AF-C sur Nikon / Sony): Ce mode ajuste en continu Focus à mesure que le danseur se déplace. Utilisez la mise au point du bouton (si disponible sur votre appareil photo) pour un suivi de mise au point plus facile.
* Mode d'entraînement:continu (mode rafale): Capturez une explosion d'images pour augmenter vos chances de capturer le moment parfait.
* Mode de mesure:mesure ponctuelle ou mesure pondérée au centre: Ces modes vous permettent de compter la lumière sur le visage ou le corps du danseur, plutôt que sur toute la scène.
* Balance des blancs:personnalisée ou préréglé: Définissez une balance blanche personnalisée si possible (en utilisant une carte grise ou similaire). Sinon, choisissez un préréglage qui correspond à l'éclairage de la scène (par exemple, en tungstène pour les lumières à incandescence, fluorescents pour les lumières fluorescentes). Vous pouvez toujours ajuster la balance des blancs en post-traitement.
* Shoot in Raw: Cela vous donne le plus de flexibilité dans le post-traitement.
* Techniques de concentration:
* Suivez les danseurs: Ajustez en continu la mise au point lorsque les danseurs se déplacent sur la scène.
* Focus sur les yeux (ou le visage): Si possible, concentrez-vous sur les yeux ou le visage de la danseuse, car c'est ce qui attirera le spectateur.
* Utilisez des points de mise au point stratégiquement: Sélectionnez des points de mise au point qui correspondent à la position du danseur. Par exemple, utilisez des points de mise au point près des bords du cadre lorsque le danseur est sur le côté de la scène.
* Pratiquez la mise au point du bout du dos: La séparation de la mise au point du bouton d'obturation (en utilisant un bouton dédié à l'arrière de la caméra) peut considérablement améliorer votre précision de mise au point, en particulier avec l'autofocus continu.
* Composition et cadrage:
* Règle des tiers: Placez le danseur hors centre, en utilisant la règle des tiers pour créer une composition plus dynamique.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la conception de la scène pour guider l'œil du spectateur vers le danseur.
* Remplissez le cadre: Rapprochez-vous suffisamment pour remplir le cadre avec le danseur et leurs mouvements, mais soyez conscient de recadrer trop étroitement.
* Capturez le contexte: Incluez des éléments de la conception de la scène, de l'éclairage ou d'autres danseurs pour fournir un contexte et raconter une histoire.
* anticipe le moment de pointe: Faites attention à la chorégraphie et essayez d'anticiper le pic d'un saut, d'une pose dramatique ou d'une expression poignante.
* Considérations d'éclairage:
* L'éclairage de scène est la clé: Vous êtes à la merci de l'éclairage. Faites attention à la couleur, à l'intensité et à la direction de la lumière.
* Évitez le flash: Flash Photography est presque toujours interdite lors des performances de danse. Il est distrayant pour les danseurs et perturbe l'atmosphère. De plus, le flash direct produit rarement des résultats flatteurs.
* Utilisez le rétro-éclairage et la lumière latérale: Ces types d'éclairage peuvent créer des silhouettes dramatiques et mettre en évidence la forme du danseur.
* Surveillez les ombres: Soyez conscient des ombres et de la façon dont ils affectent la composition.
iii. Post-traitement:
* Logiciel: Utilisez un programme de retouche photo comme Adobe Lightroom, Capture One ou similaire.
* Ajustements de base:
* Exposition: Corrigez toute excédent ou sous-exposition.
* Balance des blancs: Affinez l'équilibre du blanc pour obtenir des couleurs précises.
* Contraste: Ajustez le contraste pour améliorer les détails et faire éclater l'image.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Réduction du bruit: Réduisez le bruit, surtout si vous avez tiré sur un ISO élevé. Faites attention à ne pas trop lisse de l'image.
* Affûtage: Aiguisez l'image pour faire ressortir les détails. Utilisez le masquage pour éviter d'aiguiser le bruit en arrière-plan.
* Croping: Créez l'image pour améliorer la composition et éliminer les distractions.
* Correction des couleurs: Ajustez les couleurs pour correspondre à votre vision ou à l'humeur de la performance.
* Convertir en noir et blanc (facultatif): Le noir et blanc peuvent être un moyen puissant de souligner la forme et l'émotion de la danse.
iv. Considérations éthiques:
* Respectez les danseurs: Soyez attentif à vos mouvements et évitez de distraire les danseurs ou le public.
* adhérez aux règles: Suivez toutes les règles et réglementations établies par les organisateurs de l'événement ou le lieu.
* Donnez un crédit: Si vous partagez vos photos en ligne, accordez le crédit aux danseurs, aux chorégraphes et aux concepteurs d'éclairage.
* Copyright: Soyez conscient des lois sur le droit d'auteur et obtenez l'autorisation avant d'utiliser vos photos à des fins commerciales.
v. Pratique et patience:
* La photographie de la danse prend de la pratique. Ne vous découragez pas si vos premières tentatives ne sont pas parfaites.
* Plus vous tirez, mieux vous deviendrez pour anticiper les mouvements, en ajustant vos paramètres et en capturant le moment parfait.
* Soyez patient et persistant. Les meilleurs plans viennent souvent après avoir attendu le bon moment.
Prise des clés:
* Les autorisations sont primordiales: Obtenez toujours la permission de photographier.
* les objectifs rapides sont essentiels: Prioriser les lentilles avec de larges ouvertures (f / 2,8 ou plus rapidement).
* Comprendre les performances: Connaître la chorégraphie améliorera considérablement votre succès.
* Pratiquez vos techniques de focalisation: La mise au point automatique continue et la mise au point du bout du dos sont des outils inestimables.
* être respectueux et éthique: N'oubliez pas que vous capturez l'art, alors traitez le sujet et la performance avec respect.
En suivant ces directives et en vous pratiquant régulièrement, vous serez en bonne voie pour capturer des photographies époustouflantes et évocatrices de performances de danse. Bonne chance!