Phase 1:Conceptualisation et planification
Avant même de ramasser votre appareil photo, réfléchissez-vous! C'est là que la partie "créative" brille vraiment.
1. Définissez votre vision:
* thème / humeur: Quelle histoire voulez-vous raconter? Quelle émotion voulez-vous évoquer? Pensez à des thèmes comme:
* surréalisme: Juxtapositions ondulées, illogiques et inattendues.
* Résumé: Concentrez-vous sur les formes, les couleurs, les textures plutôt que sur la représentation littérale.
* Fantasy: Joints de fées, mythes, éléments d'un autre monde.
* Nostalgie: Évoquant une époque ou un sentiment passé.
* sombre / gothique: Moody, dramatique, parfois macabre.
* minimaliste: Simple, propre, en se concentrant sur les éléments essentiels.
* conceptuel: Explorer une idée ou un commentaire social.
* Palette de couleurs: Comment voulez-vous que les couleurs contribuent à l'ambiance? Envisagez des couleurs complémentaires, des schémas monochromatiques, des couleurs analogues, etc.
* Images de référence: Rassemblez l'inspiration! Regardez les peintures, les films, la photographie d'autres artistes. Pinterest, Instagram, Behance sont vos amis. * Ne copiez pas directement, mais utilisez-les comme tremplin. *
2. Sélection du modèle:
* Trouvez le bon ajustement: La personnalité et les fonctionnalités de votre modèle devraient s'aligner sur votre vision. Si vous essayez de transmettre la force, recherchez quelqu'un qui le projette naturellement. Si vous avez besoin de quelqu'un éthéré, choisissez quelqu'un dont les fonctionnalités se penchent dans cette direction.
* Release du modèle: Toujours, toujours, obtenez toujours une version de modèle signée. Cela vous protège légalement et vous donne la permission d'utiliser les images.
* collaborer: Parlez à votre modèle de votre concept. Obtenir leur contribution. Un effort de collaboration donne souvent les meilleurs résultats.
3. Emplacement, accessoires, garde-robe et maquillage:
* Scoutisme de localisation: Trouvez un emplacement qui complète votre thème. Considérer:
* urbain: Graffiti murs, bâtiments abandonnés, zones industrielles.
* nature: Forêts, champs, plages, montagnes.
* studio: Fournit un contrôle maximal sur l'éclairage et l'arrière-plan.
* Accueil: Offre l'intimité et la connexion personnelle.
* accessoires: Les accessoires peuvent ajouter le contexte, le symbolisme et l'intérêt visuel. Penser à:
* Éléments vintage: Livres anciens, meubles anciens, horloges.
* Éléments naturels: Fleurs, feuilles, branches, pierres.
* tissu et textures: Rideaux, foulards, dentelle.
* Formes abstraites: Miroirs, prismes, sculptures.
* Armoire: Les vêtements devraient renforcer l'humeur et le thème.
* Style: Considérez la coupe, la couleur, la texture et l'ajustement des vêtements.
* bricolage: N'ayez pas peur de créer vos propres pièces de garde-robe ou de modifier celles existantes.
* Maquillage: Le maquillage peut modifier considérablement un portrait.
* naturel: Améliore subtilement les fonctionnalités du modèle.
* dramatique: Couleurs audacieuses, formes inhabituelles, effets spéciaux.
* sur le thème: Correspond au concept global (par exemple, maquillage théâtral, maquillage fantastique). * Si possible, embauchez un maquilleur. *
4. Sketch &Storyboard:
* Planifiez vos photos: Esquissez vos idées. Storyboard La séquence de photos que vous souhaitez capturer.
* Angles et composition: Pensez à différents angles, perspectives et compositions. Expérimentez avec:
* Règle des tiers: Placer les éléments clés le long des lignes ou aux intersections d'une grille 3x3.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur.
* symétrie et asymétrie: Créer un équilibre ou une tension.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan pour encadrer le sujet.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide pour créer un sentiment de calme ou d'isolement.
Phase 2:prise de vue (Éclairage et paramètres de la caméra)
1. L'éclairage est la clé: L'éclairage façonne l'ambiance et révèle les détails.
* lumière naturelle:
* Hour d'or: L'heure après le lever du soleil et l'heure avant le coucher du soleil. Lumière chaude, douce et flatteuse.
* Days couverts: Diffuse, même la lumière qui minimise les ombres.
* Open Shade: Lumière ombragée de la lumière directe du soleil mais toujours lumineuse et aérée.
* lumière artificielle:
* stroboscopes de studio: Sources lumineuses puissantes et contrôlables.
* speedlights: Unités flash portables.
* lumière continue: Panneaux LED, lampes, etc.
* techniques d'éclairage:
* lumière dure: Crée des ombres et des reflets forts.
* lumière douce: Crée des transitions douces et moins d'ombres.
* Éclairage de jante: Crée un halo autour du sujet.
* rétro-éclairage: Silhouettes le sujet.
* gels de couleur: Ajoutez de la couleur à la lumière pour les effets dramatiques.
* Modificateurs: Utilisez des parapluies, des boîtes aux soft, des réflecteurs, des grilles et des snots pour façonner et contrôler la lumière.
2. Paramètres de la caméra:
* ouverture (f-stop):
* large ouverture (par ex., f / 1,8, f / 2,8): Profondeur de champ peu profonde (fond flou). Bon pour isoler le sujet.
* ouverture étroite (par exemple, f / 8, f / 11): Profondeur de champ profonde (tout ce qui se concentre). Bon pour les paysages ou les portraits de groupe.
* vitesse d'obturation:
* vitesse d'obturation rapide (par ex., 1/250, 1/500): Gèle le mouvement.
* vitesse d'obturation lente (par exemple, 1/30, 1/15): Crée un flou de mouvement. * Nécessite un trépied. *
* ISO: Sensibilité à la lumière. Gardez-le aussi bas que possible pour minimiser le bruit.
* faible ISO (par exemple, 100, 200): Image propre.
* ISO élevé (par exemple, 800, 1600 +): Plus de bruit, mais vous permet de tirer en basse lumière.
* Mode de mise au point:
* automatique à point unique (AF-S ou One-Shot): Se concentre sur un point spécifique.
* automatique continue (AF-C ou AI Servo): Suit les sujets en mouvement.
* Focus manuel: Vous permet de vous concentrer manuellement. Utile pour une concentration précise ou lorsque l'autofocus est en difficulté.
* Mode de mesure:
* Meilleur évaluatif / matrice: Analyse toute la scène et fait en moyenne l'exposition.
* Spot Metering: Mètres la lumière sur une petite zone de la scène.
* Meilleur pondéré au centre: Mètres la lumière au centre de la scène.
3. Diriger votre modèle:
* La communication est la clé: Communiquez clairement votre vision au modèle.
* posant:
* Commencez par des poses de base: Puis ajustez et affinez progressivement.
* faites attention aux mains: Les mains peuvent transmettre l'émotion. Évitez le placement gênant à la main.
* angle le corps: La pêche au corps crée des poses plus dynamiques et flatteuses.
* Guide avec votre voix: Donnez des instructions spécifiques ("inclinez légèrement la tête vers la gauche", "Détendez vos épaules", "Regardez juste devant la caméra").
* Encourager l'expression: Aidez le modèle à se connecter avec l'émotion que vous essayez de transmettre. Parlez-leur du thème, jouez de la musique qui met l'humeur et encouragez-les à être eux-mêmes.
* Brisez la glace: Mettez-les à l'aise en discutant et en faisant des blagues.
Phase 3:Post-traitement (édition)
1. Logiciel: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, capturez-en un.
2. Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale.
* Contraste: Ajustez la différence entre les zones claires et sombres.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les zones les plus brillantes et les plus sombres.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs.
* Clarity &Texture: Ajouter ou réduire la netteté et les détails.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
3. Techniques d'édition créatives:
* Gradage des couleurs: Changez les couleurs de l'image pour créer une humeur spécifique. Utilisez la tonification divisée, l'étalonnage des couleurs ou les ajustements de couleurs sélectives.
* Dodge &Burn: Éclairer (esquiver) ou assombrir (brûler) des zones spécifiques pour améliorer les reflets et les ombres, sculpter les caractéristiques et créer de la profondeur.
* Retouching: Retirez les imperfections, la peau lisse et affinez les détails. Soyez subtil! La sur-trassage peut rendre l'image contre nature.
* Composage: Combinez plusieurs images pour créer une image composite. Cela peut être utilisé pour ajouter des éléments qui n'étaient pas présents pendant le tournage, ou pour créer des scènes surréalistes ou fantastiques.
* Ajout de textures et de superpositions: Ajoutez des textures ou des superpositions pour créer un effet visuel unique.
* Effets spéciaux: Utilisez des filtres ou des plugins Photoshop pour créer des effets spéciaux tels que des fuites de lumière, des fusées éclairantes ou de distorsion.
4. Affûtage: Aiguisez l'image comme étape finale.
5. Correction des couleurs et étalonnage: Assurez-vous que votre moniteur est calibré pour afficher avec précision les couleurs.
Conseils pour réussir:
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses. Enfreindre les règles!
* Pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Étude: Apprenez des autres photographes. Analysez leur travail et essayez de comprendre leurs techniques.
* Obtenez des commentaires: Partagez votre travail avec les autres et demandez des critiques constructives.
* Développez votre style: Trouvez votre propre voix et votre perspective unique.
* Amusez-vous! Profitez du processus de création.
Considérations importantes:
* éthique: Soyez conscient du confort et de la sécurité de votre modèle.
* Copyright: Respectez les droits d'auteur des autres.
* Inspiration vs imitation: Soyez inspiré par d'autres artistes, mais ne copiez pas leur travail.
* Connaissez votre équipement: Familiarisez-vous avec votre appareil photo et votre équipement d'éclairage.
En suivant ces étapes et en embrassant votre créativité, vous pouvez créer des photographies de portrait étonnantes et mémorables. Bonne chance!