1. Comprendre la photographie discrète
* Définition: La photographie discrète utilise des tons et des ombres principalement sombres avec un seul point culminant ciblé. Il met l'accent sur l'humeur, la forme et la texture. L'objectif est de créer un look dramatique et souvent mystérieux.
* Éléments clés:
* obscurité dominante: La plupart de l'image est sombre.
* Source de lumière unique: Une lumière clé crée le point culminant principal et définit le sujet.
* contraste fort: De bonne différence entre les reflets et les ombres.
* Humeur: Crée une sensation dramatique, intime ou même mystérieuse.
2. Planification et préparation
* Concept et histoire: Quelle humeur ou sentiment voulez-vous évoquer? Est-ce pensif, fort, mystérieux ou autre chose? Cela éclairera vos choix d'éclairage et de pose.
* Sujet: Qui photographiez-vous et quelles sont leurs meilleures fonctionnalités à mettre en évidence? Considérez leur personnalité et comment cela se traduit visuellement.
* Background: Un fond sombre ou noir est idéal. Il aide le sujet à se démarquer et renforce la sensation discrète. Le tissu, un mur sombre, ou même le simple fait de déplacer votre sujet plus loin d'un fond plus léger peut fonctionner.
* Armoire: Les vêtements sombres sont généralement préférés, car il aide à maintenir l'esthétique discrète. Cependant, un vêtement de couleur claire stratégiquement placée peut fournir un point d'intérêt.
* Emplacement: Un espace intérieur où vous pouvez contrôler la lumière est crucial. Un studio est idéal, mais une pièce avec un minimum de lumière ambiante fonctionnera.
* Équipement:
* caméra: Tout appareil photo qui permet un contrôle manuel sur l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO convient.
* Lens: Un objectif portrait (50 mm, 85 mm ou similaire) est idéal pour des perspectives flatteuses, mais les objectifs zoom peuvent également fonctionner.
* Source lumineuse: Ceci est * la * clé.
* Studio stroboscope / flash: Offre le plus de puissance et de contrôle. Un modificateur (par exemple, softbox, réflecteur, snot, grille) est essentiel pour façonner la lumière.
* speedlight (flash à la caméra): Peut fonctionner si vous avez des modificateurs et un moyen de le positionner hors caméra.
* lumière continue (panneau LED, lampe): Plus facile à voir l'effet en temps réel, mais généralement moins puissant qu'un flash.
* Modificateur lumineux: Crucial pour façonner la lumière.
* softbox: Crée des ombres plus douces et plus progressives. Une petite softbox est bonne pour les lisses car elle crée des ombres définies.
* parapluie: Une autre option pour adoucir la lumière, mais généralement moins précise qu'une boîte à soft.
* snot: Concentre la lumière dans une poutre étroite.
* Grille: Rétrécit la propagation de la lumière et empêche la lumière de se répandre sur l'arrière-plan.
* réflecteur (facultatif): Pour ajouter une lumière de remplissage subtile, mais veillez à ne pas en faire trop.
* support lumineux: Pour positionner votre source lumineuse.
* déclencheur (si vous utilisez un flash hors caméra): Pour déclencher sans fil votre flash.
* fond noir (tissu, papier, mur): Essentiel pour l'effet discret.
3. Paramètres de la caméra
* Shoot en mode manuel (M): Vous donne un contrôle complet sur l'exposition.
* ISO: Commencez avec l'ISO natif le plus bas de votre appareil photo (généralement ISO 100 ou 200) pour minimiser le bruit.
* ouverture: Choisissez une ouverture qui vous donne la profondeur de champ souhaitée. Pour les portraits, f / 2,8 à f / 5.6 est un bon point de départ. Des ouvertures plus larges (les nombres F inférieurs) créent une profondeur de champ moins profonde, brouillant davantage l'arrière-plan. Des ouvertures plus petites (plus élevées de F) augmentent la profondeur de champ, en gardant davantage l'image en vue.
* vitesse d'obturation: Réglez votre vitesse d'obturation en fonction de votre source lumineuse:
* flash: Habituellement, vous réglerez votre vitesse d'obturation sur la vitesse de synchronisation de votre appareil photo (généralement vers 1/160e ou 1 / 200e de seconde). La puissance du flash contrôlera l'exposition globale.
* lumière continue: Ajustez votre vitesse d'obturation pour exposer correctement la scène en fonction de la luminosité de votre lumière.
* Balance des blancs: Réglez votre balance des blancs appropriée à votre source lumineuse (par exemple, "flash" pour flash, "tungstène" ou "incandescent" pour une lampe ménagers). Vous pouvez également tirer en brut et ajuster la balance des blancs en post-traitement.
* Soutien: Utilisez la mesure du point, si disponible, et le compteur de la partie la plus brillante du visage de votre sujet que vous souhaitez préserver. Si vous n'avez que la mesure évaluative / matrice, sachez qu'il essaiera d'éclairer toute la scène, vous devrez donc peut-être sous-exposer légèrement (-1 à -2 arrêts).
* Shoot in Raw: Cela vous donne le plus de flexibilité dans le post-traitement.
4. Configuration de l'éclairage
* Placement de la lumière clé: C'est l'étape * la plus * importante.
* Éclairage latéral: Positionnez la lumière sur le côté de votre sujet (45-90 degrés de la caméra). Cela crée de fortes ombres et des saillants, mettant l'accent sur la forme et la texture. Il s'agit d'une technique discrète classique.
* rétro-éclairage: Placez la lumière derrière le sujet, légèrement sur le côté. Cela crée une lumière de jante autour des bords du sujet, les séparant de l'arrière-plan.
* Éclairage supérieur: Placez la lumière au-dessus du sujet, pointant vers le bas. Cela peut créer des ombres dramatiques sous les yeux et le nez.
* Éclairage de boucle: Une variation de l'éclairage latéral où l'ombre du nez crée une petite boucle sur la joue.
* Éclairage Rembrandt: Un triangle de lumière distinctif sur la joue en face de la source de lumière.
* Forme de lumière:
* Feathering: Angle le bord de la source de lumière (softbox, par exemple) vers le sujet, plutôt que de pointer le centre de la lumière directement sur eux. Cela crée une transition plus douce et plus progressive entre la lumière et l'ombre.
* Distance: Rapprochez la lumière ou plus loin pour contrôler l'intensité et la douceur de la lumière. Plus proche =ombres plus lumineuses et plus douces. Plus loin =gradateur, ombres plus dures.
* Contrôle de puissance: Commencez par un réglage de faible puissance sur votre lumière et augmentez-le progressivement jusqu'à ce que vous atteigniez l'exposition souhaitée. N'oubliez pas que vous voulez beaucoup d'obscurité.
* Remplir la lumière (facultative): Si les ombres sont trop profondes, utilisez un réflecteur pour faire rebondir une petite quantité de lumière sur le sujet. Ou, utilisez une deuxième lumière * très * à faible puissance, positionnée loin et diffusée à l'extrême. L'objectif est de soulever * à peine * les ombres, pas de les éliminer.
* Test CHAPS: Prenez beaucoup de clichés et ajustez vos paramètres d'éclairage et de caméra jusqu'à ce que vous soyez satisfait des résultats. Portez une attention particulière aux ombres et aux reflets.
5. Posant et composition
* posant:
* Considérez l'humeur que vous essayez de créer. Une pose détendue pourrait convenir à un portrait contemplatif, tandis qu'une pose plus dynamique pourrait transmettre la force ou l'énergie.
* Expérimentez avec différents angles et perspectives.
* Faites attention à l'expression du sujet.
* Guidez votre sujet. Fournir des instructions claires et concises.
* Composition:
* Règle des tiers: Positionnez l'œil du sujet le long de l'un des points d'intersection de la grille de la règle des tiers.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour attirer l'œil du spectateur sur le sujet.
* Espace négatif: Utilisez le fond sombre pour créer un sentiment d'espace et d'isolement.
* focus: Clouez la focalisation sur les yeux.
6. Post-traitement
* Traitement brut:
* Exposition: Faites des ajustements subtils à l'exposition si nécessaire. Err du côté de la sous-exposition.
* Contraste: Augmentez le contraste pour séparer davantage les points forts des ombres.
* Faits saillants et ombres: Ajustez ces curseurs pour affiner l'équilibre entre la lumière et l'obscurité. Veillez à ne pas faire apparaître les ombres * aussi * ou vous perdrez beaucoup l'effet discret.
* Blancs et Noirs: Ajustez ces curseurs pour définir les points blancs et noirs de votre image.
* Clarity &Texture: Utilisez-les avec parcimonie pour ajouter des détails et de la netteté.
* Réduction du bruit: Appliquez une réduction du bruit si nécessaire, surtout si vous deviez utiliser un ISO plus élevé.
* Ajustements locaux:
* esquiver et brûler: Utilisez des outils d'esquive et de brûlure pour éclaircir sélectivement ou assombrir les zones de l'image, améliorant davantage les reflets et les ombres.
* Affûtage des yeux: Aiguisez les yeux pour attirer l'attention du spectateur sur eux.
* Convertir en noir et blanc (facultatif): Les portraits discrets ont souvent l'air frappants en noir et blanc, car il met l'accent sur la gamme tonale et élimine les distractions des couleurs.
* touches finales: Vérifiez toutes les distractions et effectuez tous les ajustements finaux à la couleur, au contraste et à la netteté.
Conseils clés pour le succès:
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer différentes configurations d'éclairage et paramètres de la caméra. La meilleure façon d'apprendre est d'expérimenter et de voir ce qui vous convient le mieux.
* Pratique: La photographie discrète nécessite de la pratique et de la patience. Plus vous tournez, mieux vous comprendrez comment contrôler la lumière et créer des images dramatiques.
* observer: Étudiez le travail d'autres photographes discrets pour obtenir l'inspiration et les idées.
* faites attention aux détails: De petits détails peuvent faire une grande différence dans les portraits discrets. Faites attention à l'expression du sujet, à l'éclairage et à la composition.
* moins c'est plus: Avec un discours discret, moins d'éléments de la scène, plus l'impact est fort. La simplicité est la clé.
En suivant ces étapes, vous pouvez créer de superbes portraits discrets qui capturent un sentiment de drame, d'humeur et d'intrigue. Bonne chance!