i. Comprendre le "look de film":qu'essayons-nous d'imiter?
Avant de commencer à appliquer des techniques, il est crucial de comprendre ce qui distingue l'esthétique du film de la vidéo numérique. Considérez ces caractéristiques clés:
* grain: Le film a intrinsèquement du grain, une texture aléatoire qui est souvent perçue comme organique et agréable. La vidéo numérique est généralement très propre et nette, dépourvue de cette texture naturelle.
* Plage dynamique: Le film a généralement une gamme dynamique plus large, en particulier dans les points forts, ce qui lui donne un déploiement plus nuancé et progressif dans des zones lumineuses. La vidéo numérique peut souvent couper les points forts brusquement.
* Science des couleurs: Les stocks de films ont des profils de couleurs distincts. Pensez aux tons chauds de Kodak Portra ou aux tons plus frais de Kodak Ektachrome. Les appareils photo numériques, même avec des profils d'images, peuvent avoir un look plus "stérile".
* Profondeur de champ: Souvent, le film est associé à une profondeur de champ moins profonde. Ce n'est pas inhérent à filmer * lui-même *, mais c'est un choix stylistique souvent fait lors du tournage du film, en raison des plus grandes tailles de capteurs de caméras historiquement utilisées pour le film.
* Cadence de mouvement: Le film fonctionne à 24 images par seconde (FPS), ce qui se traduit par un flou de mouvement distinct et un mouvement global plus lisse par rapport à des fréquences d'images plus élevées souvent utilisées dans la vidéo numérique. Cela influence la fluidité perçue et la sensation "cinématographique".
* Caractéristiques de l'objectif: Les lentilles de film vintage ont des imperfections uniques comme la distorsion, l'aberration chromatique et les bords plus doux. Ces imperfections contribuent souvent au «personnage» du look de film.
* Exposition et contraste: Le film a souvent une manière spécifique qu'il gère les points forts et les ombres, ce qui entraîne différents niveaux de contraste et qualités tonales.
ii. Pendant la production (tournage pour un look de film):
La meilleure façon d'obtenir un look de film est de commencer * pendant * le tournage. Ces techniques feront une énorme différence:
* fréquence d'images:
* Tirez à 24 ips (ou 23.976fps): Il s'agit de la fréquence d'images du film standard. Il est essentiel de réaliser le flou du mouvement caractéristique et la sensation cinématographique. Si votre appareil photo n'a pas cela, tirez à une fréquence d'images plus élevée et conformez-le à 24 images par seconde dans le post (plus à ce sujet plus tard).
* vitesse d'obturation:
* Règle d'obturation à 180 degrés: La vitesse d'obturation idéale pour 24 images par seconde est de 1/48 de seconde. La plupart des caméras n'ont pas 1/48, alors utilisez 1 / 50e. Cela aide à créer un flou de mouvement naturel plus proche du film. Si vous utilisez une fréquence d'images plus élevée, vous devez ajuster la vitesse d'obturation en conséquence (par exemple 60 ips =1/120e).
* ouverture et profondeur de champ:
* profondeur de champ peu profonde: Utilisez une large ouverture (par exemple, f / 2.8, f / 1.8, ou plus large si votre objectif permet) de brouiller l'arrière-plan et d'isoler votre sujet. Cela crée un look plus cinématographique. N'oubliez pas de clouer votre concentration!
* Utilisez des objectifs rapides: Les lentilles qui permettent des ouvertures plus larges (numberse F plus bas) sont essentielles.
* Éclairage:
* Éclairage doux: Le film utilise souvent un éclairage doux et diffusé. Utilisez des softbox, des diffuseurs et des planches rebondis pour créer une lumière douce et flatteuse. Évitez la lumière directe et directe.
* Éclairage motivé: Assurez-vous que vos sources d'éclairage ont un sens dans la scène. Réfléchissez à la façon dont la lumière vient de réalité.
* Température de couleur: Faites attention à la température de la couleur (mesurée en Kelvin). Différentes stocks de films ont des préférences pour certaines températures de couleur. Envisagez de réchauffer légèrement la lumière (par exemple, en utilisant des gels CTO sur les lumières).
* Profils d'image:
* Shoot Flat: Utilisez un profil de photo "plat" ou "journal" sur votre appareil photo (par exemple, S-log, C-log, V-log, n-log). Cela préserve plus d'informations sur la plage et les couleurs dynamiques, vous offrant plus de flexibilité en post-production. Sachez que les profils plats semblent * peu flatteurs * directement de la caméra; Vous devez les noter.
* Choix de l'objectif:
* objectifs vintage: Envisagez d'utiliser des objectifs vintage (particulièrement adaptés aux caméras sans miroir) pour leur caractère unique, leurs imperfections et leur rendu plus doux.
* Lenses Prime: Les objectifs principaux (focale fixe) offrent souvent une meilleure qualité d'image, des ouvertures plus larges et une sensation plus cinématographique.
* Mouvement de la caméra:
* Mouvements lisses: Utilisez des trépieds, des cardans, des curseurs et d'autres équipements de stabilisation pour créer des mouvements de caméra fluide et contrôlés.
* Mouvements déterminés: Chaque mouvement de caméra devrait avoir une raison. Est-ce que ce soit des informations révélatrices? Suivre le sujet? Ajouter un dynamisme?
iii. Post-production (classement des couleurs et effets):
C'est là que vous sculptez vraiment le look de film. Utilisez votre logiciel d'édition (Premiere Pro, DaVinci Resolve, Final Cut Pro, etc.).
* Gradage des couleurs:
* Exposition et contraste: Ajustez l'exposition et le contraste pour correspondre au look de film souhaité. Souvent, le film a un contraste légèrement plus faible que la vidéo numérique moderne. Soulevez doucement les Noirs et abaissez les reflets.
* température de couleur et teinte: Affinez la température de couleur et la teinte pour créer la palette de couleurs souhaitée. Expérimentez avec des tons plus chauds ou plus frais, selon le stock de films que vous émulez.
* canaux de couleur: Ajustez les canaux de couleur individuels (rouge, vert, bleu) pour créer des changements de couleur subtils et améliorer les tons spécifiques.
* LUTS (tables de recherche): Utilisez des LUT conçus pour imiter des stocks de films spécifiques. Il existe de nombreux LUTS gratuits et payants disponibles en ligne. Mais rappelez-vous, les LUT sont juste un point de départ - vous devrez toujours affiner la note.
* Outils d'émulation de film: Des logiciels comme FilmConvert, Dehancer et CineMatch sont spécialement conçus pour imiter les stocks de films. Ils offrent des profils de couleurs très précis et une émulation de céréales.
* Ajout de grains:
* Ajouter un grain subtilement: N'en faites pas trop. Il devrait être subtil et biologique.
* Utilisez des grains de haute qualité: Utilisez des textures de grains de haute qualité ou des plugins pour éviter un aspect bruyant ou artificiel.
* Faire correspondre la taille des grains à la résolution: Si vous sortez à une résolution inférieure, réduisez la taille des grains en conséquence.
* Cadence de mouvement (conforme à 24fps):
* si vous avez tiré à une fréquence d'images plus élevée:
* conforme (interpréter les images): Dans votre logiciel d'édition, "interpréter les images" ou modifiez la fréquence d'images du clip en 24 images par seconde. Cela ralentit les images, créant le flou de mouvement 24fps. Cette méthode est préférée car elle donne le look le plus naturel, en préservant les cadres d'origine.
* mélange de flux optique / cadre (non recommandé): Évitez d'utiliser le flux optique ou le mélange de trame pour atteindre 24 images par seconde sauf si nécessaire. Ces méthodes peuvent créer des artefacts contre nature. Ils devraient être utilisés en dernier recours.
* Effets de l'objectif (la subtilité est la clé):
* vignet subtil: Ajoutez une vignette subtile (assombrissant les coins) pour dessiner l'œil du spectateur au centre du cadre.
* aberration chromatique (très subtile): Ajouter très subtilement l'aberration chromatique (franges de couleur autour des bords) pour imiter les imperfections dans les lentilles vintage. Encore une fois, * très subtil * est la clé; Trop a l'air amateur.
* Distorsion de l'objectif: Appliquez une distorsion subtile de l'objectif (baril ou pince) pour imiter les caractéristiques des lentilles vintage.
* Halation: Ajoutez une halation dans les zones où il y a des points forts brillants.
* Ratio d'aspect:
* Ratio d'aspect cinématographique: Cramez vos images à un rapport d'aspect cinématographique comme 2,39:1 (Cinemascope) ou 1,85:1. Les barres noires en haut et en bas du cadre donnent instantanément une atmosphère plus filmique.
* conception sonore:
* faites attention à la conception sonore car c'est tout aussi important. La qualité du son contribue également à la sensation de film de toute la pièce.
iv. Prise à emporter et erreurs courantes:
* N'en faites pas trop: L'objectif est de créer un look de film subtil et convaincant, pas un look ringard ou trop transformé. Moins c'est souvent plus.
* Commencez par de bonnes images: Plus vos images source (exposition, concentration, éclairage) sont mieux, plus il sera facile d'obtenir un bon look de film. Vous ne pouvez pas réparer la mauvaise prise de vue dans le post.
* Comprendre les stocks de films: Recherchez différents stocks de films et leurs caractéristiques (couleur, grain, contraste) pour trouver le look que vous souhaitez imiter.
* Expérience et pratique: La meilleure façon d'apprendre est d'expérimenter différentes techniques et de pratiquer vos compétences de classement des couleurs.
* erreurs courantes à éviter:
* dépassement: Évitez de dépasser vos images, car cela le rendra plus numérique.
* trop de céréales: Trop de grains semble artificiel et distrayant.
* Éclairage dur: L'éclairage dur et direct est un cadeau que les images ne sont pas un film.
* Couleurs non naturelles: Évitez les couleurs trop saturées ou contre nature.
En considérant soigneusement ces facteurs et techniques, vous pouvez créer des séquences vidéo qui émulent de manière convaincante l'esthétique du film, apportant une sensation plus cinématographique et plus engageante à vos projets. Bonne chance!