En savoir plus sur le rythme de votre histoire à chaque étape de la production et comment l'utiliser pour maintenir les projets de films et de vidéos au bon rythme.
Le rythme est quelque chose qui peut être difficile à mettre le doigt sur. Qu'est-ce qui rend un film rapide et amusant, et un autre lent et laborieux ? C'est plus que le nombre de coupes ou le temps qui les sépare. Le rythme est quelque chose de pratique, ainsi qu'intangible, qui informe sur la façon dont le public voit un film et suit l'histoire à l'écran.
Et ce n'est pas seulement avec les films non plus. Chaque vidéo - d'un spot télévisé à une critique de produit YouTube en passant par un TikTok - devrait vraiment être concernée par son rythme. La question est :comment définissez-vous le rythme et le contrôlez-vous dans vos projets ? Bien que la réponse puisse être un peu compliquée, elle commence à avoir du sens une fois que vous commencez à combiner tous les éléments du cinéma, du scénario au tournage en passant par le montage.
Alors, explorons les cinq secrets du rythme et comment vous pouvez éviter que vos projets ne deviennent obsolètes.
1. Scénario et storyboard
Le rythme commence vraiment bien avant que vous ne commenciez à assembler votre montage. Le rythme d'un projet est défini dès les premières étapes de votre plan et de votre script. Vous avez le pouvoir de commencer à définir votre rythme de pré-production lorsque vous planifiez votre flux de tournage et de montage. Différents projets sont censés avoir un rythme différent.
Un projet ou une scène qui est censé transmettre de l'intensité ou de la confusion sera planifié et construit pour avoir beaucoup de plans, beaucoup de coupes et beaucoup de mouvement. Alors qu'un projet ou une scène censée être plus réfléchie et émotionnelle peut se prêter à de longs plans, des mouvements lents et peu de coupures. Il est important de vous interroger sur votre rythme, puis de vous y concentrer tôt et souvent lorsque vous décrivez vos projets.
Une fois que vous êtes entré dans votre script, vous pouvez créer du rythme dans votre propre style d'écriture, ainsi que dans vos notes de scène (c'est-à-dire "l'action augmente", "le rythme s'accélère"). Vous pouvez également commencer à créer du rythme dans vos storyboards, qui sont essentiels pour définir comment chaque scène sera entrée et sortie. Cela vous aidera également à définir les mouvements de caméra et les mouvements dont vous avez besoin pour créer le rythme et la vitesse.
2. Tirez avec intentionnalité
En plus de scénariser votre script en gardant à l'esprit le rythme, il est important d'aborder votre production réelle avec le rythme au premier plan de vos pensées. Un bon cinéma n'est pas seulement une question de compétences ou de composition. C'est vraiment une question d'intentionnalité. Quelle quantité de réflexion et de concentration pouvez-vous apporter à chaque scène et à chaque plan ? Le rythme se développe grâce à un équilibre complexe de tous les éléments de la réalisation de films combinés ensemble.
Un seul plan est un élément constitutif du rythme global de votre projet. Comment s'intègre-t-il dans le plan d'avant et le plan d'après ? Les acteurs ou les sujets se déplacent-ils avec la même vitesse et les mêmes intentions ? Votre caméra bouge-t-elle avec eux ou reste-t-elle immobile ? Comment ce plan alimente-t-il les émotions des personnages et le récit global ? Si vous pouvez vous poser ces questions et avoir des réponses solides pour chacune, vous pouvez contrôler le rythme avec intentionnalité.
3. Créer un élan par le mouvement
Une fois que vous sentez que vous avez une bonne compréhension de la façon dont le rythme fonctionnera dans votre projet, vous pouvez vraiment vous plonger dans le développement de ce rythme en utilisant tous les outils de votre arsenal cinématographique. L'un des meilleurs outils pour définir le rythme global d'un projet est le mouvement. Le mouvement, que ce soit avec vos personnages, vos sujets ou l'appareil photo lui-même, peut créer une dynamique d'une prise de vue à l'autre et d'une scène à l'autre.
Il est difficile de croire qu'il fut un temps où le simple fait de déplacer une caméra de gauche à droite était considéré comme révolutionnaire. Mais depuis The Great Train Robbery , les directeurs de la photographie et les cinéastes ont trouvé de nouvelles façons créatives de créer une dynamique en mettant la caméra en mouvement. En plus de la vidéo YouTube ci-dessus, apprenez-en plus sur l'importance du mouvement de la caméra.
4. Ne vous contentez pas de modifier séquence par séquence
Un problème général avec le rythme dans la plupart des projets de films est l'incohérence d'une scène à l'autre et d'une séquence à l'autre. Ce n'est pas parce que vous avez une séquence d'action bien rythmée, visuellement époustouflante et livrée de manière satisfaisante, qu'elle correspondra toujours bien à la séquence de relation émotionnelle de la scène suivante. Le rythme est une question de cohérence et de trouver le bon équilibre entre différents styles et vitesses.
Un excellent exemple de rythme bien fait est démontré ci-dessus en parcourant les films de Christopher Nolan. Nolan, connu pour ses superproductions et ses franchises, est passé maître dans l'art de rythmer et de trouver cet équilibre entre le rapide et le lent. De plus, vous pouvez voir d'excellents exemples de la façon dont Nolan utilise différentes techniques de prise de vue, le cadrage de la composition et la bande sonore pour développer le rythme. Cependant, ce qui est essentiel, c'est que même s'il utilise de nombreux styles et vitesses différents, il trouve toujours un moyen d'associer chaque séquence et scène à la suivante afin que vous ne sentiez pas comme si vous regardiez plusieurs petites vignettes. Au lieu de cela, tout fait partie intégrante d'un ensemble pleinement réalisé.
5. Ajouter des graphiques, des effets et des animations
Enfin, comme dernière étape, un excellent moyen de bricoler et d'adapter le rythme de votre projet se présente dans les étapes finales de votre montage lorsque vous ajoutez des graphiques, des effets et des mouvements numériques. Vous pouvez voir d'excellents exemples d'éléments tels que les tremblements de la caméra dans de nombreux films susmentionnés de Christopher Nolan. Cependant, alors que beaucoup d'entre eux sont à huis clos et dans la vraie vie, l'ajout d'un tremblement dynamique après coup peut être un outil utile. Les secousses créent de la tension et du malaise, et accélèrent le rythme des scènes qui pourraient traîner un peu lorsqu'elles sont tournées avec une caméra statique.
Nous avons vu comment vous pouvez accélérer le mouvement. Vous pouvez également créer ce mouvement après coup, si nécessaire. En ajoutant différentes transitions, graphiques ou effets, vous pouvez rendre vos scènes beaucoup plus vivantes et dynamiques, surtout si les informations que vous ajoutez sont indispensables à votre projet, comme les titres ou les tiers inférieurs. Vous pouvez en savoir plus sur la façon de créer des titres, du texte et des animations dans ce tour d'horizon de didacticiels.