Portrait Creative Photography:un guide étape par étape
Ce guide vous aidera à aller au-delà des portraits standard et dans le domaine des images créatives et captivantes. Nous décomposerons le processus en étapes gérables, couvrant tout, du brainstorming à l'édition.
Phase 1:Conceptualisation et planification
1. Définissez votre vision:quelle histoire voulez-vous raconter?
* thème / concept: Commencez par une idée. Considérez l'humeur, les émotions, l'ère ou un récit spécifique que vous souhaitez transmettre. Penser à:
* Fantasy: Conte de fées, créatures mythiques, paramètres éthérés.
* Résumé: Concentrez-vous sur les formes, les couleurs et les textures, la dé-inscrire le réalisme.
* surréaliste: Combinez des éléments inattendus, la réalité de flexion.
* historique: Recréer une époque ou un événement spécifique.
* personnel / émotionnel: Explorez les sentiments intérieurs, les rêves ou les luttes.
* Inspiration: Cherchez l'inspiration partout!
* pinterest: Créez des tableaux d'humeur.
* Histoire de l'art: Étude des peintures, des sculptures et d'autres formes d'art.
* films et littérature: Faites attention à la narration visuelle.
* musique: Laissez l'humeur de la musique informer votre concept.
* nature: Observez les couleurs, les motifs et les textures.
* Sketch ou Storyboard: Visualiser votre idée est crucial. Même un simple croquis peut clarifier votre vision. Un storyboard peut aider à planifier une série de plans qui racontent une histoire.
2. Sélection et collaboration du modèle:
* Faites correspondre le modèle au concept: Considérez leur personnalité, leur apparence et leur capacité à incarner l'humeur souhaitée.
* Communication ouverte: Discutez de votre vision avec le modèle. Obtenez leur avis et assurez-vous qu'ils sont à l'aise avec le concept.
* Release du modèle: Obtenez toujours une version de modèle, surtout si vous prévoyez d'utiliser les images commercialement.
* garde-robe et style: Ceci est crucial pour donner le ton. Considérer:
* Palette de couleurs: Comment les couleurs contribueront-elles à l'ambiance? Complémentaire? Analogue?
* Textures et tissus: Quelles textures amélioreront l'image? Soyeux, rugueux, coulant?
* accessoires: Objets qui ajoutent du sens et du contexte.
* Cheveux et maquillage: Considérez comment les cheveux et le maquillage peuvent améliorer le concept global. Vous voudrez peut-être embaucher un professionnel.
3. Planification de scoutisme et d'éclairage de l'emplacement:
* Emplacement: Choisissez un emplacement qui complète votre concept. Intérieur ou extérieur? Urbain ou naturel? Considérer:
* arrière-plans: Recherchez des textures, des motifs et des couleurs intéressants.
* Lumière disponible: Comment la lumière naturelle affectera-t-elle la scène à différents moments de la journée?
* Permet: Vérifiez si les permis sont requis pour l'emplacement.
* Éclairage:
* lumière naturelle: Golden Hour (Sunrise / Sunset) offre une lumière douce et chaude. Les jours couverts fournissent une lumière diffuse, voire légère.
* lumière artificielle: Les feux de vitesse, les stroboscopes, les réflecteurs et les softbox offrent un plus grand contrôle. Expérimentez avec:
* lumière dure: Crée des ombres fortes et un contraste dramatique.
* lumière douce: Diffusé et flatteur, minimise les ombres.
* gels de couleur: Ajoutez de la couleur et de l'humeur à votre éclairage.
Phase 2:Techniques de prise de vue
4. Paramètres de la caméra et équipement:
* caméra: Tout reflex numérique ou caméra sans miroir fonctionnera. Un capteur complet est idéal pour les performances en basse lumière et la profondeur de champ peu profonde.
* objectifs:
* lentilles de portrait (50 mm, 85 mm, 135 mm): Idéal pour les perspectives flatteuses et la profondeur de champ peu profonde.
* objectifs à grand angle (24 mm, 35 mm): Capturez davantage l'environnement et créez des perspectives spectaculaires.
* ouverture: Une large ouverture (par exemple, f / 1,8, f / 2.8) crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et isolant le sujet. Une ouverture plus étroite (par exemple, f / 8, f / 11) crée une plus grande profondeur de champ, en gardant davantage la scène au point.
* ISO: Gardez ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez-le uniquement lorsque cela est nécessaire dans les situations de faible luminosité.
* vitesse d'obturation: Utilisez une vitesse d'obturation assez rapidement pour éviter le flou du mouvement (au moins 1 / la distance focale).
* Mode de prise de vue:
* priorité d'ouverture (AV ou A): Vous permet de contrôler l'ouverture pendant que la caméra définit la vitesse d'obturation.
* mode manuel (m): Fournit un contrôle total sur l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO.
* Format brut: Le tir au format brut capture plus de données, vous offrant une plus grande flexibilité dans le post-traitement.
5. Composition et posant:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en tiers à la fois horizontalement et verticalement, plaçant des éléments clés aux intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour dessiner l'œil du spectateur sur le sujet.
* symétrie et motifs: Créez un intérêt visuel avec des compositions symétriques ou des motifs répétitifs.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide pour créer un sentiment d'équilibre et attirer l'attention sur le sujet.
* posant:
* Communiquez clairement: Guide le modèle avec des instructions spécifiques.
* poses naturelles: Encouragez des poses détendues et naturelles.
* angles et perspectives: Expérimentez avec différents angles et perspectives.
* Expressions des mains et faciales: Faites attention au placement des mains et aux expressions faciales, car ils transmettent l'émotion.
* Évitez la rigidité: Encouragez le mouvement et la variation.
6. Expérimentation et créativité:
* N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses: Sortez de votre zone de confort et explorez différentes techniques.
* peinture légère: Utilisez une source lumineuse pour "peindre" la lumière sur la scène lors d'une longue exposition.
* Double exposition: Combinez deux images ou plus en un seul cadre.
* Blur de mouvement: Utilisez une vitesse d'obturation lente pour créer un sentiment de mouvement.
* Réflexions: Utilisez des miroirs, de l'eau ou d'autres surfaces réfléchissantes pour créer des effets intéressants.
* accessoires et costumes: Utilisez des accessoires et des costumes pour ajouter un intérêt visuel et améliorer la narration.
Phase 3:Post-traitement et édition
7. Logiciel et flux de travail:
* Logiciel de retouche photo: Adobe Photoshop, Adobe Lightroom, Capture One sont des options populaires.
* workflow:
* Importer et organiser: Importez vos images dans votre logiciel choisi et organisez-les dans des dossiers.
* Culling: Sélectionnez les meilleures images du tournage.
* Ajustements de base: Exposition correcte, balance des blancs et contraste.
* Retouching: Retirez les imperfections, la peau lisse (subtilement!) Et améliorez les caractéristiques.
* Édition créative: Ajustez les couleurs, ajoutez des textures et créez des effets spéciaux.
* Affûtage: Aiguisez l'image pour une clarté optimale.
* Export: Exportez l'image dans le format souhaité (JPEG, TIFF, etc.) et la taille.
8. Techniques d'édition créatives:
* Gradage des couleurs: Ajustez les couleurs pour créer une humeur ou une esthétique spécifique. Utilisez des tables de recherche de couleurs (LUTS) ou ajustez les canaux de couleur individuels.
* esquiver et brûler: Éclairer ou assombrir les zones spécifiques de l'image pour améliorer le contraste et attirer l'attention sur les éléments clés.
* Ajout de textures: Les textures de superposition (par exemple, grunge, papier, tissu) pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt visuel.
* Création d'effets spéciaux: Utilisez des filtres, des plugins ou des techniques manuelles Photoshop pour créer des effets uniques, tels que des lunes, des fusées éclairantes ou des distorsions.
* Édition composite: Combinez plusieurs images pour créer une scène surréaliste ou fantastique.
* Conversion en noir et blanc: Convertissez l'image en noir et blanc pour un look intemporel et dramatique. Expérimentez avec différentes techniques de conversion en noir et blanc.
9. Restez fidèle à votre vision:
* Ne pas sur-éditer: Évitez de trop traiter l'image. L'objectif est d'améliorer l'image, de ne pas créer quelque chose d'artificiel.
* cohérence: Maintenez un style cohérent sur votre portefeuille.
* Apprenez et expérimentez: Apprenez continuellement de nouvelles techniques et expérimentez avec différents styles d'édition.
Prise des clés:
* La planification est primordiale. Un concept bien pensé guidera l'ensemble du processus.
* La communication est essentielle. Collaborez efficacement avec votre modèle, styliste et autres membres de l'équipe.
* Expérimentez et n'ayez pas peur d'échouer. La meilleure façon d'apprendre est d'essayer de nouvelles choses et de repousser vos limites créatives.
* Développez votre propre style unique. Trouvez ce qui résonne avec vous et créez des images qui reflètent votre vision personnelle.
* Pratique, pratique, pratique! Plus vous tirez et éditez, mieux vous deviendrez.
En suivant ces étapes et en continuant à explorer votre créativité, vous pouvez créer une photographie de portrait étonnante et unique qui raconte des histoires et capture l'imagination. Bonne chance!