Phase 1:Conceptualisation et planification (le "pourquoi" et "quoi")
C'est sans doute la phase la plus importante. Un concept solide guidera vos choix techniques et élèvera votre image.
1. Définissez votre vision:l'idée principale
* quelle histoire voulez-vous raconter? Présentez-vous la force, la vulnérabilité, le mystère, la joie ou autre chose? Pensez au-delà de "une jolie image".
* quelle humeur voulez-vous évoquer? Heureux, mélancolique, énergique, serein, etc. Cela dicte l'éclairage, les couleurs et la pose.
* quel message essayez-vous de transmettre? Y a-t-il une émotion, une idée ou une expérience particulière que vous souhaitez communiquer avec le spectateur?
* Inspiration: Regardez d'autres photographes, peintures, films, mode, art. Ne copiez pas, mais utilisez-les comme tremplin pour vos propres idées. Pinterest et Instagram sont d'excellents points de départ.
2. Sujet et casting:
* Considérez votre modèle: Incarnent-ils les qualités que vous souhaitez représenter? Leur personnalité, leurs caractéristiques physiques et leur niveau de confort sont cruciaux.
* Casting de rue: Ne sous-estimez pas le pouvoir d'approcher quelqu'un qui attire votre attention. Soyez respectueux et expliquez clairement votre vision.
* Modèle professionnel: Un professionnel sera généralement plus à l'aise avec la direction et la pose. Considérez leur expérience et leur livre en fonction de votre budget.
* construire une relation: Apprenez à connaître votre modèle! Comprendre leur expérience et leur personnalité peut vous aider à capturer des moments authentiques.
3. Scoutisme de localisation:
* Pensez à l'environnement: Intérieur ou extérieur? Urbain ou naturel? Quels éléments de l'emplacement soutiennent votre concept?
* Considérez la lumière: Comment la lumière tombe-t-elle à différents moments de la journée? L'heure d'or (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) est généralement flatteuse. Recherchez des ombres et des reflets intéressants.
* scout à l'avance: Visitez les emplacements potentiels à l'avance. Prenez des photos de test avec votre téléphone ou votre appareil photo pour voir à quoi ressemblent la lumière et l'arrière-plan.
* Permet: Vérifiez si vous avez besoin de permis pour tirer dans un endroit particulier, en particulier les espaces publics.
4. Garde-robe et style:
* Choisissez des vêtements qui soutiennent votre concept: Les couleurs, les textures et les styles peuvent tous contribuer à l'ambiance.
* coordonne avec l'emplacement: Évitez les couleurs ou les motifs qui se détournent du sujet.
* Considérez le maquillage et les cheveux: Simple et naturel ou audacieux et dramatique? Encore une fois, cela devrait s'aligner sur votre vision globale.
* accessoires: Utilisez des accessoires pour ajouter des couches de sens ou d'intérêt visuel. Faites attention à ne pas surcharger le coup.
5. Sketching &Storyboard:
* Visualiser la photo: Dessinez des poses, des compositions et des idées d'éclairage. Cela vous aide à clarifier votre vision et à la communiquer à votre modèle et à votre équipage.
* Storyboard: Si vous planifiez une série de photos, un storyboard peut vous aider à assurer la cohérence visuelle et à raconter une histoire cohérente.
Phase 2:Aspects techniques (le "comment")
1. Paramètres de la caméra:
* ouverture:
* large ouverture (par ex., f / 1,8, f / 2,8): Crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant le fond et isolant le sujet. Bon pour concentrer l'attention sur les yeux.
* ouverture étroite (par exemple, f / 8, f / 11): Maintient davantage la scène dans le foyer. Utile pour les portraits environnementaux où vous voulez que l'arrière-plan soit net.
* vitesse d'obturation:
* vitesse d'obturation plus rapide (par ex. 1/200e, 1/500e): Gèle le mouvement. Utile pour capturer l'action ou le tir en lumière vive.
* vitesse d'obturation plus lente (par exemple, 1/60e, 1/30): Crée un flou de mouvement (intentionnellement ou non si vous n'êtes pas stable). Utilisez un trépied pour les vitesses d'obturation lentes.
* ISO:
* faible ISO (par exemple, 100, 200): Minimise le bruit (grain). Utiliser dans de bonnes conditions d'éclairage.
* ISO élevé (par exemple, 800, 1600, 3200 +): Augmente la sensibilité à la lumière, vous permettant de tirer dans des environnements plus sombres. Mais cela augmente également le bruit. Essayez de le garder aussi bas que possible.
* Mode de prise de vue:
* priorité d'ouverture (AV ou A): Vous définissez l'ouverture et la caméra choisit la vitesse d'obturation. Bon pour contrôler la profondeur de champ.
* manuel (m): Vous contrôlez à la fois l'ouverture et la vitesse d'obturation. Offre le contrôle le plus créatif mais nécessite plus de connaissances.
* Priorité d'obturation (TV ou S): Vous définissez la vitesse d'obturation et la caméra choisit l'ouverture. Bon pour le mouvement.
* Balance des blancs: Définissez la balance des blancs de manière appropriée pour les conditions d'éclairage (par exemple, lumière du jour, nuageuse, tungstène). Vous pouvez également l'ajuster en post-traitement.
* Mode de mise au point:
* AF à point unique: Se concentrant précis sur un point spécifique (comme l'œil).
* AF continu: Suit les sujets en mouvement.
* Mode de mesure:
* Meilleur évaluatif / matrice: La caméra évalue toute la scène et essaie de trouver la meilleure exposition.
* Spot Metering: Mesure la lumière dans une petite zone. Utilisez-le pour vous assurer que le visage du sujet est correctement exposé.
2. Éclairage:
* lumière naturelle:
* Hour d'or: L'heure après le lever du soleil et avant le coucher du soleil produit une lumière chaude et douce.
* Open Shade: Le tir à l'ombre évite les ombres dures.
* Sunlight Diffused: Le tournage un jour nuageux fournit un éclairage doux et uniforme.
* lumière artificielle:
* speedlights (flashs): Portable et polyvalent. Peut être utilisé à la caméra ou hors caméra.
* stroboscopes (studio flashs): Plus puissant que les speedlights. Souvent utilisé dans les paramètres de studio.
* Lumières continues (LED): Vous permettez de voir la lumière en temps réel.
* Modificateurs d'éclairage:
* Réflecteurs: Bounce Light pour remplir les ombres.
* diffuseurs: Adoucir la lumière dure.
* Softboxes: Créez une lumière douce, voire légère.
* parapluies: Semblable aux softbox mais plus portable.
* gels: Changez la couleur de la lumière.
* Configuration d'éclairage commun:
* Configuration d'une lumière: Simple et efficace.
* Configuration à deux lumières: Lumière clé et remplir la lumière.
* Éclairage de jante (rétro-éclairage): Sépare le sujet de l'arrière-plan.
3. Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales et placez les éléments clés le long des lignes ou aux intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur à travers l'image.
* Espace négatif: Laissez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment d'équilibre et de concentration.
* symétrie et motifs: Utilisez des éléments symétriques ou des modèles de répétition pour créer une composition visuellement attrayante.
* cadrage: Utilisez des éléments dans l'environnement pour encadrer le sujet.
* angle de vue:
* Levet des yeux: Crée un sentiment de connexion.
* Angle bas: Rend le sujet puissant.
* Angle élevé: Rend le sujet vulnérable.
* Croping: Les cultures peuvent modifier considérablement l'impact d'une photographie. Expérimentez avec différentes cultures en post-traitement.
4. Posant:
* Communiquez clairement: Donnez à votre modèle des instructions spécifiques.
* Démarrez simple: Commencez par des poses de base et ajoutez progressivement la complexité.
* faites attention aux détails: La position des mains, des pieds et de la tête peut faire une grande différence.
* Créer un mouvement: Demandez à votre modèle de se déplacer légèrement entre les tirs pour créer des variations naturelles.
* Encouragez les expressions naturelles: Parlez à votre modèle, racontez des blagues ou jouez de la musique pour créer une atmosphère détendue.
* Évitez la rigidité: Dites à votre modèle de détendre leurs épaules et leur mâchoire.
* poses flatteuses: Généralement, tourner légèrement le corps sur le côté est plus flatteur que face à la caméra.
Phase 3:tir et exécution ("l'action")
1. Configuration: Préparez vos paramètres d'emplacement, d'éclairage et de caméra * avant * le modèle arrive (si possible). Cela montre le professionnalisme et respecte leur temps.
2. La communication est la clé: Communiquer continuellement avec votre modèle. Donnez des commentaires, offrez-vous des encouragements et mettez-les à l'aise.
3. Revoir les images: Revoyez régulièrement vos images sur l'écran LCD de l'appareil photo. Cela vous permet de faire des ajustements à vos paramètres, à l'éclairage ou à la pose selon les besoins.
4. Expérience !: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses. Expérimentez avec différents angles, poses et configurations d'éclairage. C'est là que vous découvrez des perspectives uniques.
5. Variations de capture: Tirez sur une variété de poses, d'expressions et de compositions. Cela vous donnera plus d'options à choisir dans le post-traitement.
Phase 4:post-traitement (le "raffinement")
1. Logiciel: Adobe Lightroom et Adobe Photoshop sont les normes de l'industrie. Capture One est une autre option populaire.
2. Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique.
* Clarity &Dehaze: Ajouter ou supprimer la clarté et la brume. Utilisez-les avec parcimonie.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
3. Correction des couleurs:
* Balance des blancs: Ajustez la balance du blanc pour assurer des couleurs précises.
* Gradage des couleurs: Créez une humeur ou un style spécifique en ajustant les couleurs de l'image.
4. Retouching:
* lissage de la peau: Réduisez les imperfections et les rides (soyez subtil!).
* Dodge &Burn: Éclairer et assombrir des zones spécifiques pour améliorer la forme et la dimension.
* Séparation de fréquence: Une technique plus avancée pour la retouche cutanée.
* amélioration des yeux: Aiguiser et égayer les yeux (encore une fois, subtilement).
5. Affûtage: Aiguisez l'image pour améliorer les détails. Faites attention à ne pas sur-sharpen.
6. Réduction du bruit: Réduisez le bruit dans l'image, surtout si vous avez tiré sur un ISO élevé.
7. Croping: Affiner la composition.
8. Paramètres d'exportation: Choisissez le format de fichier approprié (JPEG pour le Web, le TIFF pour l'impression) et la résolution pour votre utilisation prévue.
Techniques créatives pour élever vos portraits:
* Double exposition: Combinez deux images ou plus en une seule.
* Exposition longue: Utilisez une vitesse d'obturation lente pour créer un flou de mouvement ou capturer des sentiers légers.
* Photographie infrarouge: Capture la lumière invisible pour l'œil humain, créant des images surréalistes et éthérées.
* Éclairage créatif: Expérimentez avec des gels colorés, des sources de lumière inhabituelles ou une peinture légère.
* Composition abstraite: Concentrez-vous sur les formes, les textures et les motifs plutôt que sur la représentation littérale.
* Emplacements non conventionnels: Tirez dans des endroits inattendus ou abandonnés.
* accessoires avec le sens: Choisissez des accessoires qui ont une signification symbolique ou personnelle.
* distorsion: Utilisez des lentilles ou des filtres pour déformer l'image.
* pousses sur le thème: Choisissez un thème spécifique (par exemple, vintage, futuriste, fantastique) et créez tous les aspects du tournage autour de lui.
Prise des clés:
* Pratiquez régulièrement: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Étudiez le travail des autres: Analysez le travail des photographes que vous admirez et essayez de comprendre leurs techniques.
* Soyez patient: La création de grands portraits prend du temps et des efforts.
* Soyez ouvert aux commentaires: Demandez une critique constructive des autres photographes.
* Développez votre propre style: N'ayez pas peur d'expérimenter et de trouver votre propre voix unique. C'est la clé pour se démarquer.
* Amusez-vous! La photographie devrait être un processus agréable.
Bonne chance, et amusez-vous à créer! N'oubliez pas que enfreindre les règles intentionnellement peut être tout aussi efficace que les suivre, mais comprendre d'abord les règles est essentielle.