Étape 1:Développement et planification du concept (le cerveau)
C'est sans doute l'étape la plus cruciale. Avant même de prendre votre appareil photo, vous avez besoin d'une vision. Considérez ces éléments:
* thème / histoire: Quelle histoire voulez-vous raconter? Est-ce une humeur (mélancolie, autonomisation, fantaisiste)? Est-ce un récit spécifique? Un hommage? Inspirez-vous des films, des livres, de l'art, de la musique ou même des expériences personnelles.
* Humeur et atmosphère: Comment voulez-vous que le spectateur se sente * quand il regarde la photo? Utilisez des adjectifs (rêveur, audacieux, mystérieux, joyeux, surréaliste) pour le définir.
* Emplacement: Où le tournage aura-t-il lieu? Cela peut-il s'agir d'un studio (environnement contrôlé), à l'extérieur (naturel et polyvalent) ou un espace intérieur intéressant? Considérez le dépistage de l'emplacement et les permis si nécessaire.
* Sélection du modèle: Choisissez un modèle qui correspond à votre vision et est à l'aise d'exprimer les émotions souhaitées. Considérez leur apparence, leur personnalité et leur volonté de collaborer. Si vous travaillez avec un ami, traitez-le toujours professionnellement.
* garde-robe et style: Les vêtements, les cheveux et le maquillage devraient compléter le thème et l'humeur. Pensez aux couleurs, aux textures et à la façon dont elles contribuent à l'esthétique globale. Pensez à collaborer avec un styliste.
* accessoires: Les accessoires peuvent ajouter un intérêt visuel, soutenir le récit et fournir au modèle quelque chose avec qui interagir. Exemples:objets vintage, fleurs, tissus, masques, ballons.
* Plan d'éclairage: Comment allez-vous utiliser la lumière pour façonner l'ambiance et mettre en évidence votre sujet? (Plus à ce sujet plus tard)
* Sketch &Mood Board: Visualiser vos idées est crucial. Créez une planche d'humeur avec des images qui vous inspirent (couleurs, poses, éclairage, emplacements, etc.). Dessinez des compositions rugueuses et des configurations d'éclairage. Pinterest et d'autres ressources en ligne sont idéales pour cela.
Exemple:
* thème: Une série de portraits inspirée de peintures préraphaélites.
* Humeur: Romantique, éthéré, mélancolique.
* Emplacement: Un jardin ou une forêt.
* modèle: Quelqu'un avec des cheveux longs et fluide et des caractéristiques délicates.
* Armoire: Une robe fluide et inspirée de vintage en couleurs sourdes.
* accessoires: Fleurs, un livre vintage, une cage à oiseaux.
* Éclairage: Lumière naturelle douce et diffuse ou une boîte soft pour imiter la lumière naturelle à l'intérieur.
Étape 2:Geet Up (Camera et équipement)
* caméra: Tout reflex numérique ou caméra sans miroir qui vous permet de contrôler l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO fonctionnera. La qualité de l'objectif joue un rôle plus important que le corps de la caméra pour les portraits.
* objectifs:
* 50 mm: Volyaire, idéal pour les tirs du corps et de la taille. Offre une perspective naturelle.
* 85 mm: Lentille de portrait classique. Comprime la perspective, créant un look flatteur. Excellent pour le flou d'arrière-plan (bokeh).
* 35 mm: Bon pour les portraits environnementaux, montrant davantage de l'environnement.
* lentilles zoom (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm): Offrez une flexibilité pour différentes compositions sans changer de lentilles.
* Éclairage:
* lumière naturelle: Golden Hour (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) offre la lumière la plus flatteuse. Les jours couverts fournissent une lumière douce et diffuse.
* réflecteur: Rebondit la lumière sur le sujet, remplissant des ombres. Essentiel pour les pousses de plein air.
* speedlight / strobe: Vous permet de contrôler complètement la lumière. Vous aurez probablement besoin de modificateurs (softbox, parapluies) pour adoucir la lumière.
* lumières continues (panneaux LED): Plus facile de voir à quoi ressemblera la lumière en temps réel, bon pour les débutants.
* Trépied: Pour les images nettes, surtout en basse lumière.
* Backs (facultatif): Pour les tournages de studio. Peut être du papier, du tissu ou des toiles peintes.
* METTRE LIGHT (facultatif): Pour une exposition précise lors de l'utilisation de la lumière artificielle.
* Accessoires: Ruban, clips, épingles de sécurité (pour les ajustements de la garde-robe), les liens de cheveux, le maquillage, un tabouret de pas (pour la pose).
Étape 3:Techniques d'éclairage (la clé de l'humeur)
L'éclairage créatif est primordial. Expérimentez avec différentes configurations:
* lumière naturelle:
* lumière diffuse: Trouvez de l'ombre ou utilisez un grissement (un matériau translucide) pour adoucir la lumière du soleil.
* rétro-éclairage: Positionnez le sujet avec le soleil derrière eux, créant une silhouette ou une lueur douce autour de leurs cheveux. Utilisez un réflecteur pour faire rebondir la lumière sur leur visage.
* Éclairage de jante: Semblable au rétro-éclairage, mais la lumière efface les bords du sujet, créant un contour brillant.
* lumière artificielle:
* Configuration d'une lumière: Commencez avec une seule source lumineuse et un modificateur (Softbox, parapluie). Positionnez-le à un angle de 45 degrés par rapport au sujet d'un éclairage de portrait classique.
* Configuration à deux lumières: Utilisez une lumière comme lumière principale et une autre comme lumière de remplissage pour réduire les ombres.
* Lumière de jante: Placez une lumière derrière le sujet pour créer un effet de halo.
* gels de couleur: Ajoutez des gels colorés à vos lumières pour créer des effets dramatiques et artistiques. Réfléchissez au bleu pour une sensation de mauvaise humeur ou orange pour la chaleur.
* Modificateurs d'éclairage créatifs:
* gobos: Utilisez des objets pour lancer des ombres ou des motifs sur le sujet. Exemples:feuilles, stores, dentelle.
* prismes: Tenez un prisme devant l'objectif pour créer des effets arc-en-ciel ou des distorsions de lumière.
* eau ou verre: Reflétez la lumière à travers l'eau ou le verre pour des motifs intéressants.
* fumée / brouillard: Ajoutez l'atmosphère et le drame à vos portraits.
Étape 4:posant et expression (connexion avec le sujet)
* Communiquez: Parlez à votre modèle tout au long du tournage. Expliquez votre vision et donnez-leur des instructions claires.
* Direct, ne dicte pas: Offrez des conseils, mais permettez au modèle d'exprimer sa propre personnalité.
* Commencez par des poses simples: Accumuler des poses plus complexes progressivement.
* angles et perspective:
* niveau des yeux: Crée une connexion directe et attrayante.
* Angle bas: Fait que le sujet semble puissant et dominant.
* Angle élevé: Rend le sujet vulnérable ou petit.
* Placement des mains: Faites attention au placement des mains. Évitez les positions maladroites ou distrayantes. Demandez-leur d'interagir avec les accessoires ou leur propre corps.
* Expressions faciales:
* Contact oculaire: Essentiel pour créer une connexion.
* sourires subtils: Souvent plus engageant que les grins larges.
* émotion: Encouragez le modèle à exprimer l'émotion que vous essayez de transmettre. Donnez-leur des invites ou des scénarios à réfléchir.
* Mouvement: Incorporez le mouvement dans vos poses pour une sensation plus dynamique. Faites-les marcher, danser ou tourner.
* Pratique: Entraînez-vous à vous poser devant un miroir pour comprendre à quoi ressemblent les différentes poses.
Étape 5:Composition (organisation des éléments)
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales et placez les éléments clés le long des lignes ou aux intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans l'environnement pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* symétrie: Créez des compositions équilibrées et harmonieuses.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment de calme ou d'isolement.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan (arbres, portes, arches) pour encadrer le sujet.
* Profondeur de champ: Utilisez une profondeur de champ peu profonde (large ouverture) pour brouiller le fond et isoler le sujet. Utilisez une profondeur de champ plus profonde (ouverture étroite) pour montrer plus de l'environnement.
* Croping: Expérimentez avec différentes cultures pour souligner certains aspects de l'image. Envisagez également de cultiver en post-traitement.
* Recherchez des motifs et des textures intéressants: Incorporez des modèles et des textures intéressants en arrière-plan ou au premier plan pour ajouter un intérêt visuel.
Étape 6:Techniques créatives (ajoutant le flair)
C'est là que vous laissez vraiment briller votre créativité!
* Double exposition: Combinez deux images ou plus en une seule. Peut être fait à la caméra ou en post-traitement.
* Flare d'objectif: Créez intentionnellement une évasion de la lentille en tirant vers une source lumineuse.
* Blur de mouvement: Utilisez une vitesse d'obturation lente pour capturer le mouvement. Peut être utilisé pour créer un sentiment de vitesse ou de rêverie.
* peinture légère: Utilisez une lampe de poche ou une autre source de lumière pour «peindre» avec la lumière lors d'une longue exposition.
* Effets dans la caméra: Explorez les modes créatifs intégrés de votre appareil photo (par exemple, monochrome, sépia, vignette).
* techniques analogiques: Expérimentez avec la photographie cinématographique pour un look unique.
* Réflexions: Utilisez des miroirs, de l'eau ou d'autres surfaces réfléchissantes pour créer des effets intéressants.
* surréalisme: Créez des images qui défient la réalité à travers des compositions inhabituelles, des techniques d'édition et des accessoires.
* Portraits macro: Rapprochez-vous et personnel avec les fonctionnalités de votre sujet pour une perspective unique.
Étape 7:Post-traitement (les touches finales)
* Logiciel: Adobe Lightroom et Photoshop sont la norme de l'industrie. Les autres options incluent Capture One, Affinity Photo et GIMP (GRATUIT).
* Ajustements de base:
* Exposition: Corrigez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants et ombres: Affinez la luminosité des reflets et des ombres.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs de l'image.
* Clarity &Texture: Ajouter ou réduire la netteté et les détails.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Gradage des couleurs: Ajustez les tons de couleur de l'image pour créer une humeur spécifique.
* Retouching: Retirez les imperfections, la peau lisse et améliorez les caractéristiques (utilisez avec parcimonie).
* esquiver et brûler: Éclairer ou assombrir des zones spécifiques de l'image pour créer l'accent ou la forme.
* Filtres et préréglages: Utilisez des filtres et des préréglages pour appliquer rapidement un aspect spécifique à l'image.
* Affûtage: Aiguisez l'image pour une visualisation optimale.
* Réduction du bruit: Réduisez le bruit dans l'image, en particulier dans les tirs à faible luminosité.
* Effets créatifs:
* Ajout de textures: Superposer les textures sur l'image pour un look vintage ou grunge.
* Ajout de fuites de lumière: Simuler des fuites de lumière pour une sensation nostalgique.
* Création d'une couleur sélective: Désaturer l'image entière à l'exception d'une ou deux couleurs.
* Ajout de vignettes: Assombrez les bords de l'image pour attirer l'attention sur le centre.
* Économisez en haute résolution: Enregistrez votre image finale dans un format haute résolution (JPEG ou TIFF) pour l'impression ou le partage en ligne.
Étape 8:Critique et affine (apprentissage et croissance)
* Obtenez des commentaires: Partagez votre travail avec d'autres photographes et demandez des critiques constructives.
* Analysez votre travail: Regardez vos photos de manière critique. Qu'est-ce qui fonctionne bien? Qu'est-ce qui pourrait être amélioré?
* Étudiez d'autres photographes: Analysez le travail des photographes que vous admirez. Quelles techniques utilisent-ils? Comment créent-ils leur style unique?
* Expérimentez en continu: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de repousser vos limites.
* Embrasser l'échec: Toutes les photos ne seront pas un chef-d'œuvre. Apprenez de vos erreurs et continuez à pratiquer.
Conseils clés pour le succès:
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Apprenez les principes fondamentaux: Maître les bases de l'exposition, de la composition et de la pose.
* Développez votre propre style: Ne copiez pas seulement d'autres photographes. Trouvez votre propre voix et votre vision unique.
* Soyez patient: La photographie créative prend du temps et des efforts.
* Amusez-vous! Profitez du processus de création de l'art.
en résumé:
La photographie de portrait créative est un voyage d'expérimentation et d'expression de soi. En suivant ces étapes et en poussant continuellement vos limites créatives, vous pouvez créer des portraits étonnants et uniques qui racontent une histoire et capturent l'essence de votre sujet. Bonne chance, et amusez-vous à créer!