Regardons cinq des films d'animation, qu'ils soient nouveaux ou classiques, que vous devriez regarder pour inspirer votre narration visuelle.
Selon le degré de cinéphilie d'une personne, il peut y avoir une légère déconnexion dans sa relation avec l'anime, ou du moins dans ses idées préconçues sur ce qu'est l'anime. Je suis sûr que ceux qui s'éloignent de la liste de lecture d'anime sur Netflix pensent à l'anime comme quelque chose comme ça, de la série télévisée Dragonball Z :
Des hommes sportifs exécutant des cascades de combat acrobatiques à une vitesse fulgurante avec de grandes explosions d'énergie. Je veux dire, vous ne vous tromperiez pas, mais ce n'est qu'une tranche d'un genre spécifique d'anime, dans son ensemble. Le mot anime lui-même n'est qu'une forme abrégée d'animation, définie comme provenant du Japon, et nous savons tous que l'animation ne se limite pas à Disney.
Cependant, au-delà de l'anime de combat typique de style Shōnen, vous trouverez également une variété de films d'animation qui présentent des histoires comme un équilibre subtil entre l'art et le divertissement. Par exemple, Ghost in the Shell , le film de 1995 de Mamoru Oshii, présente une séquence de trois minutes qui documente uniquement le paysage urbain dystopique. Il est peu probable que nous voyions une telle séquence en dehors du cinéma Art-House.
Dans cet esprit, examinons cinq anime que vous devriez surveiller pour l'inspiration visuelle et le type d'inspiration dont ils se vantent. Comme il existe d'innombrables émissions de télévision animées, je limiterai cela aux films uniquement.
1. Paprika – Cadrage et édition symboliques
Pendant que j'ai listé Paprika dans le titre, toute cette section concerne tous les longs métrages de Satoshi Kon, car il n'y en a malheureusement que quelques-uns. Les premiers débuts de Kon en tant que réalisateur remontent à 1997, et le cinéaste ne nous offrira que quatre longs métrages au cours des dix années suivantes avant sa mort prématurée en 2010.
Si vous avez créé une forme quelconque de contenu narratif, vous saurez qu'avec toute la planification et la préparation possibles, les meilleurs résultats sont parfois dus à la chance. Peut-être que le ciel était d'une teinte rose supplémentaire le soir du tournage. Ou, pour votre court métrage d'horreur, il y avait beaucoup de vent ce jour-là, faisant trembler violemment les arbres à l'extérieur de la fenêtre. En animation, chaque image est soigneusement composée et chaque élément a été placé de manière complexe, par opposition à toute forme de hasard. Le travail de Kon en est l'incarnation.
Chaque plan, coupe et mouvement est méticuleusement planifié pour correspondre à sa vision. Vous découvrirez qu'avec son montage de transition que l'on retrouve tout au long de son catalogue, chaque scène est visuellement connecté à la fois aux scènes précédentes et suivantes. Il dit,
Le travail de Kon a une présentation visuelle cohérente. Son utilisation des coupes, des couleurs et du design général à la fois pour le symbolisme et l'esthétique est géniale. Même si vous n'êtes pas familier avec son travail, je suis sûr que vous le trouverez s'infiltrant à travers les autres.
Films à voir :
- Bleu parfait
- Actrice du millénaire
- Parrains de Tokyo
- Paprika
2. Ghost in the Shell – Espace visuel
Même ceux qui ne sont pas particulièrement versés dans l'anime connaîtront probablement le film Ghost in the Shell , soit par le biais de la récente adaptation en direct, soit simplement en raison de sa simple présence dans l'histoire de l'animation. GiTS , comme on l'appelle communément, est un chef-d'œuvre dans la visualisation de l'espace conceptuel entre les gens et leur environnement. Dans le cas du film, le paysage urbain bondé du futur.
Avec le cinéma moderne, en particulier les superproductions, il semble que l'on nous présente toujours plus en ce qui concerne le volume d'éléments CGI. Les villes sont infiniment hautes, les foules sont densément peuplées, les armées sont illimitées, etc.
Comment afficher une vaste ville dans un futur cyberpunk ? Eh bien, dans le cas de l'anime de 1995, au lieu de montrer une ville tentaculaire d'un point de vue aérien, c'était trois minutes d'une séquence méditative de la ville depuis le sol. La chaîne de rédaction YouTube NerdWriter en a parlé profondément, ainsi que la façon dont l'adaptation de 2017 a rendu un mauvais service à la version originale.
Lorsque les films d'action en direct essaient toujours de paraître plus grands que nature, vous devrez parfois revenir à un autre support pour apprécier les éléments de la petite vie.
3. Architecture animée :mondes imaginaires et mégapoles sans fin – Point de vue
Ok, donc il s'agit techniquement de plusieurs anime. Ceux qui sont Akira , Ghost in the Shell, Patlabor , Neon Genesis Evangelion , et Tekkonkinkreet .
Écrit par Stefan Riekeles et publié par Thames and Hudson, Anime Architecture :Imagined Worlds and Endless Megacities est un livre qui parle justement de l'architecture dans l'anime. Qui aurait deviné cela d'après le titre du livre ?
Alors qu'au départ, il semble évident que ce livre est destiné aux étudiants en design et aux amateurs d'architecture, il sert également un objectif secondaire pour alimenter l'inspiration dans l'encadrement des bâtiments et des villes. Dans de nombreux anime, le paysage urbain - et, en particulier, les mégapoles des environnements cyberpunk dystopiques - sont presque toujours un personnage en eux-mêmes (comme indiqué dans le GiTS séquence).
Personnellement, j'ai souvent du mal à photographier correctement les paysages urbains (fixes et vidéo) pour accentuer leurs caractéristiques. Alors que le livre dissèque la façon dont les bâtiments sont physiquement construits, puis animés, il stimule l'esprit créatif dans la façon dont vous pouvez aborder la capture de votre prochain paysage urbain d'une manière qui semble cinématographique.
4. Votre nom - La beauté dans chaque cadre
Il y a souvent un débat, un débat enflammé à cela, sur la question de savoir si Makoto Shinkai est en lice pour être le prochain Hayao Miyazaki. Que vous soyez d'accord ou non avec le sentiment, il y a une vérité qui ne peut être niée :les films de Shinkai sont visuellement magnifiques.
Sorti en 2016, Votre nom était un succès critique et commercial qui n'a pas été vu d'un anime autonome original depuis un certain temps (pas un film basé sur une série animée préexistante). En 2021, il s'agit du troisième film d'animation et film japonais le plus rentable au monde de tous les temps.
En dehors de l'intrigue magnifiquement tissée et de la musique délicieuse, les éléments visuels sont hors du monde. Shinkai utilise de nombreuses caractéristiques que l'on ne trouve que dans l'action réelle, telles que la lumière parasite, la profondeur de champ, les reflets spéculaires, etc. Et, une caractéristique qui semble prédominante dans la plupart des travaux de Shinkai est que la plupart des images du film pourraient facilement être récupérées et utilisées comme impression pour le mur de votre maison.
À votre nom , qu'il s'agisse de montrer la beauté naturelle d'Itomori ou d'étudiants déjeunant sur le terrain de basket, tout est magnifiquement encadré et animé. Le style de Shinkai montre qu'il faut tout donner à votre photo pour la rendre belle, même s'il s'agit de quelque chose d'aussi banal qu'une seule photo de quelqu'un qui demande son chemin.
Comme note secondaire, en 2015, un livre a été publié intitulé Sky Longing for Memories:The Art of Makoto Shinkai , qui affiche certaines de ses meilleures compositions, ainsi que des détails sur la façon dont l'équipe a composé les plans. Comme il a été publié en 2015, il ne couvre pas Votre nom ou le récent Weathering with You , mais vous trouverez son style caractéristique dans ses travaux antérieurs.
5. La tortue rouge - Distance focale et minimalisme
Alors, La tortue rouge n'est pas une véritable définition de l'anime. Le réalisateur, Michaël Dudok de Wit, est néerlandais, et le film est coproduit par la société de production française Wild Bunch.
Cependant, l'autre partie des crédits de coproduction appartient au célèbre groupe d'anime Studio Ghibli. Il a également des noms Ghibli de longue date tels que Toshio Suzuki et Isao Takahata en tant que producteur et producteur artistique (respectivement). De même, avant sa retraite, peut-être le plus célèbre directeur du Studio Ghibli de tous les temps, Hayao Miyazaki, a demandé à parler et à collaborer avec Dudok de Wit. Alors, demi-animé ? Animation produite franco-japonaise ?
Quoi qu'il en soit, il vaut mieux recommander l'anime évident à regarder (Akira ) et le film a les thèmes écologiques familiers de Ghibli, avec des caractéristiques typiques de Ghibli-esque apparaissant tout au long du film. Mais notamment, les visuels ne sont pas aussi reconnaissables que les films typiques produits par Ghibli. La tortue rouge vous emmène sur une île tropicale au milieu de l'océan, et contrairement aux autres films de la bibliothèque Ghibli, il le fait sans vous demander de vous concentrer sur la narration ou le développement du personnage.
Au lieu de cela, on nous demande de tomber amoureux d'un environnement, en particulier d'une petite île tropicale sur laquelle un naufragé muet se retrouve naufragé.
Sans dialogue et juste axé sur les images, on s'attendrait à ce que les visuels soient éblouissants et remplis de mouvements cinématographiques pour garder le public engagé. Cependant, c'est tout le contraire. Souvent, l'appareil photo est verrouillé et cadré avec une distance focale téléobjectif à une certaine distance. Il en résulte que le personnage est lavé à l'échelle par les environs de l'île tropicale.
Dans une certaine mesure, c'est presque théâtral. C'est un bon exemple de narration visuelle pour nous rappeler que nous n'avons pas toujours besoin d'effectuer des mouvements de caméra extravagants lorsqu'une approche simpliste fonctionne également.