i. La préparation est la clé:
* Connaissez le script à l'intérieur et à l'extérieur: Vous devez comprendre intimement l'histoire, les thèmes, les arcs de caractère et le sous-texte.
* Analyse des caractères: Développez une compréhension approfondie de chaque personnage. Considérez leurs antécédents, leurs motivations, leurs relations, leurs désirs, leurs peurs et leurs défauts. Vous devriez être en mesure de répondre à toute question qu'un acteur vous pose sur son caractère.
* style visuel: Décidez de l'apparence générale du film. Comment les performances des acteurs y contribueront-elles? Sera-t-il naturaliste, stylisé, comique, dramatique?
* Réunions de pré-production: Rencontrez vos acteurs bien avant le tournage. Ceci est crucial pour établir des relations, discuter du script et de leurs personnages, et répondant à toutes les questions.
ii. Construire des relations et une confiance:
* Créez un environnement sûr et collaboratif: Les acteurs doivent se sentir à l'aise de prendre des risques et d'explorer leurs personnages.
* être un bon auditeur: Encouragez les acteurs à partager leurs pensées et leurs idées sur leurs personnages.
* empathie: Comprendre le processus de l'acteur. Ils sont vulnérables, se mettant en exposition.
* Soyez clair et concis: Communiquez efficacement votre vision sans être dictatorial.
* Respectez leur expertise: Ce sont des professionnels qui ont perfectionné leur métier.
iii. Techniques de communication:
* le "pourquoi" compte: Expliquez toujours la * raison * derrière une direction. Ne leur dites pas simplement * quoi * faire, expliquez * pourquoi * vous voulez qu'ils le fassent. Cela les aide à comprendre la motivation du personnage et à trouver l'action de manière organique.
* Exemple:au lieu de "dire la ligne plus forte", essayez ", il est frustré parce qu'il essaie d'expliquer cela depuis une heure, et elle ne l'obtient toujours pas. Que cette frustration sorte dans la ligne."
* Verbes d'action: Utilisez de forts verbes d'action pour décrire ce que le personnage fait * plutôt que * le sentiment. * Évitez de dire à un acteur de «être triste». Au lieu de cela, dites-leur de "pleurer", "grive" ou "reminisce". Cela leur donne une action concrète à jouer.
* Imagerie et métaphores: Utilisez un langage évocateur et des métaphores pour transmettre l'émotion ou la performance souhaitée.
* Exemple:"Considérez cette scène comme une danse entre deux personnes qui essaient de rester hors de portée de l'autre."
* Ajustements spécifiques: Concentrez-vous sur les petits ajustements incrémentiels. Ne submergez pas l'acteur avec trop de commentaires à la fois.
* Le silence est doré: Parfois, dire rien est la meilleure approche. Donnez à l'espace de l'acteur pour explorer et trouver sa propre interprétation.
* Renforcement positif: Reconnaissez le bon travail et encouragez-les, même lorsque vous fournissez des critiques constructives. Commencez et terminez par une rétroaction positive.
* Remarques privées: Donnez des notes sensibles ou potentiellement embarrassantes en privé.
* être adaptable: Soyez prêt à ajuster votre approche en fonction des besoins et du style de l'acteur. Certains acteurs réagissent bien à l'orientation technique, tandis que d'autres préfèrent les conseils émotionnels.
iv. Direction pratique sur le plateau:
* Blocage: Travaillez avec les acteurs pour déterminer leurs mouvements dans la scène. Cela devrait être motivé par les objectifs du personnage et les besoins de la caméra. Considérez les lignes de vision, les relations physiques et la composition globale.
* répétitions: Utilisez des répétitions pour déterminer le blocage, le timing et les battements émotionnels de la scène. Ne récompensez pas trop, car cela peut conduire à une performance obsolète.
* Couverture: Planifiez soigneusement vos angles de caméra et vos photos. Comment la caméra soutiendra-t-elle les performances de l'acteur et racontera-t-elle visuellement l'histoire? Considérez l'utilisation de gros plans, de plans moyens et de plans larges.
* Réglage des performances:
* rythme: Ajustez le rythme et le tempo du dialogue et de l'action.
* Volume: Contrôlez la voix de l'acteur pour créer l'impact souhaité.
* physique: Guide le langage corporel et les gestes de l'acteur pour améliorer l'expression du personnage.
* sous-texte: Aidez l'acteur à trouver le sens caché et les couches sous la surface du dialogue.
* "Dernier look": Avant de rouler, donnez aux acteurs une dernière occasion de poser des questions ou de faire des ajustements.
* faites confiance à votre intestin: Si quelque chose ne semble pas bien, n'ayez pas peur d'essayer quelque chose de différent.
v. Différents styles d'acteur:
* Méthode Agissant: Les acteurs se plongent profondément dans la vie et les expériences du personnage. Soyez respectueux de leur processus, mais fixez des limites pour assurer leur bien-être.
* Agissant technique: Les acteurs se concentrent sur les aspects techniques des performances, tels que la voix, le mouvement et la livraison.
* Agissant naturaliste: Les acteurs visent une représentation réaliste et crédible du personnage.
* Timing comique: Aidez les acteurs à comprendre le rythme et les battements de la comédie.
vi. Pièges communs à éviter:
* Microgestion: Ne dirigez pas trop. Permettez aux acteurs d'apporter leur propre créativité à ce rôle.
* Donner des directions contradictoires: Assurez-vous que vos notes sont cohérentes et claires.
* étant vague: Évitez les commentaires abstraits ou ambigus.
* Ignorer l'entrée de l'acteur: Écoutez leurs idées et soyez prêt à faire des compromis.
* prendre des choses personnellement: N'oubliez pas que le jeu est un travail et que la critique fait partie du processus.
* montrant le favoritisme: Traitez tous les acteurs avec respect et équité.
vii. Éducation continue:
* Regardez des films et analysez les performances: Faites attention à la façon dont les réalisateurs travaillent avec les acteurs pour créer des performances convaincantes.
* Lire des livres et des articles sur la réalisation: Il existe de nombreuses excellentes ressources disponibles sur l'art et l'artisanat de la réalisation.
* Prenez des ateliers et des cours: Envisagez de vous inscrire à des ateliers ou à des cours sur le théâtre et la direction.
* Pratique, pratique, pratique: La meilleure façon d'apprendre à diriger les acteurs est de le faire.
En résumé, la direction efficace consiste à créer un environnement collaboratif fondé sur la confiance, une communication claire et une compréhension approfondie du script et des personnages. Soyez prêt, soyez patient et soyez ouvert à l'apprentissage de vos acteurs.