i. Considérations de pré-shoot (idéalement, vous les considéreriez lorsque * tir * pour ce style):
* Configuration de l'éclairage:
* Source de lumière unique: C'est crucial. Rembrandt a souvent utilisé une seule fenêtre ou une source de lumière diffuse positionnée haut et sur le côté du sujet. Vous pouvez utiliser une boîte à soft ou un parapluie pour la diffusion.
* position de lumière clé: Positionnez la lumière clé pour créer le "triangle Rembrandt" caractéristique de la lumière sur la joue du sujet le plus éloigné de la source de lumière. La lumière doit jeter une ombre du nez se connectant à la joue, laissant un petit triangle de lumière sous l'œil.
* Background: Utilisez un fond foncé et neutre (noir, gris foncé ou brun foncé) pour souligner davantage le sujet.
* Positionnement du sujet: Angle le sujet vers la source lumineuse. Expérimentez les inclinaisons de tête et se tourne pour voir comment la lumière tombe.
* Armoire: Choisissez des vêtements sombres ou des couleurs sourdes pour compléter l'ambiance.
ii. Ajustements Lightroom:
Cela suppose que vous avez une photo bien exposée adaptée à ce style. Ne vous attendez pas à des miracles si votre image est déjà brillante et aérée!
a. Panneau de base:
1. Profil:
* Commencez par sélectionner un profil de caméra que vous aimez. Adobe Color est un bon point de départ pour de nombreuses images, mais expérimentez avec d'autres. Certains profils personnalisés sont conçus pour imiter des stocks de films spécifiques et peuvent être un bon point de départ.
2. Balance blanche:
* Généralement, gardez-le neutre ou légèrement chaud (ajoutez une touche de jaune / orange) pour évoquer une sensation classique de peinture à l'huile. Utilisez l'outil d'allumeur des yeux sur une zone neutre de la peau si nécessaire.
* temp: Ajustez la température de couleur en fonction de votre préférence, généralement vers le côté plus chaud, entre 5000 et 6000k.
* teinte: Ajustez le curseur de teintre pour réparer tout moulage vert ou magenta contre nature.
3. Exposition:
* Réduisez considérablement l'exposition: C'est la pierre angulaire du look sombre et de mauvaise humeur. Commencez par le diminuer de -1 à -2 arrêts, voire plus selon votre image d'origine. L'objectif est de créer des ombres profondes.
4. Contraste:
* Augmenter le contraste: Ajoutez un contraste pour approfondir les ombres et faire éclater légèrement les points forts. Une valeur entre +20 et +40 est un bon point de départ.
5. Faits saillants:
* Réduire les points forts: Tirez les points forts vers le bas pour récupérer les détails dans les zones plus lumineuses et empêchez-les d'être explosées. Expérimentez avec des valeurs entre -30 et -70.
6. Shadows:
* Soulevez légèrement les ombres (ou laissez seul): Envisagez de soulever subtilement les ombres * uniquement si * les détails sont complètement perdus dans l'obscurité. Être très prudent; Trop de levage ruinera l'humeur. Souvent, les laisser sombres est préférable. Une valeur entre 0 et +20 pourrait convenir.
7. Blancs:
* Réduisez légèrement les blancs: Semblable aux faits saillants, cela empêche les zones soufflées. Réduisez légèrement pour maintenir l'équilibre tonal.
8. Noirs:
* Réduire davantage les Noirs: Cela approfondra les ombres et améliorera l'obscurité globale. Visez les valeurs entre -30 et -70. C'est souvent le curseur le plus important pour atteindre l'effet sombre et de mauvaise humeur.
9. Clarity:
* augmenter la clarté (subtilement): Une légère augmentation de la clarté peut ajouter de la texture et des détails, mais veillez à ne pas en faire trop. Une valeur entre +5 et +15 peut bien fonctionner. Trop de clarté peut rendre l'image dure.
10. Vibrance / saturation:
* Réduisez légèrement les vibrance: Cela désataturer un peu l'image, contribuant à une sensation plus sourde et antique. Une valeur entre -5 et -20 est un bon point de départ. Envisagez de laisser la saturation seule ou de s'ajuster légèrement vers le bas.
b. Courbe de ton:
1. Courbe point: La courbe de ton est votre outil le plus puissant pour affiner le contraste et la tonalité globale.
* Curve S subtile: Créez une courbe S subtile en faisant glisser le point dans la partie supérieure droite du graphique légèrement vers le haut (pour égayer les reflets) et le point de la partie inférieure gauche légèrement vers le bas (pour assombrir les ombres). Cela ajoute plus de contraste.
* look mat (facultatif): Pour créer une finition plus mate, soulevez légèrement le point noir en faisant glisser un peu le point inférieur gauche vers le haut. Cela adoucira les ombres.
c. Panneau HSL / couleur:
1. Hue: Faites des ajustements mineurs à la teinte de couleurs spécifiques si nécessaire pour améliorer ou corriger les tons de peau.
2. saturation: Affinez la saturation de couleurs spécifiques, en particulier les tons de peau. Vous voudrez peut-être diminuer légèrement la saturation des rouges et des oranges pour éviter la peau trop vibrante.
3. Luminance: Ajustez la luminance des couleurs individuelles pour contrôler leur luminosité. Cela peut être utile pour façonner subtilement la lumière sur le visage. Par exemple, la réduction de la luminance des rouges peut assombrir les lèvres.
d. Panneau de détail:
1. Affûtage: Appliquez une affûtage pour améliorer les détails, mais soyez prudent de ne pas dépasser les overchan, ce qui peut introduire le bruit. Utilisez le curseur de masquage pour cibler uniquement les bords les plus pointus.
2. Réduction du bruit: Si nécessaire, appliquez une réduction du bruit pour réduire tout grain indésirable, en particulier dans l'ombre.
e. Panneau d'effets:
1. vignette:
* Ajoutez une vignette sombre: Cela attire l'œil du spectateur vers le centre de l'image et améliore davantage la sensation sombre et de mauvaise humeur. Utilisez une quantité négative (par exemple, -10 à -40, selon l'image). Ajustez le point médian et la plume pour créer un effet subtil et naturel.
2. Grain (facultatif): L'ajout d'une quantité subtile de grain peut imiter la texture du film et ajouter du caractère, mais l'utiliser avec parcimonie.
f. Panneau d'étalonnage:
1. Expérience: Il s'agit d'un panneau avancé. Essayez d'ajuster les curseurs primaires rouges, verts et bleus pour déplacer subtilement l'équilibre global des couleurs. Les petits changements ici peuvent avoir un grand impact.
iii. Ajustements locaux (crucial pour le style Rembrandt):
* Brosse de réglage ou filtres radiaux: Ceux-ci sont essentiels pour affiner la lumière et l'ombre:
* esquive et brûler: Utilisez la brosse de réglage pour égayer sélectivement (esquiver) et assombrir (brûler) des zones spécifiques du visage. Par exemple:
* Dodge: Éclairant légèrement le triangle Rembrandt de lumière sur la joue.
* brûler: Assombrez le côté de l'ombre du visage, approfondissant les ombres sous les yeux, le long de la mâchoire et autour du nez.
* Filtre radial: Créez un filtre radial centré sur le visage et augmentez légèrement l'exposition et le contraste pour attirer l'attention sur le sujet.
* Drunken Background: Si l'arrière-plan n'est pas assez sombre, utilisez une brosse de réglage ou un filtre radial pour l'assombrir davantage.
iv. Paramètres d'exportation:
* Format de fichier: JPEG est un bon format à usage général. Le TIFF est meilleur à des fins d'archives ou de montage supplémentaire.
* espace colorimétrique: SRGB est la norme à usage Web.
* Résolution: 300 DPI pour imprimer, 72 DPI pour le Web.
* Qualité: 80-90% est un bon équilibre entre la qualité et la taille du fichier pour JPEG.
Conseils et considérations générales:
* Commencez par une bonne image: Lightroom ne peut pas réparer une photo mal éclairée ou composée.
* La subtilité est la clé: Évitez la surexploitation. L'objectif est d'améliorer la lumière et l'ombre existantes, et non pour créer un effet complètement artificiel.
* Utilisez des préréglages comme point de départ (mais ne comptez pas sur eux): Recherchez des préréglages Lightroom conçus pour des portraits sombres et de mauvaise humeur ou des styles Rembrandt. Ceux-ci peuvent fournir une base pour vos propres ajustements.
* histogramme: Faites attention à l'histogramme pour éviter d'écraser les reflets ou les ombres.
* Expérience: Chaque image est différente. N'ayez pas peur d'expérimenter avec différents paramètres jusqu'à ce que vous atteigniez le look souhaité.
* Références peintures Rembrandt: Étudiez les portraits de Rembrandt pour comprendre comment il a utilisé la lumière et l'ombre pour créer son style de signature. Faites attention au placement de la source lumineuse, de la forme des ombres et de l'humeur générale des peintures.
* Tons de peau: Soyez très prudent avec les tons de peau. Dark and Moody ne signifie pas malsain. Surveillez les moulages orange ou jaunes non naturels.
En suivant ces étapes et en pratiquant, vous pouvez créer de superbes portraits de style Rembrandt sombres et de mauvaise humeur à Lightroom. N'oubliez pas d'être patient, expérimentez et développez votre propre style unique. Bonne chance!