i. Planification et vision:
* Définissez le but / l'histoire: Qu'essayez-vous de transmettre avec ce portrait? S'agit-il de force, de vulnérabilité, de joie, de mystère ou autre chose? Le sentiment que vous voulez évoquer conduit tous les autres choix. Pensez au * pourquoi * avant le * comment *.
* Sujet:
* Relation: Quelle est votre relation avec le sujet? Cela influence à quel point ils sont à l'aise et comment vous les dirigez.
* Personnalité: Essayez de capturer leur essence. Parlez-leur à l'avance pour avoir une idée de leur personnalité et de leurs intérêts.
* Collaboration: Impliquez votre sujet dans la planification. Demandez leurs idées, leurs préférences et leurs niveaux de confort. Un tournage collaboratif donne de meilleurs résultats.
* Inspiration de style:
* Recherche: Regardez la photographie de portrait de différentes époques, genres et photographes. Identifiez les éléments que vous aimez:styles d'éclairage, posant, compositions, palettes de couleurs, etc. Pinterest, Instagram, les livres de photographie et les sites Web du musée sont d'excellentes ressources.
* Mood Board: Créez un tableau d'humeur (numérique ou physique) avec des images inspirantes, des échantillons de couleurs et des mots clés. Cela aide à solidifier votre vision.
* Scoutisme de localisation:
* Background: Pensez à l'arrière-plan. Est-ce que cela complète ou distrait-il du sujet? Considérez la couleur, la texture et la profondeur. Est-ce pertinent pour l'histoire?
* Éclairage: Observez la lumière à différents moments de la journée. De quelle direction vient-elle? Est-ce dur ou doux? Considérez l'ombre, l'ombre ouverte, l'heure d'or, etc.
* Accessibilité: Assurez-vous que l'emplacement est accessible et sûr pour vous et votre sujet. Des permis peuvent être nécessaires à certains endroits.
* Équipement:
* caméra: Le reflex numérique, sans miroir ou même un smartphone peut fonctionner. La chose la plus importante est de comprendre les paramètres de votre appareil photo.
* Lens: Les lentilles Prime (35 mm, 50 mm, 85 mm, 135 mm) sont populaires pour les portraits en raison de leur netteté et de leur capacité à créer une profondeur de champ peu profonde. Les objectifs zoom (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm) offrent une flexibilité.
* Éclairage (facultatif):
* réflecteur: Un réflecteur simple peut rebondir et remplir les ombres.
* speedlight / strobe: Pour plus de contrôle sur l'éclairage, en particulier dans des conditions difficiles. Des modificateurs comme les boîtes aux soft-soft, les parapluies et les plats de beauté adoucissent la lumière.
* Éclairage continu: Des panneaux LED ou d'autres lumières continues peuvent être utilisées pour une approche WYSIWYG (ce que vous voyez est ce que vous obtenez).
* Trépied: Pour la stabilité, en particulier en faible lumière ou lors de l'utilisation de vitesses d'obturation plus lentes.
* Accessoires: Des accessoires, des vêtements, des cheveux et des outils de maquillage (le cas échéant).
ii. Le tournage:exécution et technique:
* Paramètres de la caméra:
* ouverture: Contrôle la profondeur de champ. Des ouvertures plus larges (par exemple, f / 1.8, f / 2.8) créent une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et isolant le sujet. Les ouvertures plus étroites (par exemple, f / 8, f / 11) augmentent la profondeur de champ, en gardant davantage l'image en vue.
* vitesse d'obturation: Doit être assez rapide pour éviter le flou de mouvement. Généralement, un bon point de départ est de 1 / focale (par exemple, 1 / 50e de seconde pour une lentille de 50 mm). Augmenter si le sujet se déplace.
* ISO: Gardez ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez-le uniquement lorsque cela est nécessaire pour obtenir une exposition appropriée.
* Mode de mise au point: Utilisez la mise au point automatique à point unique (AF-S ou One-Shot) pour les sujets stationnaires et l'autofocus continu (AF-C ou AI Servo) pour les sujets en mouvement. Concentrez-vous sur les yeux.
* Mode de mesure: La mesure évaluative / matrice est généralement un bon point de départ. Ajustez au besoin en fonction de la situation d'éclairage.
* Balance des blancs: Définissez la balance des blancs pour correspondre aux conditions d'éclairage (par exemple, lumière du jour, nuageuse, tungstène). Vous pouvez également tirer en brut et ajuster la balance des blancs en post-traitement.
* Composition:
* Règle des tiers: Placez le sujet le long des lignes ou aux intersections d'une grille qui divise le cadre en tiers.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans l'environnement pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan pour encadrer le sujet, en ajoutant de la profondeur et de l'intérêt.
* Espace négatif: Laissez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment d'équilibre et attirez l'attention sur eux.
* symétrie: Le cas échéant, utilisez une symétrie pour créer une composition équilibrée et visuellement attrayante.
* posant et direction:
* Démarrez simple: Commencez par des poses de base et introduisez progressivement des plus complexes.
* La communication est la clé: Fournir des instructions claires et concises. Utilisez un renforcement positif.
* angles: Expérimentez avec différents angles. La prise de vue légèrement au-dessus peut être flatteuse, tandis que le tir par le bas peut rendre le sujet puissant.
* mains: Faites attention aux mains. Ils devraient être détendus et naturels. Évitez les angles maladroits.
* langage corporel: Encouragez le langage corporel naturel. Demandez au sujet de changer leur poids, de bouger la tête ou d'interagir avec leur environnement.
* Contact oculaire: Le contact visuel direct peut créer une connexion avec la visionneuse. Cependant, le détournement peut également créer un sentiment de mystère ou d'introspection.
* Micro-ajustements: Faites de petits ajustements à la pose, à l'expression et aux vêtements du sujet pour affiner la photo.
* Moments candides: Capturez des moments candides entre les coups posés. Celles-ci peuvent souvent être les plus authentiques et les plus convaincantes.
* techniques d'éclairage:
* lumière naturelle:
* Hour d'or: L'heure après le lever du soleil et l'heure avant le coucher du soleil offrent une lumière chaude et douce.
* Open Shade: Trouvez un endroit ombragé où la lumière est diffusée et même. Évitez la lumière directe du soleil, qui peut créer des ombres dures.
* rétro-éclairage: Positionnez le sujet avec la lumière derrière eux pour créer une silhouette ou une lueur douce et éthérée.
* lumière artificielle:
* une configuration de lumière: Commencez avec une seule source lumineuse et expérimentez sa position et ses modificateurs.
* deux configurations de lumière: Utilisez une lumière clé pour éclairer le sujet et une lumière de remplissage pour réduire les ombres.
* Éclairage de jante: Utilisez une lumière derrière le sujet pour créer un bord de lumière autour de leur tête et de leurs épaules, en les séparant de l'arrière-plan.
* Éclairage Rembrandt: Créez un triangle de lumière sur la joue en face de la lumière clé.
* Connexion avec votre sujet:
* Créer des relations: Parlez à votre sujet, apprenez à les connaître et mettez-les à l'aise.
* donner des commentaires: Montrez-leur les images au dos de votre appareil photo et demandez leurs commentaires.
* Soyez patient: Laissez le temps pour que le sujet se détende et se détende devant la caméra.
* être positif: Offrir des encouragements et des éloges.
* Amusez-vous: Une atmosphère détendue et agréable entraînera de meilleurs résultats.
iii. Post-traitement:
* Logiciel: Adobe Lightroom, Capture One ou des programmes similaires.
* Ajustements de base:
* Exposition: Corrigez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Highlights / Shadows: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Blancs / Noirs: Réglez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique.
* Clarity / Texture: Ajoutez une netteté et des détails.
* Vibrance / saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Correction des couleurs:
* Balance des blancs: Affinez l'équilibre du blanc pour obtenir des couleurs précises.
* Gradage des couleurs: Appliquez une palette de couleurs pour créer une humeur ou un style spécifique.
* Retouching:
* lissage de la peau: Réduisez les imperfections et les imperfections. Soyez subtil! La sur-trassage peut rendre le sujet non naturel.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et égayez les blancs.
* esquive et brûler: Éclaircir et assombrir subtilement les zones pour sculpter le visage et ajouter une dimension.
* Affûtage: Appliquez un laissez-passer final pour améliorer les détails.
iv. Styles et considérations de portraits spécifiques:
* Portrait environnemental: Capture le sujet dans leur environnement naturel, racontant une histoire sur leur vie ou leur travail. Faites attention à l'arrière-plan et comment il se rapporte au sujet.
* Portrait de studio: Tourné dans un environnement contrôlé avec un éclairage artificiel. Fournit un contrôle maximal sur l'éclairage et l'arrière-plan.
* Portrait candide: Capture le sujet dans un moment naturel non positif. Nécessite de la patience et un œil aimable pour l'observation.
* portrait à clé haute: Bright, aéré et optimiste. Utilise des tons principalement légers et des ombres minimales.
* Portrait discret: Dramatique, de mauvaise humeur et mystérieux. Utilise des tons à prédominance sombre et des ombres fortes.
* Portrait noir et blanc: Met l'accent sur la forme, la texture et l'émotion. Faites attention au contraste et à la tonalité.
* autoportrait: L'art de vous photographier. Nécessite encore plus d'attention aux détails lors de la réalisation de la photo.
* Headshot: Généralement utilisé à des fins professionnelles. Devrait se concentrer sur le professionnalisme et l'approvisionnement.
v. Dépannage:
* Images floues: Augmentez la vitesse d'obturation, utilisez une ouverture plus large (nombre F plus faible) ou utilisez un trépied.
* Images surexposées: Diminuer l'ouverture (nombre F plus élevé), diminuer l'ISO ou augmenter la vitesse d'obturation.
* images sous-exposées: Augmenter l'ouverture (nombre F plus faible), augmenter l'ISO ou diminuer la vitesse d'obturation.
* ombres durs: Utilisez un réflecteur, remplissez la lumière ou trouvez une source lumineuse plus diffuse.
* Eye rouge: Éteignez la réduction des yeux rouges sur votre flash ou utilisez un flash hors caméra.
* poses peu flatteuses: Expérimentez avec différents angles, positions corporelles et expressions faciales. Demandez les commentaires du sujet.
* Le sujet est inconfortable: Faites une pause, parlez au sujet et créez une atmosphère plus détendue.
vi. Prise à emporter:
* Pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles.
* Apprenez de vos erreurs: Analysez vos photos et identifiez les zones d'amélioration.
* Développez votre propre style: Trouvez ce qui résonne avec vous et créez votre propre approche unique de la photographie de portraits.
* Souvenez-vous de l'élément humain: Les meilleurs portraits capturent l'essence du sujet et racontent une histoire. Connectez-vous avec votre sujet, soyez respectueux et amusez-vous.
En suivant ces directives et en pratiquant régulièrement, vous pouvez améliorer considérablement vos compétences en photographie de portrait et créer des images étonnantes qui capturent la beauté et l'essence de vos sujets. Bonne chance et bonne prise de vue!