Portrait Creative Photography:un guide étape par étape
La photographie de portrait créative consiste à aller au-delà de la tête standard et à raconter une histoire, à évoquer l'émotion et à présenter votre vision artistique. Voici un guide étape par étape pour vous aider à démarrer:
1. Conceptualisation et planification:
* Définissez votre vision: Quelle histoire voulez-vous raconter? Quelle humeur voulez-vous créer? Brainstorm les idées, les thèmes et les concepts. Penser à:
* l'histoire: Quelle est la personnalité du sujet? Quelles sont leurs passions? Quels défis ont-ils surmonté?
* l'ambiance: Heureux, mélancolique, mystérieux, puissant, ludique?
* l'esthétique: Minimaliste, surréaliste, vintage, cinématographique?
* Inspiration: Cherchez l'inspiration partout! Des magazines, des films, des peintures, du travail des autres photographes (mais ne copiez pas!), Vos rêves, nature, architecture, etc. Créez un tableau d'humeur (physique ou numérique) avec des images qui résonnent avec votre vision.
* Scoutisme de localisation: Considérez votre thème et votre humeur. Est-ce un cadre urbain, un paysage naturel, un studio avec une toile de fond? Visitez les emplacements potentiels à différents moments de la journée pour voir comment la lumière change. Considérer:
* Background: Est-ce distrayant ou complémentaire?
* Éclairage: Comment la lumière disponible interagit-elle avec l'emplacement?
* Accessibilité: Est-il facile de tirer sur vous et de sécurité pour vous et votre modèle?
* accessoires et style: Les accessoires peuvent ajouter le contexte, le symbolisme et l'intérêt visuel. Planifiez les vêtements, les accessoires, les cheveux et le maquillage qui complètent votre concept.
* accessoires: Livres, instruments, fleurs, articles vintage, formes abstraites, etc.
* Vêtements: Choisissez des couleurs, des tissus et des styles qui améliorent l'humeur et l'histoire. Communiquez clairement avec votre modèle sur la garde-robe.
* Cheveux et maquillage: Envisagez d'embaucher un professionnel ou de fournir des conseils à votre modèle. Même des changements simples peuvent modifier considérablement l'apparence.
* Sélection et communication du modèle: Choisissez un modèle dont le look et la personnalité s'alignent sur votre vision. Communiquez clairement votre concept, partagez votre tableau d'humeur et discutez des idées de pose. Un bon rapport avec votre modèle est crucial.
* Release du modèle: Ayez toujours un formulaire de libération de modèle signé avant le tournage.
* Collaboration: Encouragez votre modèle à contribuer leurs propres idées et expressions.
2. Équipement et paramètres:
* caméra: Tout reflex numérique ou caméra sans miroir avec commandes manuelles fonctionnera. Expérimentez avec différentes lentilles pour obtenir divers effets.
* objectifs:
* 50 mm: Perspective polyvalente et naturelle, bonne pour les portraits.
* 85 mm: Flatter pour les portraits, comprime les fonctionnalités.
* 35 mm: Perspective plus large, montre plus de l'environnement.
* Macro Lens: Pour les gros plans et les détails extrêmes.
* Éclairage:
* lumière naturelle: L'heure d'or (heure après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) fournit une lumière douce et chaude. Les jours couverts offrent un éclairage diffusé, voire.
* lumière artificielle:
* speedlights / stroboscopes: Offrez le contrôle de l'éclairage, vous permettant de le façonner et de le modifier. Utilisez des diffuseurs (softboxs, parapluies) pour adoucir la lumière.
* lumières continues: Plus facile de voir l'effet en temps réel, bon pour les débutants.
* Trépied: Utile pour les situations de faible luminosité ou la création d'images nettes avec des vitesses d'obturation lentes.
* réflecteur: Rebondit la lumière sur le sujet, remplissant des ombres.
* Paramètres de la caméra (le mode manuel est la clé!):
* ouverture (f-stop): Contrôle la profondeur de champ. FORTH F-stop (par exemple, f / 2.8) crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan. Le F-STOP plus élevé (par exemple, f / 8) maintient plus de l'image dans le foyer.
* vitesse d'obturation: Contrôle combien de temps le capteur est exposé à la lumière. La vitesse d'obturation plus rapide gèle le mouvement. La vitesse d'obturation plus lente peut créer un flou de mouvement.
* ISO: Sensibilité du capteur à la lumière. Gardez-le aussi bas que possible pour minimiser le bruit.
* Balance des blancs: Ajuste la température de couleur de l'image pour assurer des couleurs précises. Utilisez une carte grise pour une balance blanche précise.
* Mode de mise au point: Utilisez la mise au point automatique en un seul point pour vous concentrer précis sur les yeux du sujet.
* Mode de mesure: La mesure évaluative / matrice est généralement un bon point de départ.
3. Le tournage:exécution et expérimentation:
* Créer des relations: Parlez à votre modèle, mettez-les à l'aise et expliquez votre vision. Donnez-leur une direction claire et des commentaires positifs.
* posant:
* Commencez par les bases: Les poses classiques sont un bon point de départ, mais n'ayez pas peur d'expérimenter.
* angle: Faites attention aux angles - à la fois du corps et de la caméra. Évitez de tirer droit sur tout le temps.
* mains: Portez une attention particulière au placement des mains. Évitez les positions des mains raides ou maladroites.
* Expressions faciales: Encourager les expressions naturelles. Ne dis pas simplement "Sourire!" Essayez d'évoquer une véritable émotion.
* Mouvement: Incorporez des mouvements pour les prises de vue dynamiques et franches.
* techniques d'éclairage:
* Configuration d'une lumière: Un simple point de départ. Expérimentez avec différents modificateurs de lumière et angles.
* Configuration à deux lumières: Utilisez une lumière clé et une lumière de remplissage pour créer une dimension.
* Lumière de jante: Un rétro-éclairage qui crée un effet de halo autour du sujet.
* dur vs lumière douce: La lumière dure crée de fortes ombres. La lumière douce est plus diffuse et flatteuse.
* Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en tiers à la fois horizontalement et verticalement, et placez les éléments clés aux intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide pour créer l'équilibre et attirer l'attention sur le sujet.
* cadrage: Utilisez des éléments dans la scène pour encadrer le sujet (par exemple, portes, arbres).
* symétrie et motifs: Utilisez la symétrie ou les motifs de répétition pour une composition visuellement attrayante.
* Expérimentation:
* différents angles: Tirez sous des angles élevés, bas et non conventionnels.
* Choix de l'objectif: Basculez entre les lentilles pour voir comment ils affectent la composition et la perspective.
* Profondeur de champ: Expérimentez avec différentes ouvertures pour créer différentes profondeurs de champ.
* Mouvement: Capturez un flou du mouvement ou des photos de panoramique.
* Double exposition: Combinez deux images en une pour un effet surréaliste.
* peinture légère: Utilisez une source de lumière pour «peindre» avec la lumière lors d'une longue exposition.
4. Post-traitement:améliorant votre vision:
* Choisissez votre logiciel: Adobe Lightroom et Photoshop sont des normes de l'industrie. Capture One est une autre option populaire.
* Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les zones claires et sombres.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les reflets surexposés et les ombres sous-exposées.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique.
* Clarity &Dehaze: Ajouter ou supprimer la clarté et la brume pour améliorer l'image.
* Correction des couleurs:
* Balance des blancs: Affinez l'équilibre du blanc pour assurer des couleurs précises.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Gradage des couleurs: Appliquez des tons de couleur spécifiques pour créer une humeur souhaitée. (par exemple, sarcelle et orange pour un look cinématographique).
* HSL (teinte, saturation, luminance): Ajustez la teinte, la saturation et la luminance des couleurs individuelles.
* Retouching (dans Photoshop):
* Retouchage de la peau: Retirer les imperfections, même sortir le teint et réduire les rides. Utilisez la brosse de guérison, les tampons de clones et les techniques de séparation des fréquences. Soyez subtil!
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et améliorez leur couleur.
* Dodge &Burn: Éclaircir et assombrir subtilement les zones de l'image pour sculpter et améliorer les caractéristiques.
* Affûtage: Aiguisez l'image pour une clarté optimale.
* Réduction du bruit: Réduisez le bruit, en particulier dans les images à haute teneur en ISO.
* Effets créatifs: Ajoutez des vignettes, des textures ou d'autres effets créatifs pour améliorer l'image (utiliser avec parcimonie!).
5. Pratique et rétroaction:
* Tirez régulièrement: Plus vous vous entraînez, mieux vous deviendrez.
* recherchez des commentaires: Partagez votre travail avec d'autres photographes et demandez des critiques constructives.
* Apprenez de vos erreurs: Analysez vos photos et identifiez les zones d'amélioration.
* Restez inspiré: Continuez à rechercher l'inspiration et à expérimenter de nouvelles techniques.
Prise des clés pour la photographie de portrait créative:
* La planification est essentielle: Un concept bien pensé guidera l'ensemble de votre tournage.
* Light est votre meilleur ami: Master les techniques d'éclairage pour créer l'humeur souhaitée et améliorer votre sujet.
* Connectez-vous avec votre modèle: Une bonne relation avec votre modèle entraînera des portraits plus naturels et authentiques.
* Expérimentez et soyez créatif: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles.
* Le post-traitement est votre touche finale: Utilisez le post-traitement pour améliorer votre vision et créer un produit final poli.
En suivant ces étapes et en embrassant votre créativité, vous pouvez créer des portraits étonnants et uniques qui racontent une histoire et capturent l'essence de votre sujet. Bonne chance!