i. Considérations et planification pré-shoot
* Concept et vision: C'est la partie la plus importante!
* quelle histoire voulez-vous raconter? Vous visez un look heureux, sérieux, mystérieux, énervé ou classique? L'histoire informera tout le reste.
* Mood Board: Créez une carte de référence visuelle (Pinterest est super!) Avec des images qui capturent l'apparence et la sensation que vous recherchez. Incluez l'inspiration pour la pose, l'éclairage, les couleurs et la composition.
* Communiquez avec votre sujet: Discutez de la vision avec votre sujet à l'avance. Cela les aide à se sentir à l'aise et confiante. Montrez-leur le tableau d'humeur. Obtenir leur contribution. La collaboration mène à de meilleurs résultats.
* Emplacement, emplacement, emplacement:
* Scoutisme: Visitez l'emplacement à l'avance pour évaluer la lumière, le fond et les obstacles potentiels.
* Choix d'arrière-plan: Considérez la couleur, la texture et le niveau de distraction du fond. Un arrière-plan simple et épuré fonctionne souvent le mieux, mais un arrière-plan significatif ou visuellement intéressant peut ajouter du contexte. Réfléchissez à la façon dont cela affectera la composition.
* Natural vs Studio: Allez-vous tirer à l'extérieur avec de la lumière naturelle ou dans un studio avec un éclairage artificiel? Cette décision affecte considérablement votre approche.
* préparation du matériel:
* caméra: Les reflex numériques ou les caméras sans miroir sont généralement préférées pour les portraits en raison de leurs capteurs et options d'objectif plus grands. Mais ne laissez pas l'équipement vous limiter - une bonne caméra pour smartphone peut faire des merveilles entre les bonnes mains.
* Choix de l'objectif:
* 50 mm: Un objectif de portrait classique. Polyvalent, abordable et produit une perspective flatteuse.
* 85 mm: Idéal pour des portraits plus stricts et crée un beau flou de fond (bokeh). Souvent considéré comme «l'étalon-or» du portrait.
* 35 mm: Bon pour les portraits environnementaux, montrant davantage de l'environnement du sujet.
* lentilles zoom (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm): Offrez de la flexibilité mais peut ne pas avoir les mêmes performances ou bokeh à faible luminosité que les lentilles Prime.
* Éclairage (si nécessaire):
* réflecteur: Un moyen simple et peu coûteux de rebondir et de remplir les ombres.
* speedlight (flash): Pour ajouter de la lumière directionnelle ou un soleil dur et écrasant.
* stroboscopes de studio: Options d'éclairage puissantes et polyvalentes pour les paramètres de studio.
* softboxes / parapluies: Diffuse et adoucir la lumière des stroboscopes ou de la vitesse.
* Autres accessoires: Trépied (pour les poses statiques, faible luminosité), filtres à objectif (polariseur, filtre ND), cartes mémoire, batteries supplémentaires.
ii. Paramètres de la caméra
* Mode de prise de vue:
* priorité d'ouverture (AV ou A): Vous permet de contrôler la profondeur de champ (quelle part de l'image est mise au point) tandis que la caméra ajuste automatiquement la vitesse d'obturation. Idéal pour les portraits où vous voulez un fond flou.
* manuel (m): Vous donne un contrôle total sur l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO. Nécessite plus de pratique mais offre le plus de flexibilité.
* Priorité d'obturation (TV ou S): Gèle le mouvement. Moins souvent utilisé, mais peut être utile pour les portraits d'action.
* ouverture (f-stop):
* large ouverture (par exemple, f / 1,4, f / 1,8, f / 2,8): Crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant le fond et isolant le sujet. Idéal pour les portraits en gros plan. Faites attention que les yeux sont au point!
* ouverture plus étroite (par exemple, f / 5.6, f / 8): Augmente la profondeur du champ, mettant l'accent sur plus de scène. Utile pour les portraits de groupe ou les portraits environnementaux.
* vitesse d'obturation:
* Vitesse d'obturation rapide (par ex., 1 / 200e, 1/500e): Gèle le mouvement et aide à prévenir les shake de la caméra. Important lors de la prise de vue à la main ou en lumière vive.
* vitesse d'obturation plus lente (par exemple, 1/60e, 1/30): Permet à plus de lumière d'entrer dans la caméra mais peut introduire un flou de mouvement si le sujet se déplace ou si vous n'utilisez pas de trépied.
* Règle de base: Utilisez une vitesse d'obturation qui est au moins le réciproque de votre distance focale (par exemple, si vous tirez à 50 mm, utilisez une vitesse d'obturation d'au moins 1 / 50e de seconde).
* ISO:
* faible ISO (par exemple, 100, 200): Produit les images les plus propres avec le moins de bruit. Utiliser en lumière vive.
* ISO supérieur (par ex., 800, 1600, 3200 +): Augmente la sensibilité de la caméra à la lumière, vous permettant de tirer dans des conditions plus sombres. Cependant, il peut également introduire du bruit (grain) dans l'image. Essayez de garder ISO aussi bas que possible.
* Balance des blancs:
* Auto White Balance (AWB): La caméra essaie de deviner la bonne balance des blancs. Fonctionne souvent bien, mais peut être inexact dans certaines conditions d'éclairage.
* Balance des blancs personnalisés: Utilisez une carte grise pour calibrer la balance des blancs.
* Balance des blancs prédéfinis (par exemple, lumière du jour, nuageux, tungstène): Choisissez le préréglage qui correspond le mieux aux conditions d'éclairage.
* Format brut: La prise de vue en brut vous permet d'ajuster la balance des blancs en post-traitement sans perdre la qualité d'image.
* Focus:
* automatique à point unique (AF-S ou AF à un coup): Se concentre sur un seul point et les verrous se concentrent. Bon pour les sujets statiques. Concentrez-vous sur les yeux! Ils sont la fenêtre de l'âme.
* automatique continue (AF-C ou AI Servo AF): Ajuste en continu la mise au point à mesure que le sujet se déplace. Bon pour les photos d'action.
* Focus manuel (MF): Focus manuellement à l'aide de l'anneau de mise au point sur l'objectif. Peut être utile dans des conditions d'éclairage stimulantes ou lorsque l'autofocus est en difficulté.
* Mode de mesure:
* Meilleur évaluatif / matrice: La caméra analyse toute la scène et calcule l'exposition en fonction des niveaux de lumière moyens. Fonctionne souvent bien dans un éclairage uniforme.
* Spot Metering: Mesure la lumière d'une petite zone de la scène. Utile lorsque vous souhaitez exposer une partie spécifique de l'image (par exemple, le visage du sujet).
* Meilleur pondéré au centre: Mesure la lumière du centre de la scène, avec moins d'accent sur les bords.
iii. Techniques d'éclairage
* lumière naturelle:
* Hour d'or: L'heure après le lever du soleil et l'heure avant le coucher du soleil offrent une lumière douce, chaude et flatteuse.
* Open Shade: Le tir à l'ombre d'un bâtiment ou d'un arbre fournit une lumière diffusée même. Évitez la lumière du soleil pombuée, qui peut créer des ombres inégales.
* Réflecteurs: Utilisez un réflecteur pour faire rebondir la lumière sur le visage du sujet et remplissez les ombres.
* Évitez la lumière directe du soleil: La lumière directe du soleil peut être dure et créer des ombres peu flatteuses. Si vous devez tirer en lumière directe du soleil, essayez de positionner le sujet pour que la lumière vienne du côté ou du dos.
* lumière artificielle:
* Configuration d'une lumière: Commencez par une seule source de lumière et apprenez à la contrôler.
* Configuration à deux lumières: Ajoutez une deuxième lumière pour remplir les ombres ou créer une séparation entre le sujet et l'arrière-plan.
* Éclairage à trois points: Une configuration d'éclairage classique qui utilise une lumière clé (la source de lumière principale), une lumière de remplissage (pour remplir les ombres) et un rétro-éclairage (pour séparer le sujet de l'arrière-plan).
* Modificateurs de lumière: Utilisez des boîtes softbox, des parapluies ou des plats de beauté pour diffuser et adoucir la lumière.
* Flash Sync Speed: Comprenez la vitesse de synchronisation flash de votre appareil photo (généralement environ 1 / 200e de seconde) pour éviter de se replier sur vos images.
* Sync à grande vitesse (HSS): Vous permet d'utiliser des vitesses d'obturation plus rapides avec Flash, ce qui peut être utile pour écraser la lumière du soleil ou créer une profondeur de champ peu profonde.
* Motifs d'éclairage:
* Éclairage de boucle: Crée une petite ombre en forme de boucle sous le nez. Flatteur pour la plupart des visages.
* Éclairage Rembrandt: Crée un triangle de lumière sur la joue en face de la source de lumière. Dramatique et de mauvaise humeur.
* Éclairage divisé: Allume la moitié du visage, créant un look dramatique et énervé.
* Éclairage papillon: Place la source de lumière directement devant le sujet, créant une ombre symétrique sous le nez. Également connu sous le nom d'éclairage paramount.
iv. Posant et composition
* posant:
* La communication est la clé: Dirigez votre sujet avec des instructions claires et concises.
* relaxation: Aidez votre sujet à vous détendre et à vous sentir à l'aise. Discutez avec eux, jouez de la musique et donnez-leur des commentaires positifs.
* angles: Expérimentez avec différents angles. Le tir à partir d'un angle légèrement plus élevé peut être flatteur, tandis que le tir sous un angle inférieur peut rendre le sujet plus puissant.
* Évitez les poses raides: Encouragez le mouvement naturel et les gestes.
* mains: Faites attention aux mains. Ils peuvent être un outil puissant pour l'expression, mais ils peuvent également être distrayants s'ils sont maladroitement positionnés.
* Expressions faciales: Encouragez de véritables sourires et expressions. Demandez à votre sujet de penser à quelque chose qui les rend heureux ou de rappeler un souvenir drôle.
* langage corporel: Considérez le langage corporel du sujet. Sont-ils ouverts et invitants, ou fermés et défensifs? Ajustez la pose en conséquence.
* Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en tiers à la fois horizontalement et verticalement et placez les caractéristiques clés du sujet (par exemple, les yeux) aux intersections de ces lignes.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour guider l'œil du spectateur au sujet.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment d'équilibre et d'isolement.
* cadrage: Utilisez des éléments dans la scène pour encadrer le sujet, comme les arbres, les portes ou les fenêtres.
* symétrie: Créez des compositions symétriques pour un sentiment d'équilibre et d'harmonie.
* Croping: Cramez étroitement pour souligner le visage ou la culture du sujet plus large pour montrer davantage l'environnement.
v. Post-traitement
* Logiciel:
* Adobe Lightroom: Logiciels standard pour l'organisation, l'édition et le traitement des images brutes.
* Adobe Photoshop: Des logiciels plus avancés pour retoucher, composer et créer des effets spéciaux.
* capture un: Un autre logiciel de traitement brut populaire.
* gimp (gratuit): Une alternative puissante et gratuite à Photoshop.
* Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants: Ajustez la luminosité des zones les plus brillantes de l'image.
* ombres: Ajustez la luminosité des zones les plus sombres de l'image.
* Blancs: Ajustez le point blanc de l'image.
* Noirs: Ajustez le point noir de l'image.
* Clarity: Ajoute des détails et une netteté à l'image. Utilisez avec parcimonie.
* Vibrance / saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Balance des blancs: Corrigez la balance des blancs si nécessaire.
* Retouching:
* Retouchage de la peau: Associez les imperfections de la peau, mais veillez à ne pas en faire trop. Maintenir une texture naturelle.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et ajoutez une touche de luminosité.
* esquiver et brûler: Éclairer ou assombrir les zones spécifiques de l'image pour créer plus de dimension et de profondeur.
* Gradage des couleurs:
* ajustez les tons de couleur de l'image pour créer une humeur ou un style spécifique.
* Utilisez des préréglages de classement de couleur ou créez le vôtre.
* Affûtage:
* aiguisez l'image pour faire ressortir les détails.
* veillez à ne pas sur-sharpen, ce qui peut créer des artefacts indésirables.
* Réduction du bruit:
* Réduisez le bruit dans l'image si nécessaire.
* veillez à ne pas en faire trop, ce qui peut adoucir l'image.
vi. Exemples (comment j'ai eu * ce * coup)
Disons que quelqu'un vous demande:"Comment avez-vous obtenu ce coup?" Voici comment vous pourriez répondre, en utilisant le cadre ci-dessus:
* Exemple 1:lumière naturelle, à l'extérieur
"Je voulais un portrait doux et rêveur. J'ai tourné ceci environ une heure avant le coucher du soleil pendant l'heure d'or. Mon sujet se tenait à l'ombre ouverte près d'un arbre pour éviter la lumière du soleil. J'ai utilisé un objectif de 50 mm à f / 2,0 pour créer une profondeur superficielle de champ et brouiller l'arrière-plan. Mon iso était à 200 ans, et la vitesse de rachat à 1/250. J'ai demandé à mon ami de faire un coup de pouce à faire un peu de lumière sur son visage sur son visage. De côté et réfléchissez à une mémoire heureuse.
* Exemple 2:Portrait de studio avec flash
"C'était une photo en studio, visant un look classique et dramatique. J'ai utilisé une configuration à deux légers. La lumière clé était un stroboscope avec une boîte à soft placée à un angle de 45 degrés par rapport au sujet. La lumière de remplissage était un stroboscope avec un parapluie placé de la netteté opposée. vitesse).
vii. Les principaux plats à retenir
* La pratique rend parfaite: Plus vous tournez, mieux vous deviendrez dans la lésion, la pose et la composition.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles.
* Apprenez des autres: Étudiez le travail des photographes que vous admirez et essayez de comprendre comment ils ont obtenu leurs résultats.
* Amusez-vous: La photographie devrait être agréable. Si vous ne vous amusez pas, cela montrera dans votre travail.
* Soyez patient: La création de grands portraits prend du temps et des efforts. Ne vous découragez pas si vous ne l'obtenez pas tout de suite.
en résumé: Les bons portraits ne font pas plus que des paramètres. Ils concernent la connexion, la vision et la capacité de capturer quelque chose de réel et de significatif.