Étape 1:Conceptualisation et planification
C'est sans doute l'étape la plus cruciale. Avant même de prendre votre appareil photo, passez du temps à réfléchir. Un concept fort sépare un bon portrait d'un véritable * créatif *.
* 1.1. Définissez votre vision et votre récit:
* Demandez-vous: Quelle histoire voulez-vous raconter? Quelle humeur voulez-vous évoquer? Qu'est-ce qui rend ce portrait différent? Visez-vous surréaliste, à style documentaire, à haute couture, fantastique ou autre chose?
* Développez un récit: Même si c'est simple, avoir un récit aide à informer tous vos autres choix. Peut-être que c'est "une femme qui reprend son pouvoir", "un musicien perdu dans ses pensées" ou "l'aventure fantaisiste d'un enfant".
* Inspiration: Regardez l'art, les films, les magazines de mode, le travail des autres photographes (mais ne copiez pas directement), et même la nature. Créez un tableau d'humeur (physique ou numérique) avec des images qui résonnent avec votre vision. Les sites Web de Pinterest, Instagram et de l'histoire de l'art sont d'excellentes ressources.
* 1.2. Choisissez votre sujet:
* Sélection du modèle: Avez-vous une personne spécifique à l'esprit ou avez-vous besoin de trouver quelqu'un? Considérez leur personnalité, leur apparence et leur volonté de collaborer. Un modèle confortable devant la caméra est inestimable. Pour des portraits plus créatifs, quelqu'un qui est prêt à expérimenter des poses ou de l'expression est vital.
* Collaboration: Parlez à votre sujet de votre vision. Expliquez l'histoire que vous souhaitez raconter et obtenir leur avis. La collaboration mène à des portraits plus authentiques et engageants.
* 1.3. Scoutisme de localisation:
* pertinence: Comment l'emplacement contribue-t-il à votre récit? Un bâtiment en ruine, une forêt dynamique, un studio minimaliste - l'emplacement ajoute du contexte.
* lumière: Observez la lumière à différents moments de la journée. Est-ce dur et direct, doux et diffusé, ou dramatique et directionnel? Pensez à la façon dont la lumière affectera l'humeur de votre portrait.
* Accessibilité et permis: Si vous tirez sur une propriété privée ou un espace public qui nécessite un permis, obtenez la permission à l'avance.
* Emplacement de sauvegarde: Ayez toujours un plan de sauvegarde en cas de temps ou de circonstances imprévues.
* 1.4. Garde-robe et style:
* complétez le concept: Les vêtements, les cheveux et le maquillage devraient soutenir l'histoire que vous racontez. Une robe fluide dans un champ balayé par le vent dit quelque chose de différent d'une veste en cuir dans une ruelle sombre.
* Palette de couleurs: Choisissez des couleurs qui se complètent et améliorent l'humeur. Considérez la théorie des couleurs - Les couleurs chaudes sont des couleurs énergiques et froides sont apaisantes, etc.
* Détails: Faites attention aux petits détails comme les bijoux, les accessoires et même les ongles du modèle. Ces détails peuvent ajouter de la personnalité et de l'intérêt visuel.
* Maquillage: Le maquillage professionnel peut faire une énorme différence. Même le maquillage naturel peut améliorer les caractéristiques et même le teint. Si vous le faites vous-même, pratiquez-vous à l'avance!
* cheveux: Semblable au maquillage, le coiffure devrait contribuer à l'apparence générale.
* 1.5. Accessoires et conception de set (facultatif):
* Objectif: Les accessoires devraient améliorer l'histoire, pas en distrayant. Un seul accessoire significatif peut être plus efficace qu'un ensemble encombré.
* Construction ou source: Si vous construisez un ensemble, planifiez le processus de construction bien à l'avance. Si vous approchez des accessoires, assurez-vous qu'ils sont en bon état et correspondent à votre vision.
* Sécurité: Prioriser toujours la sécurité lors de l'utilisation d'accessoires, surtout s'ils impliquent le feu, l'eau ou les objets tranchants.
* 1.6. Liste des tirs et idées de pose:
* Planifiez vos photos: Créez une liste de tirs avec des poses, des angles et des compositions spécifiques à l'esprit. Cela vous aide à rester organisé pendant le tournage.
* La recherche pose: Regardez les références en ligne en ligne, mais n'ayez pas peur d'expérimenter et de créer la vôtre. Considérez le type de corps et la personnalité du modèle.
* Communiquez: Communiquez clairement vos idées de pose au modèle. Montrez-leur des exemples si nécessaire.
* Mouvement: Incorporez le mouvement dans vos poses pour ajouter du dynamisme et de l'énergie.
Étape 2:Exécution (la séance photo)
Maintenant que vous avez tout planifié, il est temps de donner vie à votre vision.
* 2.1. Paramètres de la caméra:
* ouverture: Utilisez une large ouverture (par exemple, f / 2,8, f / 4) pour une profondeur de champ peu profonde et pour brouiller le fond, en mettant l'accent sur le sujet. Utilisez une ouverture plus petite (par exemple, f / 8, f / 11) si vous voulez plus de la scène au point.
* vitesse d'obturation: Choisissez une vitesse d'obturation suffisamment rapide pour geler le mouvement (1 / 100e de seconde ou plus rapide est généralement un bon point de départ). Si vous utilisez une vitesse d'obturation lente, utilisez un trépied pour éviter le flou.
* ISO: Gardez l'ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez l'ISO uniquement lorsque cela est nécessaire pour maintenir une exposition appropriée.
* Mode de mesure: Utilisez la mesure évaluative / matrice pour obtenir une exposition équilibrée. Vous devrez peut-être utiliser la compensation d'exposition pour affiner l'exposition.
* Mode de mise au point: Utilisez la mise au point automatique en un seul point pour vous assurer que les yeux du sujet sont nets. Envisagez d'utiliser la mise au point automatique continue si votre sujet se déplace.
* Balance des blancs: Réglez la balance des blancs pour correspondre aux conditions d'éclairage (par exemple, lumière du jour, nuageuse, tungstène).
* 2.2. Techniques d'éclairage:
* lumière naturelle:
* Hour d'or: L'heure après le lever du soleil et l'heure avant le coucher du soleil offrent une lumière douce et chaude.
* Open Shade: Le tir à l'ombre par une journée ensoleillée offre une lumière diffusée et diffuse.
* Réflecteurs: Utilisez des réflecteurs pour faire rebondir la lumière sur votre sujet et remplir les ombres.
* lumière artificielle (stroboscopes / flashs):
* Configuration d'une lumière: Commencez par une lumière et un réflecteur pour apprendre les bases.
* Configuration à deux lumières: Utilisez une lumière clé pour éclairer le sujet et une lumière de remplissage pour adoucir les ombres.
* Modificateurs: Utilisez des boîtes à soft, des parapluies ou des plats de beauté pour modifier la lumière et créer différents effets.
* Éclairage créatif: Utilisez des gels pour ajouter de la couleur, des gobos pour créer des motifs ou des snots pour concentrer la lumière.
* Éclairage mixte: La combinaison de la lumière naturelle et artificielle peut créer des effets intéressants. Apprenez à équilibrer les deux sources lumineuses.
* 2.3. Composition et cadrage:
* Règle des tiers: Placer les éléments clés du portrait le long des lignes ou aux intersections de la Grille des tiers.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans l'environnement pour attirer l'œil du spectateur vers le sujet.
* symétrie: Créez des compositions symétriques pour un sentiment d'équilibre et d'ordre.
* Espace négatif: Utilisez un espace négatif pour isoler le sujet et créer un sentiment de calme ou de mystère.
* cadrage: Utilisez des éléments dans l'environnement pour encadrer le sujet et ajouter de la profondeur à l'image.
* angles: Expérimentez avec différents angles pour créer différentes perspectives. La prise de vue sous un angle bas peut rendre le sujet puissant, tandis que le tir sous un angle élevé peut les rendre vulnérables.
* 2.4. Posant et direction:
* Communication: Communiquez clairement vos idées de pose au modèle. Montrez-leur des exemples si nécessaire.
* relaxation: Aidez le modèle à se détendre et à se sentir à l'aise. Parlez-leur, jouez de la musique et créez une atmosphère positive.
* Micro-ajustements: Faites de petits ajustements à la pose du modèle pour améliorer la composition et l'expression. Faites attention à leurs mains, leurs pieds et leur expression faciale.
* Mouvement: Incorporez le mouvement dans vos poses pour ajouter du dynamisme et de l'énergie. Faites marcher le modèle, danser ou simplement déplacer leur poids.
* Authenticité: Encouragez le modèle à exprimer leur propre personnalité et leurs émotions. Capturez des moments authentiques plutôt que des poses forcées.
* 2.5. Variations de capture:
* différents angles: Tirez des perspectives hautes, basses et de niveau oculaire.
* Expressions différentes: Demandez au modèle de transmettre différentes émotions.
* différentes poses: Essayez différentes poses pour voir ce qui fonctionne le mieux.
* Différentes compositions: Expérimentez avec différents cadrages et recadrage.
* Focus sur les détails: Capturez les gros plans des yeux, des mains ou d'autres détails intéressants du modèle.
Étape 3:Post-traitement (édition)
Le post-traitement est l'endroit où vous affinez l'image et améliorez votre vision créative.
* 3.1. Logiciel:
* Adobe Lightroom: Norme de l'industrie pour l'organisation, le traitement et le développement de fichiers bruts.
* Adobe Photoshop: Puissant pour l'édition, la retouche et la création de composites avancés.
* capture un: Un autre processeur brut populaire avec un excellent rendu de couleur.
* 3.2. Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants: Ajustez la luminosité des zones les plus brillantes.
* ombres: Ajustez la luminosité des zones les plus sombres.
* Blancs: Réglez le point blanc dans l'image.
* Noirs: Réglez le point noir dans l'image.
* Clarity: Ajouter ou supprimer le contraste de mi-ton.
* Vibrance / saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Balance des blancs: Affiner la balance des blancs.
* Corrections de l'objectif: Correction de la distorsion de l'objectif et de l'aberration chromatique.
* 3.3. Retouching:
* Retouchage de la peau: Retirez les imperfections, la texture lisse de la peau et réduisez les rides. Soyez subtil - Évitez de donner à la peau une apparence en plastique ou contre nature.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et ajoutez des feux de rattrapage.
* esquiver et brûler: Éclairer et assombrir des zones spécifiques pour améliorer le contraste et créer de la profondeur.
* Séparation de fréquence: Une technique plus avancée pour séparer les couleurs et la texture pour une retouche plus précise.
* 3.4. Ajustements créatifs:
* Gradage des couleurs: Ajustez les couleurs de l'image pour créer une humeur ou un style spécifique. Utilisez des outils de classement des couleurs pour ajuster la teinte, la saturation et la luminance de différentes gammes de couleurs.
* Ajout de grains: Ajoutez du grain de film pour donner à l'image un aspect vintage ou texturé.
* vignet: Ajoutez une vignette pour assombrir les bords de l'image et dessinez l'œil du spectateur vers le sujet.
* Filtres: Utilisez des filtres pour créer des effets différents, comme un look vintage, un look rêveur ou un look dramatique.
* 3.5. Affûtage et exportation:
* Affûtage: Aiguisez l'image pour contrer toute douceur introduite lors de l'édition. Faites attention à ne pas sur-sharpen, car cela peut créer des artefacts indésirables.
* Paramètres d'exportation: Choisissez les paramètres d'exportation appropriés pour votre utilisation prévue (par exemple, Web, imprimer). Utilisez un JPEG haute résolution pour l'impression et un JPEG plus petit pour le Web.
Considérations clés pour * créatives * portraits:
* enfreindre les règles: Bien que la compréhension des règles de la photographie soit importante, n'ayez pas peur de les briser. Expérimentez avec des compositions non conventionnelles, l'éclairage et la pose.
* Éléments abstraits: Incorporez des formes, des modèles ou des textures abstraits pour ajouter un intérêt visuel et une intrigue.
* Double exposition: Combinez deux images ou plus pour créer un effet surréaliste ou onirique.
* surréalisme: Embrassez le surréalisme en incorporant des éléments inattendus ou en créant des scénarios illogiques.
* Expérimentez les textures: Overlay les textures sur vos portraits pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt visuel. Utilisez des textures qui complètent l'humeur et le style de l'image.
* Embrasser l'imperfection: N'ayez pas peur de partir dans certaines imperfections. Parfois, les imperfections sont ce qui rend un portrait unique et authentique.
* Apprenez des autres, mais trouvez votre propre voix: Étudiez le travail d'autres photographes, mais ne copiez pas simplement leur style. Développez votre propre vision et approche uniques.
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous vous entraînez, mieux vous deviendrez. N'ayez pas peur d'expérimenter et de faire des erreurs. Chaque erreur est une opportunité d'apprentissage.
En résumé, la photographie de portrait créative est un mélange de compétences techniques, de vision artistique et de volonté d'expérimenter. En suivant ces étapes et en poussant continuellement vos limites, vous pouvez créer des portraits étonnants et uniques qui racontent une histoire et capturent l'essence de votre sujet. Bonne chance, et amusez-vous!