i. Planification et préparation (le fondement de la créativité)
C'est sans doute la partie la plus cruciale. Les portraits créatifs nécessitent souvent plus de réflexion que ceux traditionnels.
1. Définissez votre concept / thème:
* quelle histoire voulez-vous raconter? Pensez aux émotions, aux idées ou au récit que vous souhaitez transmettre. Est-ce fantaisiste, surréaliste, énervé, onirique, puissant, vulnérable, inspiré de vintage, futuriste, etc.? Avoir un concept clair garde tout concentré.
* Inspiration: Parcourez des livres de photographie, des magazines, des sites Web (500px, Behance, Pinterest, Instagram) et des galeries d'art pour l'inspiration. Mais ne vous contentez pas de copier - utilisez-le comme tremplin pour vos propres idées. Pensez également à regarder d'autres formes d'art comme la peinture, le film ou même la musique.
* public cible (facultatif): Si c'est pour un projet spécifique, considérez qui vous essayez d'atteindre.
2. Sélection et collaboration du modèle:
* le bon ajustement: Choisissez un modèle dont le look, la personnalité et l'expérience s'alignent sur votre concept. N'ayez pas peur de jeter des modèles non conventionnels!
* Communiquez votre vision: Expliquez clairement votre concept, votre plan d'humeur et vos poses attendues au modèle. Discutez de la garde-robe, du maquillage et des cheveux. Plus votre modèle comprend le concept, mieux ils peuvent l'incarner.
* Release du modèle: Si vous avez l'intention d'utiliser les images à des fins commerciales (vente d'impressions, publicité, etc.), obtenez un formulaire de version de modèle signé.
* Collaboration: Encouragez le modèle à contribuer leurs propres idées. Le portrait est souvent un processus collaboratif.
3. Scoutisme et sélection de l'emplacement:
* Faites correspondre le thème: L'emplacement devrait compléter votre concept. Considérez les environnements urbains, les paysages naturels, les zones industrielles, les intérieurs uniques ou même un studio.
* Considérations d'éclairage: Observez la lumière à différents moments de la journée à votre emplacement choisi. Comment la lumière interagit-elle avec l'environnement? Aurez-vous besoin de compléter avec une lumière artificielle?
* Permission et permis: Si vous tirez sur une propriété privée ou dans un espace public qui nécessite un permis, obtenez les autorisations nécessaires à l'avance.
* backsftrops (studio): Si vous tournez dans un studio, envisagez d'utiliser des décors texturés, du papier coloré ou du tissu pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt visuel.
4. Armoire, cheveux et maquillage:
* Alignement du concept: La garde-robe doit être soigneusement choisie pour soutenir le concept. Considérez les palettes de couleurs, les tissus, les textures et les styles.
* Aide professionnelle: Si possible, embauchez un maquilleur professionnel (MUA) et un coiffeur. Ils peuvent élever l'apparence et s'assurer qu'il complète l'éclairage et l'esthétique globale.
* Options de bricolage: Si vous avez un budget, le maquillage de recherche et les tutoriels de cheveux qui correspondent à votre look souhaité. Envisagez de faire en sorte que le modèle se maquille avec des conseils.
* Les détails comptent: Faites attention aux accessoires, aux bijoux et même au vernis à ongles. Ces petits détails peuvent ajouter à l'impact global.
5. Plan d'éclairage:
* lumière naturelle: Utilisez des réflecteurs pour faire rebondir la lumière et remplir les ombres. Envisagez d'utiliser des diffuseurs pour adoucir la lumière du soleil. Golden Hour (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) fournit une lumière chaude et flatteuse. Les jours couverts offrent un éclairage doux, voire.
* Lumière artificielle (studio / sur place):
* stroboscopes / flashs: Fournir une lumière puissante et contrôlable. Utilisez des modificateurs comme les boîtes aux soft, les parapluies, les plats de beauté et les grilles pour façonner la lumière.
* Éclairage continu (LED, etc.): Plus facile de voir l'effet de la lumière en temps réel.
* Ratios d'éclairage: Expérimentez avec différents rapports d'éclairage pour créer l'humeur et la profondeur. Un rapport plus élevé (plus de contraste) peut créer un aspect spectaculaire, tandis qu'un rapport inférieur (moins de contraste) peut créer un aspect plus doux.
* gels de couleur: Utilisez des gels colorés pour ajouter des moulages de couleurs créatifs et de l'humeur à votre configuration d'éclairage.
6. accessoires et accessoires:
* ajouts significatifs: Les accessoires doivent améliorer l'histoire et ne pas distraire du sujet.
* Éléments conceptuels: Pensez au-delà de l'évidence. Pensez à utiliser des objets qui représentent la personnalité, les rêves ou les luttes du modèle.
* accessoires de bricolage: Soyez créatif et faites vos propres accessoires. Cela peut ajouter une touche unique et personnelle à vos images.
7. Mood Board:
* Guide visuel: Créez une planche d'humeur avec des images inspirantes, des palettes de couleurs, des idées de garde-robe et des références de pose. Partagez cela avec votre modèle, votre MUA et votre coiffeur. Pinterest est un excellent outil pour cela.
ii. Tir (capturer la magie)
1. Paramètres de la caméra:
* ouverture: Choisissez une ouverture qui crée la profondeur de champ souhaitée. Une large ouverture (par exemple, f / 1.8, f / 2.8) créera une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et isolant le sujet. Une ouverture plus petite (par exemple, f / 8, f / 11) créera une plus grande profondeur de champ, en gardant plus d'image en vue.
* vitesse d'obturation: Utilisez une vitesse d'obturation suffisamment rapide pour empêcher le flou de mouvement. En règle générale, utilisez une vitesse d'obturation qui est au moins l'inverse de votre distance focale (par exemple, si vous utilisez un objectif de 50 mm, utilisez une vitesse d'obturation d'au moins 1 / 50e de seconde).
* ISO: Gardez l'ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez l'ISO uniquement lorsque cela est nécessaire pour maintenir une exposition appropriée.
* Balance des blancs: Réglez la balance des blancs pour correspondre aux conditions d'éclairage. Utilisez un paramètre de balance blanc personnalisé pour les couleurs les plus précises.
* Mode de prise de vue: Le mode priorité d'ouverture (AV ou A) est un bon choix pour la photographie de portrait, car il vous permet de contrôler la profondeur de champ tandis que la caméra ajuste automatiquement la vitesse d'obturation. Le mode manuel (M) vous donne un contrôle total sur tous les paramètres.
* Mode de mise au point: Utilisez la mise au point automatique à point unique (AF-S ou One-Shot) pour les sujets statiques et l'autofocus continu (AF-C ou AI Servo) pour les sujets en mouvement. Concentrez-vous sur les yeux du sujet.
2. posant et expression:
* Direct &Guide: Fournir des instructions de pose claire et concise.
* poses naturelles: Visez des poses qui semblent naturelles et confortables. Évitez les poses raides ou maladroites.
* Expérimentation: N'ayez pas peur d'essayer différentes poses et angles.
* Connexion: Encouragez le modèle à se connecter avec la caméra. Une véritable expression peut faire une énorme différence.
* enfreindre les règles: Une fois que vous comprenez les «règles» de la pose, n'hésitez pas à les briser pour créer des images plus uniques et dynamiques. Considérez les angles, les perspectives et les compositions inhabituelles.
* Placement des mains: Faites attention au placement des mains. Les mains peuvent être une distraction si elles ne sont pas bien posées. Évitez de laisser le modèle aplatir leurs mains contre leur corps, car cela peut les rendre plus grands.
* langage corporel: Faites attention au langage corporel du modèle. Encouragez-les à utiliser leur corps pour transmettre l'émotion.
* Communication constante: Continuez à parler à votre modèle tout au long du tournage. Donnez-leur des commentaires positifs et des encouragements.
3. Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en tiers horizontalement et verticalement, et placez les éléments clés dans ce sens ou à leurs intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* Espace négatif: Utilisez un espace négatif (zones vides dans le cadre) pour créer un sentiment d'équilibre et attirer l'attention sur le sujet.
* cadrage: Utilisez des éléments dans la scène pour encadrer le sujet. Cela peut ajouter de la profondeur et de l'intérêt visuel.
* symétrie et motifs: Recherchez des opportunités d'utiliser la symétrie et les modèles dans vos compositions.
* Close-ups vs plans larges: Variez vos compositions en prenant à la fois des plans rapprochés et des photos plus larges qui montrent plus de l'environnement.
* angle de vue: Expérimentez avec différents angles de vue. Le tir sous un angle bas peut rendre le sujet puissant, tandis que le tir sous un angle élevé peut les rendre vulnérables.
4. techniques créatives pendant le tournage:
* Double exposition: Combinez deux images ou plus à la caméra pour créer un effet surréaliste.
* Flare d'objectif: Créez intentionnellement une évasion de la lentille en tirant vers le soleil.
* Blur de mouvement: Utilisez une vitesse d'obturation lente pour créer un flou de mouvement.
* Focus sélectif: Utilisez une large ouverture pour créer une profondeur de champ peu profonde et isoler le sujet.
* Réflexions: Utilisez des réflexions dans des miroirs, de l'eau ou d'autres surfaces pour créer des effets intéressants.
* prismes: Tenez un prisme devant votre objectif pour créer des effets de lumière réfractés.
* Filtres: Utilisez des filtres (par exemple, des filtres ND, des filtres polarisants, des filtres de couleur) pour modifier l'apparence de vos images. Vous pouvez également acheter des filtres à effet spécial.
5. L'expérimentation est la clé:
* N'ayez pas peur d'échouer: La photographie créative consiste à repousser les limites et à essayer de nouvelles choses. Toutes les expériences ne réussiront pas, mais vous apprendrez de vos erreurs.
* enfreindre les règles: Une fois que vous comprenez les règles de base de la photographie, n'ayez pas peur de les briser pour créer des images plus uniques et intéressantes.
iii. Post-traitement (améliorant et raffinage)
1. Logiciel:
* Adobe Photoshop: La norme de l'industrie pour la modification photo.
* Adobe Lightroom: Excellent pour organiser et modifier de grands lots de photos.
* capture un: Une alternative populaire à Lightroom, connue pour son rendu de couleur.
* gimp (gratuit): Un puissant éditeur d'image open source.
2. Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique.
* Clarity: Ajouter ou réduire le contraste de mi-ton.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Balance des blancs: Affinez l'équilibre du blanc pour assurer des couleurs précises.
3. Retouching:
* Retouchage de la peau:
* Séparation de fréquence: Une technique populaire pour lisser la peau tout en conservant la texture.
* Brosse de guérison et tampon de clone: Retirez les imperfections et les imperfections.
* Dodge &Burn: Éclaircir et assombrir subtilement les zones pour sculpter le visage et ajouter une dimension.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et égayez les blancs.
* Retouching de cheveux: Retirez les poils errants et ajoutez du volume.
4. Ajustements créatifs:
* Gradage des couleurs: Utilisez le classement des couleurs pour créer une humeur ou une atmosphère spécifique. Expérimentez avec différentes palettes de couleurs et tons.
* Couleur sélective: Isoler des couleurs spécifiques et ajuster leur teinte, leur saturation et leur luminance.
* Ajout de textures et de superpositions: Ajoutez des textures et des superpositions pour créer un look plus artistique.
* Filtres et préréglages: Utilisez des filtres et des préréglages pour appliquer rapidement un aspect spécifique. Cependant, veillez à ne pas en faire trop.
* Ajout de grains: Ajoutez une petite quantité de grain pour donner à l'image un aspect semblable à un film.
* vignet: Ajoutez une vignette subtile pour attirer l'attention sur le sujet.
5. Affûtage:
* Affûtage pour l'impression vs Web: Aiguisez l'image de manière appropriée pour son utilisation prévue. Les images qui seront imprimées nécessitent généralement plus d'aiguisant que les images qui seront visualisées sur le Web.
6. Sortie:
* Format de fichier: Enregistrez l'image dans le format de fichier approprié (par exemple, JPEG pour le Web, TIFF pour imprimer).
* Résolution: Enregistrez l'image à la résolution appropriée pour son utilisation prévue.
* espace colorimétrique: Enregistrez l'image dans l'espace colorimétrique approprié (par exemple, SRGB pour le Web, Adobe RVB pour imprimer).
Les principaux plats pour la créativité:
* enfreignez les règles, mais connaissez-les d'abord: Comprendre les principes fondamentaux vous permet de dévier intentionnellement et efficacement.
* Racontez une histoire: Chaque portrait créatif devrait avoir un récit, aussi subtil.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses. C'est là que la magie se produit!
* Pratique: Plus vous vous entraînez, mieux vous deviendrez pour voir et créer des portraits créatifs.
* Critiquez votre propre travail: Analysez vos images et identifiez les zones d'amélioration.
* Trouvez votre style: N'ayez pas peur de développer votre propre style unique. Cela prend du temps, mais c'est ce qui vous distinguera.
* Restez inspiré: Continuez à regarder le travail des autres photographes et restez curieux.
En suivant ces étapes et en explorant continuellement votre vision créative, vous pouvez créer une photographie de portrait étonnante et mémorable qui se démarque de la foule. Bonne chance, et amusez-vous!