* Planification et préparation
* Éclairage
* Composition
* posant et expression
* Gear
* post-traitement
Scénario 1:Golden Hour Outdoor Portrait - Lumière douce et naturelle
* Le but: Un portrait doux et romantique avec des tons chauds utilisant la lumière naturelle.
* Planification et préparation:
* heure de la journée: Je savais que l'heure d'or (l'heure avant le coucher du soleil) fournirait la lumière la plus douce et la plus flatteuse. J'ai utilisé une application météorologique pour identifier l'heure exacte du coucher du soleil et j'ai prévu d'arriver à l'emplacement environ une heure à l'avance pour éclairer et préparer. Important:l'heure d'or change radicalement en fonction de la période de l'année et de l'emplacement.
* Scoutisme de localisation: J'ai prévisé l'emplacement (un champ avec des fleurs sauvages) quelques jours auparavant. J'ai cherché des zones où le soleil serait diffusé ou en rétrofilater le sujet. Je voulais spécifiquement une teinte ouverte et des options de rétro-éclairage.
* Consultation de la garde-robe: J'ai parlé avec le sujet des choix de vêtements. J'ai suggéré des tissus légers et fluide dans des tons terreux (crèmes, bruns, légumes verts mous) pour compléter l'environnement naturel. Évité quoi que ce soit trop brillant ou distrayant.
* Concept / Mood Board: J'ai créé un simple tableau d'humeur avec des images de portraits similaires à partager avec le sujet. Cela aide à les mettre dans le bon état d'esprit et à visualiser le résultat final.
* équipement:
* caméra: Mon fidèle reflex numérique complet (Canon 5D Mark IV)
* Lens: Un objectif de premier ordre rapide:85 mm f / 1,8 (abordable, pointu et crée un beau bokeh)
* réflecteur (5-en-1): Un incontournable pour rebondir la lumière et remplir des ombres.
* Facultatif: Un petit diffuseur portable si le soleil était trop dur.
* Éclairage:
* La lumière naturelle est la clé: J'ai positionné le sujet pour que le soleil couchant soit * derrière * eux (rétro-éclairage). Cela a créé une belle lumière de jante autour de leurs cheveux et de leurs épaules.
* Utilisation du réflecteur: J'ai utilisé le réflecteur (côté blanc) pour faire rebondir une partie du soleil sur le visage du sujet, remplissant des ombres dures. Un assistant était essentiel pour tenir le réflecteur à l'angle correct. Expérimentez la position du réflecteur pour voir comment la lumière change. Parfois, un léger ajustement d'angle fait une énorme différence.
* Exposition: J'ai compris les points forts sur le visage du sujet pour éviter de les époustoufler. J'étais à l'aise avec l'arrière-plan légèrement surexposé.
* Composition:
* Règle des tiers: J'ai souvent placé le sujet hors centre, en utilisant la règle des tiers pour une composition plus dynamique.
* lignes de tête: J'ai utilisé les lignes naturelles du champ et les fleurs sauvages pour diriger l'œil du spectateur vers le sujet.
* Profondeur de champ: J'ai tourné grand ouvert à f / 1.8 pour créer une profondeur de champ peu profonde, brouillant l'arrière-plan et isoler le sujet.
* cadrage: J'ai expérimenté l'utilisation des fleurs sauvages au premier plan comme cadre naturel.
* posant et expression:
* La relaxation est la clé: J'ai passé les premières minutes à parler au sujet pour les aider à se détendre. Un sujet détendu se traduit par une expression plus naturelle et authentique.
* Guide douce: J'ai fourni de doux conseils sur la pose, en me concentrant sur les mouvements naturels et les expressions. J'ai suggéré qu'ils ont l'air légèrement hors caméra ou interagissent avec l'environnement (par exemple, touchant doucement une fleur).
* Micro-ajustements: Faites attention aux petits détails. Une légère inclinaison de la tête, un changement de poids ou un changement de position de la main peut faire une énorme différence.
* "Squinch": J'ai souvent mes sujets qui plissent légèrement leurs yeux ("squinch"), ce qui les rend plus confiants et engagés.
* respiration: Rappelez le sujet à respirer! Retenir leur souffle les rend raides.
* Paramètres de la caméra:
* ouverture: f / 1.8 (pour une profondeur de champ peu profonde)
* vitesse d'obturation: 1/200 - 1/500 (ajusté pour maintenir une bonne exposition, en considérant la lumière du soleil)
* ISO: Maintenu aussi bas que possible (ISO 100-400) pour minimiser le bruit.
* Mode de prise de vue: Priorité de l'ouverture (AV) - Je contrôle l'ouverture et la caméra gère la vitesse d'obturation.
* Mode de mise au point: Automatique à point unique (AF-S ou One-Shot) - J'ai soigneusement sélectionné un point de mise au point sur l'œil du sujet.
* post-traitement (Lightroom):
* Balance des blancs: Ajusté pour réchauffer légèrement les tons.
* Exposition: Ajusté pour atteindre la luminosité souhaitée.
* Contraste: Légèrement réduit pour maintenir un look doux et rêveur.
* Highlights / Shadows: Ajusté pour récupérer les détails dans les points forts et les ombres.
* Gradage des couleurs: Ajustements subtils aux teintes de couleur pour améliorer les tons chauds. J'ai peut-être utilisé la tonification divisée pour ajouter une touche de chaleur aux points forts et à la fraîcheur aux ombres.
* Affûtage: Appliqué une petite quantité d'aiguisation.
* Réduction du bruit: Appliqué une légère quantité de réduction du bruit si nécessaire.
* Retouchage de la peau (Photoshop si nécessaire): Les imperfections mineures ont été enlevées, mais je visais à garder la peau naturelle.
* esquiver et brûler: Esquive et brûlure subtiles pour améliorer la lumière et les ombres.
Les principaux plats du scénario 1:
* La lumière est primordiale. Golden Hour offre la lumière la plus flatteuse pour les portraits en plein air.
* Un réflecteur est essentiel pour remplir les ombres et l'ajout de dimension.
* La communication et la relaxation sont essentielles pour capturer les expressions naturelles.
* Les ajustements de posing subtils peuvent faire une grande différence.
* Le post-traitement doit améliorer l'image, ne le modifie pas radicalement.
Scénario 2:Portrait de studio - Éclairage contrôlé pour le théâtre
* Le but: Un portrait dramatique et à contraste élevé avec une sensation de mauvaise humeur.
* Planification et préparation:
* Concept: L'idée était de créer un portrait de style cinématographique rappelant le film noir. Nous avons discuté de la sensation générale (sérieuse, mystérieuse) avec le sujet.
* Armoire: Vêtements noirs (col roulé noir) pour souligner les ombres et l'humeur.
* Background: Une toile de fond en papier sans couture gris foncé.
* équipement:
* caméra: DSLR complet (Canon 5D Mark IV)
* Lens: 50 mm f / 1,4 (polyvalent, pointu et idéal pour les portraits)
* stroboscopes: Deux stroboscopes de studio (Profoto B10 Plus).
* Modificateurs:
* Lumière clé: Un petit octabox (environ 24 pouces) pour fournir une lumière directionnelle focalisée.
* Remplir la lumière: Une carte de réflecteur en argent pour faire rebondir une petite quantité de lumière dans l'ombre.
* Éclairage:
* Lumière clé: Positionné légèrement sur le côté et au-dessus du sujet, incliné vers le bas pour créer des ombres sur le visage. Cela crée un motif d'éclairage de portrait classique (éclairage Rembrandt).
* Remplir la lumière: La carte de réflecteur argenté s'est placée en face de la lumière clé pour remplir les ombres et ajouter une certaine dimension. L'argent offre un remplissage un peu plus dur et plus dramatique par rapport à un réflecteur blanc.
* pas de lumière de fond: L'arrière-plan a été laissé sombre pour améliorer davantage l'ambiance.
* Paramètres d'alimentation: A soigneusement ajusté la puissance de la lumière clé et la position du réflecteur pour atteindre le contraste souhaité. L'expérimentation est la clé.
* Composition:
* Framinage serré: Craqué près du visage du sujet pour souligner leur expression.
* Composition centrée: Dans ce cas, une composition centrée a bien fonctionné pour transmettre un sentiment de force et d'intensité.
* Contact oculaire: Les yeux du sujet étaient le point focal. Je voulais qu'ils soient nets et engageants.
* posant et expression:
* regard direct: Le sujet a regardé directement dans la caméra avec une expression sérieuse.
* Expressions subtiles: A encouragé des variations subtiles d'expression (un léger changement dans l'ensemble de la mâchoire, un sillon subtil du front) pour capturer une gamme d'émotions.
* langage corporel: Le sujet était positionné avec une forte posture et un sentiment de confiance.
* Paramètres de la caméra:
* ouverture: f / 2.8 (pour maintenir la netteté tout en créant un peu de flou d'arrière-plan)
* vitesse d'obturation: 1/200 (vitesse de synchronisation pour les stroboscopes)
* ISO: ISO 100 (pour minimiser le bruit)
* Mode de prise de vue: Mode manuel (M) - Contrôle complet sur l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO. Ceci est essentiel pour le travail en studio.
* Balance des blancs: Réglé à la température de couleur des stroboscopes (généralement environ 5500k).
* post-traitement (Lightroom et Photoshop):
* Balance des blancs: Ajusté pour atteindre la température de couleur souhaitée.
* Exposition / contraste: Ajusté pour améliorer le contraste et le drame.
* Highlights / Shadows: Ajusté soigneusement pour équilibrer la lumière et les ombres.
* esquiver et brûler: Esprit et brûlant étendues pour sculpter le visage et améliorer les ombres. L'accent mis sur la définition des pommettes et de la mâchoire.
* Retouchage de la peau (Photoshop): Une retouche pour la peau plus étendue pour créer un look poli et poli (tout en maintenant une texture).
* Affûtage: Appliqué une quantité modérée d'aiguise.
* Conversion en noir et blanc (facultatif): A expérimenté la conversion de l'image en noir et blanc pour améliorer encore l'humeur.
Les principaux plats du scénario 2:
* L'éclairage du studio fournit un contrôle complet sur la lumière.
* Comprendre les modèles d'éclairage (comme l'éclairage Rembrandt) est crucial.
* Les modificateurs façonnent la lumière et affectent l'humeur du portrait.
* La pose et l'expression sont essentielles pour transmettre l'émotion souhaitée.
* Le post-traitement joue un rôle important dans la réalisation d'un look raffiné et dramatique.
Conseils généraux applicables aux deux scénarios (et au-delà):
* Shoot au format brut: Les fichiers bruts capturent plus de données, vous offrant une plus grande flexibilité dans le post-traitement.
* Utilisez une carte grise pour une balance blanche précise: Particulièrement important en studio.
* Nettoyez votre objectif: Un objectif sale peut ruiner un coup par ailleurs parfait.
* sauvegardez vos images: Perdre votre travail est déchirant.
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Étudiez d'autres photographes: Apprenez des Masters. Analysez leur éclairage, leur composition et leur pose.
* Développez votre propre style: Expérimentez et trouvez ce qui fonctionne pour vous.
* Communiquez avec votre sujet: Créez des relations et mettez-les à l'aise. C'est peut-être la compétence la plus importante de toutes!
* N'ayez pas peur d'expérimenter: Essayez de nouvelles choses et repoussez vos limites.
* Amusez-vous! Si vous n'appréciez pas le processus, cela se présentera dans votre travail.
au-delà des bases:
* portraits environnementaux: Portraits qui montrent le sujet dans leur environnement naturel.
* portraits candides: Portraits non testés qui capturent des moments spontanés.
* portraits de groupe: Portraits de plusieurs personnes, nécessitant une planification et une pose minutieuses.
* autoportraits: Un excellent moyen d'expérimenter et de développer vos compétences.
* Portraits d'exposition à long terme: En utilisant des vitesses d'obturation lentes pour créer un flou de mouvement ou d'autres effets.
* portraits à double exposition: Combinant deux images pour créer un effet surréaliste.
Ce n'est qu'un point de départ. La photographie de portrait est un domaine vaste et enrichissant. La clé est de continuer à apprendre, de continuer à expérimenter et de continuer à pratiquer. Bonne chance!