i. Planification et préparation:
* Concept et vision:
* quelle histoire voulez-vous raconter? S'agit-il de force, de vulnérabilité, de joie, de mystère, etc.? Définir l'émotion ou le récit.
* quelle est l'humeur souhaitée? Léger et aéré? Sombre et de mauvaise humeur? Espiègle?
* Inspiration: Regardez les portraits par des photographes que vous admirez. Analysez ce que vous aimez chez eux. Ne copiez pas, mais laissez-le inspirer votre propre approche. Des sites comme 500px, Instagram et Behance sont de grandes ressources.
* Développez une liste de tirs ou un tableau d'humeur (facultatif mais utile): Les indices visuels peuvent vous aider, vous et votre sujet, à rester sur la bonne voie.
* Sujet:
* Relation: Connaître votre sujet aide bien. Si c'est un étranger, prenez le temps de vous connecter avec eux avant de tirer. Expliquez votre vision.
* Comfort: Les rendre à l'aise. Un sujet détendu constitue un meilleur portrait. Discuter, plaisanter et fournir des commentaires positifs.
* Armoire: Discutez de la garde-robe avec votre sujet à l'avance. Considérez les couleurs, les motifs et comment ils correspondent au concept global. Évitez les éléments trop distrayants. Coordonner les choix de vêtements avec l'arrière-plan.
* Cheveux et maquillage: Décidez du niveau de cheveux et de maquillage. Naturel? Glamour? Envisagez une assistance professionnelle si nécessaire.
* Emplacement et arrière-plan:
* intérieur vs extérieur: Les deux offrent des avantages uniques.
* à l'intérieur: Contrôle sur l'éclairage et l'environnement.
* extérieur: Lumière naturelle et arrière-plans potentiellement intéressants, mais moins de contrôle sur les conditions météorologiques.
* Considérations d'arrière-plan:
* simplicité: Souvent, un fond simple est préférable pour éviter les distractions.
* Palette de couleurs: Choisissez un arrière-plan qui complète les vêtements et le teint du sujet.
* Profondeur de champ: Utilisez une profondeur de champ peu profonde (fond flou) pour isoler le sujet.
* pertinence: L'arrière-plan peut également ajouter à l'histoire (par exemple, un musicien dans un studio d'enregistrement).
* Équipement:
* caméra: DSLR, sans miroir ou même un smartphone (avec des limitations). La chose la plus importante est de comprendre les paramètres de votre appareil photo.
* objectifs:
* lentilles de portrait (50 mm, 85 mm, 135 mm): Ce sont des choix populaires en raison de leur perspective flatteuse et de leur capacité à créer une profondeur de champ peu profonde.
* lentilles zoom: Offrez la flexibilité mais peut ne pas avoir la même ouverture maximale que les objectifs Prime.
* Éclairage:
* lumière naturelle: Le soleil est votre ami (ou ennemi, selon l'heure de la journée). L'heure d'or (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) est idéale. Les jours couverts fournissent une lumière douce et diffuse.
* lumière artificielle:
* speedlights (flashs): Portable et polyvalent. Peut être utilisé à la caméra ou hors caméra.
* stroboscopes de studio: Plus puissant que les speedlights, idéal pour les paramètres de studio.
* Réflecteurs: Bouncez la lumière sur le sujet pour remplir les ombres.
* diffuseurs: Adoucir la lumière dure.
* trépied (facultatif): Utile pour les situations à faible luminosité ou lorsque vous souhaitez maintenir une composition spécifique.
ii. Paramètres et techniques de la caméra:
* ouverture:
* large ouverture (par exemple, f / 1,8, f / 2,8, f / 4): Crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant le fond et isolant le sujet. Idéal pour souligner le visage du sujet. Soyez prudent pour vous assurer que les yeux sont au point.
* ouverture plus étroite (par exemple, f / 8, f / 11): Une plus grande partie de l'image sera mise au point, y compris l'arrière-plan. Utile si vous voulez montrer le sujet dans leur environnement.
* vitesse d'obturation:
* suffisamment rapidement pour éviter le flou de mouvement: En règle générale, 1 / focale est un bon point de départ (par exemple, 1 / 50e de seconde avec un objectif de 50 mm). Augmentez la vitesse d'obturation si le sujet se déplace ou si vous tirez sur la main en basse lumière.
* ISO:
* Gardez-le aussi bas que possible (par exemple, ISO 100) pour minimiser le bruit: Augmentez l'ISO uniquement lorsque cela est nécessaire pour maintenir une exposition appropriée avec l'ouverture et la vitesse d'obturation choisies.
* Mode de mise au point:
* AF à point unique (AF-S ou One-Shot): Choisissez un seul point de mise au point et placez-le sur l'œil du sujet (généralement l'œil le plus proche de la caméra). Focus et recomposer si nécessaire.
* AF continu (AF-C ou AI Servo): Garde le sujet au foyer au fur et à mesure qu'ils bougent. Utile pour les prises de vue ou lorsque le sujet se balance légèrement.
* Mode de mesure:
* Meilleur évaluatif / matrice: La caméra analyse toute la scène et tente de fournir une exposition équilibrée.
* Spot Metering: Mètres la lumière uniquement dans une petite zone autour du point de mise au point. Utile pour des situations d'éclairage délicates.
* Balance des blancs:
* Auto White Balance (AWB): Fonctionne souvent bien, mais peut avoir besoin d'un ajustement, en particulier dans des conditions d'éclairage mixtes.
* Balance blanche prédéfinie: Choisissez le préréglage approprié (par exemple, lumière du jour, nuageux, fluorescent) pour les conditions d'éclairage.
* Balance des blancs personnalisés: Utilisez une carte grise pour définir une balance blanche personnalisée pour les couleurs les plus précises.
* Composition:
* Règle des tiers: Placez le sujet hors centre, à l'une des intersections des lignes de grille.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour attirer l'œil du spectateur sur le sujet.
* Espace négatif: Laissez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment d'équilibre et de calme.
* cadrage: Utilisez des éléments dans la scène pour encadrer le sujet (par exemple, une porte, une fenêtre).
* angles:
* niveau des yeux: Un angle classique et simple.
* Angle bas: Peut faire apparaître le sujet puissant et dominant.
* Angle élevé: Peut faire apparaître le sujet vulnérable ou petit.
* posant:
* poses naturelles: Encouragez le sujet à se détendre et à bouger naturellement. Évitez les poses raides ou forcées.
* Angles légers: Demandez au sujet de l'angler légèrement leur corps vers ou loin de la caméra. Ceci est généralement plus flatteur qu'une pose directe.
* Placement des mains: Faites attention aux mains du sujet. Évitez les poings serrés ou les positions maladroites. Les mains peuvent être placées dans des poches, sur le visage ou en tenant un objet.
* Position du menton: Demandez au sujet de prolonger légèrement leur menton vers l'avant et vers le bas pour éviter un double menton.
* Contact oculaire: Le contact visuel direct peut créer une connexion puissante avec la visionneuse. Cependant, le détournement de la caméra peut également être efficace, créant un sentiment de mystère ou de contemplation.
* Communication: Donnez au sujet des directions claires et concises. Fournir des commentaires et des encouragements positifs.
iii. Techniques d'éclairage:
* lumière naturelle:
* Hour d'or: Lumière douce et chaude qui est idéale pour les portraits.
* Open Shade: Fournit une lumière douce et diffuse qui évite les ombres dures.
* rétro-éclairage: Placez le sujet avec la lumière derrière eux pour créer une silhouette ou un effet doux et rêveur. Utilisez un réflecteur pour faire rebondir la lumière sur le visage du sujet.
* lumière artificielle:
* Configuration d'une lumière: Un moyen simple et efficace de créer des portraits dramatiques. Placez la lumière sur le côté du sujet pour créer des ombres et des reflets.
* Configuration à deux lumières: Utilisez une lumière comme lumière clé (la source de lumière principale) et l'autre comme une lumière de remplissage (pour adoucir les ombres).
* Configuration à trois lumières: Ajoutez une lumière des cheveux pour séparer le sujet de l'arrière-plan.
* modificateur: Utilisez des boîtes softbox, des parapluies, des plats de beauté pour contrôler la qualité de la lumière.
iv. Post-traitement:
* Logiciel: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, capture un, luminar ai.
* Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Augmentez ou diminuez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants et ombres: Ajustez séparément la luminosité des reflets et des ombres.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique de l'image.
* Clarity: Ajouter ou supprimer le contraste de mi-ton.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
* Retouching:
* lissage de la peau: Réduisez les imperfections et les imperfections. Faites attention à ne pas trop lisse de la peau, car cela peut rendre le sujet contre nature.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et ajustez la couleur pour les faire ressortir.
* Dodge &Burn: Éclairer ou assombrir des zones spécifiques de l'image pour sculpter la lumière et créer l'accent.
* Gradage des couleurs:
* ajustez l'équilibre des couleurs pour créer une humeur ou un style spécifique: Les tons chauds peuvent créer un sentiment de nostalgie ou d'intimité, tandis que les tons cool peuvent créer un sentiment de drame ou de mystère.
v. Les principaux plats pour le style de portrait:
* Focus sur les yeux: Ils sont la fenêtre de l'âme. Une concentration nette sur les yeux est cruciale.
* Connectez-vous avec votre sujet: Une véritable connexion se traduira par un portrait plus authentique.
* faites attention aux détails: La garde-robe, les cheveux, le maquillage et le fond contribuent tous au style général du portrait.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de repousser vos limites créatives.
* Pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
vi. Exemples de différents styles de portraits:
* Portrait classique: Bien éclairé, posé et intemporel. Utilise souvent un arrière-plan simple.
* Portrait environnemental: Montre le sujet dans leur environnement naturel. Raconte une histoire sur leur vie ou leur travail.
* Portrait candide: Sans affectation et spontanée. Capture un moment dans le temps.
* Portrait éditorial: Stylisé et dramatique. Souvent utilisé dans les magazines et la publicité.
* Portrait à clé haute: Bright et aéré, avec un minimum d'ombres.
* Portrait discret: Dark et de mauvaise humeur, avec de fortes ombres.
* Portrait noir et blanc: Met l'accent sur la forme, la texture et l'émotion.
Comment affiner votre propre style:
1. Analysez vos portraits préférés: Quels éléments ont-ils en commun? Est-ce l'éclairage, la pose, la palette de couleurs ou le sujet?
2. Expérimentez avec différentes techniques: Essayez différentes configurations d'éclairage, techniques de pose et styles de post-traitement.
3. Recherchez des commentaires: Partagez votre travail avec d'autres photographes et demandez des critiques constructives.
4. être cohérent: Développez un style cohérent qui est reconnaissable comme le vôtre.
En considérant soigneusement ces éléments, vous pouvez créer des portraits qui sont non seulement techniquement solides mais aussi émotionnellement convaincants et refléter votre vision artistique unique. Bonne chance!