i. Comprendre le "tir" et la pré-planification
* la vision: Avant toute autre chose, définissez ce que vous voulez capturer. Quelle histoire racontez-vous avec ce portrait? Quel sentiment voulez-vous évoquer? Considérer:
* Humeur: Heureux, pensif, puissant, vulnérable, mystérieux?
* Objectif: Souvent personnel, tisrie professionnelle, déclaration artistique?
* Personnalité du sujet: Comment pouvez-vous montrer qui ils * sont vraiment *?
* Considération du sujet:
* Consultation: Parlez à votre sujet! Discutez de la vision, de leur niveau de confort et de toutes les préférences qu'ils ont (par exemple, les angles qu'ils aiment, les vêtements qu'ils préfèrent). La collaboration mène à de meilleurs résultats.
* relaxation: Rendez votre sujet à l'aise. Discutez, plaisantez et créez une atmosphère détendue. La nervosité montre dans les portraits.
* Scoutisme de localisation (ou création de réglage): L'emplacement est un personnage de l'histoire de votre portrait.
* Background: Est-ce distrayant ou complémentaire? Pensez à la couleur, à la texture et à la profondeur de champ. Un fond flou (bokeh) isole souvent le sujet, mais parfois un fond contextuel est essentiel.
* Éclairage: Évaluer la lumière disponible. Est-ce que la lumière du soleil, une lumière de fenêtre douce, un éclairage artificiel? Comment cela affectera-t-il l'ambiance? Pouvez-vous le manipuler (réflecteurs, diffuseurs, etc.)?
* heure de la journée: L '"heure d'or" (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) est souvent idéale pour la lumière douce et chaude. Les jours couverts fournissent une lumière diffusée et diffuse.
ii. Paramètres d'équipement et technique
* caméra: Toute caméra avec des commandes manuelles peut fonctionner, mais une caméra DSLR ou sans miroir offre le plus de flexibilité.
* objectifs:
* 50 mm: Un "Nifty Fifty" classique est polyvalent et abordable, souvent idéal pour les coups de tête et d'épaule.
* 85 mm: Un favori pour les portraits en raison de sa perspective flatteuse (moins de distorsion) et de sa capacité à créer une profondeur de champ peu profonde.
* lentilles zoom (par exemple, 70-200 mm): Offrez la flexibilité dans le cadrage et la compression (ce qui rapproche l'arrière-plan). Bon pour les portraits environnementaux.
* ouverture (f-stop):
* large ouverture (par exemple, f / 1,8, f / 2,8, f / 4): Crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant le fond et isolant le sujet. Populaire pour les portraits. Soyez conscient de la netteté - des ouvertures très larges peuvent parfois conduire à une concentration douce, en particulier sur les yeux.
* ouverture plus étroite (par exemple, f / 5,6, f / 8, f / 11): Augmente la profondeur de champ, en gardant davantage la scène au point. Utile pour les portraits environnementaux où vous voulez que l'arrière-plan soit net.
* vitesse d'obturation: Réglez-le assez haut pour éviter le flou de mouvement. Considérez la distance focale de votre objectif (une règle générale est 1 / focale). Si vous utilisez une lentille plus longue (par exemple, 200 mm), vous aurez besoin d'une vitesse d'obturation plus rapide (par exemple, 1 / 200e de deuxième ou plus rapide). Considérez également si votre sujet se déplace du tout (ajustez en conséquence).
* ISO: Gardez-le aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez-le uniquement lorsque cela est nécessaire pour maintenir une exposition appropriée avec l'ouverture et la vitesse d'obturation souhaitées. Expérimentez les techniques d'invariance d'iso et de réduction du bruit pour optimiser la qualité de l'image.
* Mode de mise au point:
* automatique à point unique: Vous permet de sélectionner avec précision le point de mise au point, généralement sur l'œil du sujet le plus proche de la caméra.
* Autofocus continu (Ai Servo sur Canon, AF-C sur Nikon / Sony): Suit les sujets en mouvement. Utile si votre sujet se déplace légèrement.
* Focus manuel: Peut être utile dans les conditions d'éclairage stimulantes ou lorsque l'autofocus est en difficulté.
* Mode de mesure:
* Meilleur évaluatif / matrice: Évalue toute la scène et essaie de fournir une exposition équilibrée. Bon point de départ.
* Spot Metering: Ne mesure la lumière que dans une petite zone. Utile pour exposer avec précision le visage du sujet dans un éclairage délicat.
* Meilleur pondéré au centre: Met l'accent sur le centre du cadre.
* Balance des blancs: Réglez-le correctement pour les conditions d'éclairage (lumière du jour, nuageuse, tungstène, etc.). Le tir au format brut vous permet de régler la balance des blancs en post-traitement.
* Stabilisation d'image: Si votre objectif ou votre appareil photo a une stabilisation d'image (IS ou VR), utilisez-la, en particulier à des vitesses d'obturation plus lentes.
* trépied (facultatif): Fournit une stabilité, permettant des images plus nettes, en particulier en faible luminosité. Peut également vous aider à affiner votre composition.
* réflecteur / diffuseur (facultatif): Le réflecteur fait rebondir sur le sujet, remplissant les ombres. Le diffuseur adoucit la lumière dure.
iii. Techniques d'éclairage
* lumière naturelle:
* Lumière de fenêtre: Positionnez votre sujet près d'une fenêtre pour une lumière douce et flatteuse. Évitez la lumière directe du soleil, qui peut créer des ombres dures.
* Open Shade: Placez votre sujet à l'ombre d'un bâtiment ou d'un arbre pour une lumière diffusée même.
* rétro-éclairage: Positionnez le sujet avec la lumière derrière eux pour un effet dramatique. Utilisez un réflecteur pour rebondir sur leur visage.
* lumière artificielle (éclairage de studio):
* Lumière clé: La principale source de lumière.
* Remplir la lumière: Adoucit les ombres créées par la lumière clé (peut être un réflecteur).
* Backlight / Hair Light: Sépare le sujet de l'arrière-plan.
* Softboxes and Ombrelas: Diffusez la lumière, créant un aspect plus doux et plus flatteur.
* stroboscopes et speedlights: Des flashs puissants qui fournissent un éclairage cohérent et contrôlé.
iv. Composition et posant
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Positionnez des éléments clés (comme les yeux du sujet) dans ce sens ou à leurs intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour guider l'œil du spectateur au sujet.
* Espace négatif: Laissez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment d'équilibre et attirez l'attention sur eux.
* Contact oculaire: Le contact visuel direct peut créer une connexion puissante avec la visionneuse. Alternativement, une apparence légèrement à distance peut transmettre un sentiment de contemplation.
* posant:
* poses naturelles: Encouragez votre sujet à vous détendre et à bouger naturellement. Capturer des moments candides.
* angles: Expérimentez avec différents angles. La prise de vue légèrement au-dessus peut être flatteuse, tandis que le tir par le bas peut rendre le sujet plus puissant.
* Placement des mains: Faites attention au placement des mains. Évitez les positions maladroites ou distrayantes.
* Expressions faciales: Guidez votre sujet pour créer l'expression souhaitée. Utilisez des indices verbaux et des encouragements. Un véritable sourire est toujours meilleur qu'un forcé.
* Croping:
* tirs à la tête: Cramez étroitement autour de la tête et des épaules.
* taille: Incluez le haut du corps.
* corps complet: Montrez tout le sujet dans leur environnement.
v. L'état d'esprit "How I Got the Shot" - Exemple spécifique
Disons que je voulais capturer un portrait d'un musicien, visant une ambiance "de mauvaise humeur et introspective".
1. Vision: J'ai imaginé un portrait noir et blanc, en me concentrant sur le visage du musicien, avec un soupçon de leur instrument. L'ambiance serait réfléchie et quelque peu mélancolique.
2. Préparation du sujet: J'ai parlé au musicien de ma vision. J'ai appris qu'ils étaient à l'aise avec une expression plus sérieuse et ont préféré que leur guitare soit subtilement présentée.
3. Emplacement: J'ai choisi une pièce faiblement éclairée avec un mur de briques. La texture de la brique a ajouté un intérêt visuel sans être distrayant.
4. Équipement et paramètres:
* Camera:Sony A7III
* Lens:85 mm f / 1.8
* Ouverture:f / 2.0 (profondeur de champ peu profonde pour brouiller l'arrière-plan)
* Vitesse d'obturation:1/125 de seconde (pour éviter le flou de mouvement)
* ISO:800 (pour compenser la faible lumière)
* Mode de mise au point:autofocus en un seul point (axé sur l'œil du musicien)
* Mode de mesure:Spot Metering (mesure de la joue du musicien)
* Balance des blancs:réglé sur "tungstène" pour créer une tonalité légèrement plus froide, que j'avais prévu de affiner davantage en post-traitement.
5. Éclairage: J'ai utilisé une seule boîte à soft légèrement positionnée sur le côté et derrière le musicien. Cela a créé un effet d'éclairage latéral dramatique, avec des ombres profondes d'un côté de leur visage. Je n'ai pas utilisé de lumière pour maintenir l'atmosphère de mauvaise humeur.
6. Composition et posant: J'ai demandé au musicien de s'asseoir sur un tabouret, face à un peu loin de la caméra. Leur guitare reposait sur leurs genoux, partiellement visible dans le cadre. Je les ai encouragés à avoir l'air légèrement hors caméra, avec une expression réfléchie.
7. tir: J'ai pris plusieurs coups de feu, faisant de petits ajustements à la pose et à l'expression du musicien. J'ai prêté une attention particulière aux allumettes dans leurs yeux, en veillant à ce qu'il soit visible d'ajouter une étincelle de vie au portrait.
8. Post-traitement: À Lightroom, j'ai converti l'image en noir et blanc. J'ai ajusté le contraste pour améliorer les ombres et les reflets. J'ai également légèrement aiguisé l'image et supprimé toutes les distractions en arrière-plan. J'ai subtilement esquivé et brûlé les zones du visage pour sculpter davantage l'éclairage.
Les principaux plats pour "Comment j'ai obtenu le coup":
* intentionnalité: Chaque décision doit être délibérée, de la vision initiale aux étapes de post-traitement finales.
* Comprendre la lumière: La lumière est votre peinture. Apprenez à le contrôler et à le façonner pour créer l'humeur et l'effet souhaités.
* Connexion: Connectez-vous avec votre sujet. Les meilleurs portraits capturent quelque chose d'authentique et d'authentique.
* Expérimentation: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de enfreindre les règles. Plus vous expérimentez, plus vous apprendrez.
* Pratique: Plus vous vous entraînez, mieux vous deviendrez.
En combinant des connaissances techniques avec la vision artistique et un véritable lien avec votre sujet, vous pouvez capturer de superbes portraits qui racontent une histoire et évoquent l'émotion. Bonne chance!