Aujourd'hui, nous allons discuter de la façon de créer une séquence d'action plus cohérente lors de combats au corps à corps, ainsi que de scènes d'action à longue portée.
Imaginez un film où dans chaque scène de dialogue importante, les acteurs se crient dessus. Ils soufflent les niveaux audio, leurs mots s'entremêlent, ils se parlent, et malgré quelques mots attrapés ici et là, vous ne pouvez pas vraiment comprendre ce qui se passe. Ou, imaginez une scène de dialogue dans laquelle les mots sont limpides mais à cause de la cinématographie, vous n'êtes pas tout à fait sûr de qui parle à qui, où ils sont censés regarder, ou si les acteurs étaient même ensemble sur le même plateau .
Pour moi, l'un ou l'autre scénario est une sorte de terrible. Nous n'accepterions jamais ce chaos dans les scènes de dialogue importantes de notre film, alors pourquoi certains cinéastes trouvent-ils acceptable de filmer des séquences d'action avec le même mépris ?
J'ai discuté en détail du premier scénario lorsqu'il est appliqué à des scènes d'action (caméra tremblante, action difficile à suivre, etc.) dans l'article Diriger la cinématographie de combat :la bonne et la mauvaise façon. Dans cet article, je veux couvrir le deuxième scénario, dans lequel l'action semble décousue. Vous pourrez peut-être dire clairement ce qui se passe dans chaque plan, mais dans l'ensemble, cela semble un peu sans vie, comme si une personne parlait juste à un mur. Je vais vous expliquer comment créer une séquence d'action plus cohérente en vous concentrant sur l'engagement de vos adversaires et en faisant avancer la scène par cause et effet.
Les scènes d'action se produisent dans un film parce qu'un personnage doit surmonter un obstacle, comme un scénario dangereux ou un méchant maléfique. L'action est passionnante car notre héros doit s'engager dans une forme physique pour atteindre son objectif. Cependant, si nous ne pouvons pas capturer cet élan, cela finit par ressembler à des prises de vue aléatoires enchaînées. Ce concept peut être plus facilement transmis avec une fusillade. Regardez cet extrait du film Mile 22 .
Nous obtenons rarement, voire jamais, une sorte de par-dessus l'épaule, où Mark Wahlberg (ou ses alliés) tirent sur l'ennemi. Il y a peu de plans de héros et de méchants ensemble. Mis à part l'un des derniers plans, cette séquence ressemble presque à deux scènes différentes mélangées. Comparez cela avec la scène du tireur d'élite de The Bourne Identité , le premier film Bourne.
À première vue, cette scène peut ressembler à Mile 22, mais il y a une énorme différence :chacune des actions de l'adversaire affecte l'autre. En d'autres termes, il y a cause et effet. . On voit le reflet de l'explosion de gaz et sa fumée obscurcit la vision du tireur d'élite. Nous voyons et comprenons comment la tactique de Jason fonctionne et affecte son adversaire. Il y a une cause et un effet continus qui déterminent les décisions de chaque joueur, contrairement à Mile 22 , où il faut presque se rappeler que Mark Wahlberg et compagnie sont en danger.
Cet engagement est l'une des raisons pour lesquelles John Wick les films sont tellement incroyables. Malgré l'utilisation intensive d'armes à feu, la chorégraphie et la cinématographie capturent Wick engageant continuellement ses ennemis. Nous voyons et ressentons la cause et l'effet. Les ennemis ne sont pas une menace lointaine et sans visage – même lorsqu'ils portent des masques littéraux. En fait, vous les voyez tous dans de nombreux plans ensemble. La puissance de feu de l'ennemi influence les décisions de Wick, engageant les deux parties dans un véritable combat. Imaginez la scène suivante, mais au lieu d'une bataille fluide, c'est juste une série de gros plans sur chaque adversaire. Sans l'élan de l'engagement, la scène semblerait complètement plate.
Peut-être que l'une des meilleures références pour de grandes séquences d'action est le travail de Spielberg dans Indiana Jones et la dernière croisade . Chaque scène d'action est passionnante et dynamique. Même lors de visionnages consécutifs, vous avez toujours un sentiment d'anticipation lorsque vous regardez Indiana Jones se battre pour sa vie. Spielberg réalise ces scènes d'action passionnantes et dynamiques en capturant habilement l'engagement d'Indy avec ses adversaires.
Si vous cherchez à améliorer vos propres séquences d'action devant la caméra, n'oubliez pas de capturer un sentiment d'engagement. Ne pensez pas que vos photos d'action doivent être engageantes - c'est une évidence. Vos adversaires doivent littéralement s'engager et vous devez capturer cette dynamique de cause à effet à l'écran. Établissez que les actions des héros et des méchants ont des conséquences qui affectent les décisions et les résultats de la scène, en faisant réagir et adapter chaque joueur à la situation. ET, vous devriez chercher à ce qu'une majorité de plans mettent en scène À LA FOIS le héros et le méchant, en particulier dans les combats à longue distance. Gardez ces deux principes à l'esprit lors du tournage de votre prochaine scène d'action et évitez la formule du contre-champ. Et rappelez-vous, ces concepts s'appliquent à bien plus que des scènes d'action au corps à corps et à longue portée ! Ils s'appliquent à tout dans l'univers d'action où les scènes difficiles peuvent réduire le rythme de l'histoire, comme les scènes de poursuite et les braquages.
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