i. La fondation:comprendre et adopter la pré-production
* 1. Le concept est roi (et reine):collaboration avec le réalisateur
* Comprendre la chanson: Analyser en profondeur les paroles, le rythme, l'humeur et le message global de la musique. Cela informe chaque décision visuelle.
* Vision du réalisateur: Comprenez le concept global du réalisateur et leurs objectifs de narration spécifiques. Il s'agit d'un effort de collaboration.
* Développez un langage visuel: Établissez l'esthétique principale de la vidéo. Considérez l'humeur, le ton, les palettes de couleurs et les métaphores visuelles qui s'alignent sur la musique et la vision du réalisateur.
* Matériel de référence: Assemblez des références visuelles (films, photos, peintures) pour communiquer l'apparence et la sensation souhaitées à tout l'équipage.
* Boards d'humeur: Créez des tableaux d'humeur présentant le style visuel, les schémas de couleurs et l'atmosphère générale.
* 2. Emplacement, emplacement, emplacement:
* Scoutisme: Visitez les emplacements potentiels avec le directeur et le concepteur de la production. Évaluez leur aptitude en fonction de l'histoire, de la logistique et de l'esthétique souhaitée.
* Considérations:
* lumière naturelle: Comment la lumière change-t-elle tout au long de la journée? Est-ce que cela complète l'humeur souhaitée?
* espace: Y a-t-il assez de place pour le mouvement de la caméra, les configurations d'éclairage et l'équipage?
* Acoustique: Y a-t-il des bruits indésirables qui pourraient interférer avec l'enregistrement sonore?
* Accessibilité: Y a-t-il des limites à l'accès à l'équipement ou au mouvement de l'équipage?
* Permis et autorisation: Sécuriser les permis et autorisations nécessaires bien à l'avance.
* 3. La liste des tirs et le storyboard sont vos meilleurs amis:
* Liste des tirs détaillée: Planifiez chaque coup méticuleusement. Incluez l'angle de la caméra, le mouvement de la caméra, le choix de l'objectif et la durée prévue.
* Storyboard: Visualisez chaque photo avec des croquis ou des dessins simples. Cela aide à communiquer le plan visuel à l'équipage et à identifier les problèmes potentiels.
* Couverture: Planifiez une grande couverture, y compris les plans larges, les plans moyens, les gros plans et les plans de réaction. Cela donne à l'éditeur plus d'options en post-production.
* 4. Tech Scout &Crew:
* Rassemblez une équipe qualifiée: Entourez-vous de gaffers talentueux et fiables, de poignées, de caméras et d'assistants. La communication et la confiance sont cruciales.
* Besoins de l'équipement: Déterminez l'équipement spécifique nécessaire en fonction de la liste des tirs, des emplacements et du style visuel souhaité.
* Tech Scout: Un éclaireur technologique détaillé pour évaluer les besoins techniques pour chaque emplacement, y compris les exigences d'alimentation, les défis d'éclairage et les besoins en équipement de préhension.
ii. L'art de l'éclairage:sculpture avec lumière
* 1. Comprendre la lumière:
* Qualité de la lumière: La lumière dure crée des ombres dures, tandis que la lumière douce crée un éclairage plus flatteur et diffusé.
* Direction de la lumière: La lumière avant aplatit l'image, tandis que la lumière latérale ajoute de la dimension et du drame. Le rétro-éclairage sépare le sujet de l'arrière-plan.
* Température de couleur: Comprenez la température de couleur de différentes sources lumineuses (lumière du jour, tungstène, LED) et comment elles affectent l'équilibre global des couleurs de l'image.
* Exposition: Maître l'interaction entre l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO pour atteindre l'exposition et la profondeur de champ souhaitées.
* 2. Techniques d'éclairage pour les clips musicaux:
* Motivation: Donnez à votre éclairage une source réaliste (par exemple, une fenêtre, un réverbère, une lumière de scène). Même l'éclairage stylisé devrait être motivé.
* Lumière clé, remplissage de la lumière, rétro-éclairage: Utilisez ces trois principes d'éclairage de base pour façonner vos sujets et créer de la profondeur.
* Gradage des couleurs: Utilisez des gels sur vos lumières pour créer des palettes de couleurs spécifiques et améliorez l'humeur. Envisagez d'utiliser des couleurs complémentaires pour un intérêt visuel.
* Éclairage de silhouette: Créez des silhouettes dramatiques en rétro-éclairant vos sujets.
* Éclairage dynamique: Changez l'éclairage pendant les performances pour ajouter de l'énergie et de l'excitation. Pensez aux stroboscopes, aux lumières mobiles et aux changements de couleur.
* Éclairage pratique: Incorporez des sources de lumière pratiques (par exemple, des lampes, des signes de néon, des bougies) dans la scène et utilisez-les pour contribuer à la conception globale de l'éclairage.
* UnderExpose: Il est courant dans les clips musicaux pour sous-exposer des scènes pour obtenir un look plus énervé / granuleux.
* 3. Équipement d'éclairage:
* Panneaux LED: Les panneaux LED polyvalents et économes en énergie offrent une large gamme de températures et d'intensités de couleur.
* Fresnel Lights: Fournissez un faisceau de lumière focalisé qui peut être facilement façonné et contrôlé.
* lumières HMI: Des lumières équilibrées de la lumière du jour qui sont idéales pour les prises de vue extérieures.
* Modificateurs: Utilisez des softboxes, des parapluies, des malices et des drapeaux pour façonner et diffuser la lumière.
iii. Travail de la caméra:mouvement et composition
* 1. Mouvement de la caméra:
* Mouvement délibéré: Chaque mouvement de la caméra devrait avoir un but. Utilisez-le pour révéler des informations, suivre l'action ou améliorer l'émotion de la scène.
* Smoothness: Investissez dans une bonne prise en charge de la caméra (Tripod, Dolly, Gimbal, Steadicam) pour assurer des mouvements de caméra lisses et stables.
* Types de mouvement:
* Pan: Rotation horizontale de la caméra.
* inclinaison: Rotation verticale de la caméra.
* Dolly: Déplacer toute la caméra le long d'une piste.
* camion: Déplacer toute la caméra horizontalement sans piste.
* Crane / Jib: Déplacer la caméra verticalement et horizontalement à l'aide d'une grue ou d'un foc.
* zoom: Changer la distance focale de l'objectif. (Utiliser avec parcimonie, le zoom peut parfois se sentir daté)
* Steadicam / Gimbal: Mouvements de caméra à flux libre qui suivent l'action.
* 2. Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales et placez les éléments clés le long des lignes ou aux intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur vers le sujet.
* symétrie: Créez un sentiment d'équilibre et d'ordre en organisant des éléments symétriquement.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide pour attirer l'attention sur le sujet.
* profondeur: Créez un sentiment de profondeur en utilisant des couches, une perspective et une profondeur de champ peu profonde.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan pour encadrer le sujet et créer un sentiment d'intimité.
* 3. Lentilles:
* objectifs à grand angle: Exagérer la perspective, créer un sentiment d'espace et permettre un mouvement dynamique de la caméra.
* objectifs normaux: Fournir une perspective naturelle similaire à la vision humaine.
* téléobjectif: Compressez la distance, créez une profondeur de champ peu profonde et isolez le sujet.
* Lenses Prime: Généralement plus net et plus rapide (ouverture plus large) que les objectifs zoom, souvent préférés pour leur qualité d'image et leurs performances en basse lumière.
* Le choix de l'objectif reflète l'humeur: Pensez à l'impact des différents objectifs du sentiment d'une scène. Les zooms serrés peuvent créer des tensions, tandis que les angles larges peuvent fournir une échelle.
iv. Embrasser l'inhabituel:expérimentation et innovation
* 1. Pousser les limites: N'ayez pas peur d'expérimenter des techniques non conventionnelles et des styles visuels.
* 2. Filtres d'objectif: Explorez l'utilisation de filtres à lentille (par exemple, filtres de diffusion, filtres polarisants, filtres de couleur) pour créer des effets uniques.
* 3. Ralenti et laps de temps: Utilisez le ralenti et le laps de temps pour créer des moments dramatiques et visuellement intéressants.
* 4. Effets visuels (VFX): Incorporez VFX pour améliorer les visuels et créer des éléments fantastiques. Travaillez avec des artistes VFX qualifiés.
* 5. Effets pratiques: Utilisez des effets pratiques (par exemple, de la fumée, du brouillard, du feu, des explosions) pour ajouter du réalisme et de l'impact visuel.
* 6. Double exposition: Tirez deux scènes les unes sur les autres pour un look surréaliste et artistique.
v. La touche finale:post-production et classement des couleurs
* 1. Collaboration avec l'éditeur:
* Communiquez votre vision: Travaillez en étroite collaboration avec l'éditeur pour vous assurer que le produit final s'aligne sur votre vision originale.
* Fournir des commentaires: Offrez des commentaires constructifs sur la modification et suggérez des améliorations.
* 2. Gradage des couleurs:
* Améliorez l'apparence: Utilisez le classement des couleurs pour affiner la palette de couleurs, créer une humeur spécifique et améliorer l'esthétique visuelle globale.
* Correction des couleurs: Corrigez tous les déséquilibres ou incohérences de couleur dans les images.
* LUTS (tables de recherche): Utilisez LUTS pour appliquer une qualité de couleur spécifique sur les images rapidement et facilement. Vous pouvez créer vos propres LUT ou acheter des LUTS ou acheter des pré-fabriqués.
* tir brut: Le tir Raw vous donne le plus de flexibilité pendant le classement des couleurs.
* 3. Conception sonore:
* Bien qu'il ne soit pas strictement cinématographie, un paysage sonore bien conçu est essentiel pour créer une expérience convaincante et immersive.
* Travaillez avec un concepteur de son qualifié pour créer une bande sonore dynamique et engageante qui complète les visuels.
Les principaux plats et conseils pour réussir:
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez. Expérimentez avec différentes techniques et apprenez de vos erreurs.
* Regardez et apprenez: Étudiez le travail des DPS oscarisés et d'autres cinéastes talentueux. Analysez leur éclairage, leur travail de caméra et leur composition. Faites attention à la façon dont ils racontent visuellement les histoires.
* Développez votre propre style: Ne copiez pas seulement les autres. Trouvez votre propre voix unique et développez un style visuel qui vous est authentique.
* être un résolveur de problèmes: Les tournages de vidéoclips sont souvent difficiles. Soyez prêt à résoudre des problèmes de manière créative et efficace.
* réseau et collaborer: Établissez des relations avec d'autres cinéastes et artistes. La collaboration est la clé du succès dans l'industrie cinématographique.
* Restez à jour: Suivez les dernières technologies et les tendances de la cinématographie.
* N'arrêtez jamais d'apprendre: L'industrie cinématographique évolue constamment. Soyez toujours ouvert à l'apprentissage de nouvelles choses et à l'amélioration de vos compétences.
En comprenant et en appliquant ces principes, vous pouvez améliorer considérablement vos productions de clip et créer des expériences visuellement étonnantes et mémorables pour votre public. N'oubliez pas que devenir un grand directeur de la photographie prend du temps, du dévouement et une passion pour la narration. Bonne chance!