1. Comprendre les différences:
* échelle: C'est la plus grande différence. Le théâtre consiste à se projeter dans la rangée arrière; Le film parle de connexion intime à travers l'objectif. Aidez-les à comprendre que des performances plus petites et plus nuancées sont essentielles.
* Projection vs internalisation: Le théâtre nécessite souvent une projection externe de l'émotion. Le film bénéficie souvent de l'internalisation des émotions, ce qui leur permet de s'infiltrer à travers les yeux et les gestes subtils.
* timing: Les rythmes de théâtre sont différents. Le film repose sur un timing précis, souvent avec des interruptions pour plusieurs prises. Ils doivent être à l'aise de répéter le même moment de manière cohérente.
* continuité: Au théâtre, la performance est continue. Dans le film, c'est fragmenté. Ils ont besoin de maintenir la cohérence des personnages à travers plusieurs prises, tirées de la séquence.
* Microphone: Les acteurs de théâtre ont l'habitude de projeter leurs voix. Ils doivent être conscients du placement des microphones et apprendre à moduler leurs voix pour un enregistrement sonore optimal, même dans des scènes intimes.
* physique: De grands gestes qui fonctionnent sur scène peuvent se sentir exagérés sur le film. Ils doivent affiner leur physique et se concentrer sur des mouvements plus petits et plus délibérés.
2. Communication de pré-production:
* Vision claire: Partagez votre vision du film et du personnage spécifique. Discutez de la trame de fond, des motivations et des relations du personnage. Donnez-leur le contexte!
* répétition (mais différente): Répétez, mais concentrez-vous sur l'exploration et la découverte, sans verrouiller une performance trop tôt. Utilisez la répétition pour les aider à trouver la vie interne du personnage.
* Détails techniques: Expliquez les aspects techniques du cinéma - angles de caméra, éclairage, enregistrement sonore. Savoir comment ces éléments fonctionnent les aidera à comprendre comment leurs performances seront capturées.
* Collaboration: Faites-les se sentir comme des partenaires dans le processus. Leur expérience et leurs idées peuvent être précieuses.
* Trust: Construire une relation de confiance. Faites-leur savoir que vous appréciez leur talent et êtes là pour les soutenir.
* Analyse du script: Parcourez le script en ligne, en discutant des motivations, de la sous-texte et de la façon dont chaque scène contribue à l'histoire globale.
3. Direction sur le plateau:
* Notes concises spécifiques: Évitez les commentaires vagues comme «plus d'émotion». Donnez une direction spécifique:"Essayez de penser à votre chien d'enfance en ce moment" ou "Imaginez que vous essayez de convaincre votre meilleur ami."
* Focus sur les objectifs: Rappelez-leur l'objectif de leur personnage dans chaque scène. Que essaient-ils de réaliser?
* "moins c'est plus": Rappelez-leur constamment que la subtilité est la clé. Encouragez-les à composer leurs performances et à faire confiance à la caméra pour capturer les nuances.
* ligne d'œil: Soyez très clair sur les lignes oculaires. Le film repose fortement sur l'endroit où l'acteur regarde, en particulier dans les gros plans.
* Ajustements physiques: Guider subtilement leur physique. Ajustez leur posture, leurs gestes de la main ou leurs expressions faciales au besoin. N'ayez pas peur de démontrer.
* Contrôle vocal: Surveillez leur projection vocale. Encouragez-les à parler de manière conversationnelle et à laisser le microphone faire le travail. Ajustez leur micro si nécessaire.
* décomposez-le: Ne les submergez pas avec trop d'informations à la fois. Concentrez-vous sur un ou deux ajustements par prise.
* Patience et encouragement: Soyez patient et solidaire. Il faut du temps pour s'adapter à un nouveau support. Louez leurs succès et offrent des critiques constructives.
* Utilisez le moniteur: Montrez-leur leurs performances sur le moniteur. Cela peut être un outil puissant pour les aider à comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.
4. Techniques spécifiques:
* monologue interne: Encouragez-les à développer un monologue interne pour leur caractère. Cela peut les aider à rester connectés aux pensées et aux sentiments du personnage, même lorsqu'ils ne parlent pas.
* Mémoire de sens: Si une scène nécessite une forte réponse émotionnelle, encouragez-les à utiliser des techniques de mémoire sensorielles pour accéder à ces émotions.
* Improvisation: Utilisez l'improvisation pour explorer la personnalité et les relations du personnage. Cela peut les aider à se détendre et à se sentir plus à l'aise à la caméra.
* substitution: Suggérez qu'ils remplacent une personne réelle ou une expérience au personnage qu'ils jouent pour apporter l'authenticité à leur performance.
5. Post-production:
* donnez-leur des commentaires: Après le tournage, donnez-leur des commentaires sur leurs performances. Faites-leur savoir ce qui a bien fonctionné et ce qu'ils peuvent améliorer pour les futurs projets.
en résumé: La réalisation d'acteurs de théâtre pour le film consiste à combler l'écart entre deux styles de performance distincts. En comprenant les différences, en communiquant clairement et en fournissant des conseils spécifiques, vous pouvez les aider à exploiter leur talent et à offrir des performances convaincantes pour la caméra. N'oubliez pas que leur formation théâtrale est une force, et votre travail consiste à les aider à l'adapter aux exigences uniques du cinéma.