Les instruments virtuels sont géniaux. Il ne fait aucun doute qu’il est utile de disposer d’une corne d’abondance virtuelle d’échantillons de batterie et de bibliothèques orchestrales lors de la création d’une démo ou de l’arrangement musical. Très peu d’entre nous ont la chance d’avoir accès à des musiciens professionnels, à du matériel de premier ordre, à un espace insonorisé de qualité pour enregistrer ou au budget nécessaire pour enregistrer chaque instrument en direct, bien qu’il existe des moyens de créer un studio d’enregistrement à domicile avec un budget limité.
L'utilisation d'instruments virtuels n'a certainement rien de nouveau :les petits studios de projets et les artistes autonomes sont partout et l'accès à une grande collection d'instruments numériques et de bibliothèques est désormais abordable. Et ils sont également plus réalistes que jamais.
Mais les arrangements de chansons qui en dépendent exclusivement peuvent souvent avoir un petit problème :une qualité rigide ou sans âme, une sensation statique, un manque d’humanité présent dans une performance live. Pouvez-vous entendre la différence dans vos chansons préférées entre les sections de musique créées par l'instrumentation virtuelle et celles en direct ? Peut-être pas. Cela dépend également de nombreux facteurs tels qu'une oreille exercée ou la familiarité des instruments particuliers impliqués. Vous n’entendrez peut-être pas immédiatement les différences de ton, mais nos oreilles sont inconsciemment attirées par les nuances subtiles de la réalité, l’aspect performance, les petits détails, l’air et les gestes. C'est pourquoi une utilisation stratégique des instruments virtuels et live est une formule gagnante en matière d'arrangement.
Photo de freestocks.org sur Unsplash La batterie a été l’un des premiers instruments à devenir virtuels. Même une oreille non expérimentée peut identifier une solide boîte à rythmes des années 80 dans une chanson. Aujourd'hui, une piste de batterie virtuelle bien conçue est souvent impossible à distinguer d'un enregistrement live, surtout si elle est jouée par des baguettes et des pads sur une batterie électrique. Cela laisse place à la variation tonale et à la dynamique naturelle. Et si le jeu n'est pas exact, vous avez la possibilité de le quantifier à la perfection si vous le souhaitez, un son incontournable dans de nombreux genres.
Mais que se passe-t-il si vous utilisez une boucle de batterie échantillonnée méticuleusement quantifiée, perfectionnée selon une grille, en utilisant le kit virtuel de vos rêves, et que quelque chose vous semble encore froid ? Pourquoi ne pas y mettre un peu de vie. Essayez de superposer quelques fioritures de cymbales live. Cela peut être un mouvement efficace, en particulier lors de l'entrée et de la sortie de sections, ce qui ajoute un peu de relâchement virtuel du poignet et une sensation naturelle au rythme global. Le style personnel d’un batteur dépend souvent de son utilisation subtile et prudente de ses cymbales – parfois ce sont des frappeurs durs, ou peut-être qu’une chanson les encourage à utiliser des manipulations tonales et des dynamiques, ou encore ils créent des tensions lorsqu’ils se retiennent. La manière dont leur collage est réalisé fait une énorme différence dans un enregistrement. Il y a bien plus à faire que simplement garder le temps.
Les sons de charleston virtuel sont souvent considérés comme un point faible dans l’avancement de la batterie numérique. Souvent, la qualité des détails de la cymbale fait défaut, donc demander à un batteur live de remplacer les charleys virtuels pour une sensation plus nuancée pourrait rendre votre chanson plus vivante. Le pied gauche du batteur s’exprime également dans son utilisation du charleston. L'ouverture et la fermeture progressives des cymbales ajoutent une sensation de poussée et de traction à la chanson, provoquant respectivement une sensation de conduite ou de détente.
Photo de João Silas sur Unsplash La percussion auxiliaire est un autre domaine d’amélioration virtuelle. Heureusement, ce n'est pas trop difficile à enregistrer en live. Essayez de choisir de vrais tambourins, maracas, shakers ou instruments à percussion trouvés pour ajouter un élément unique et naturel à votre pièce.
Ou demandez à tout le monde dans le studio d’ajouter des applaudissements. Moins c’est souvent plus dans ce type de situations, vous n’avez donc pas toujours besoin de passer des journées entières en studio à fouiller dans la boîte à percussions. Et rappelez-vous que ces instruments ne doivent pas toujours être utilisés de manière intrusive, ce qui risque souvent de se produire. Ils peuvent être utilisés de manière économique, enfouis très loin dans le mixage, ou à côté des parties rythmiques principales pour ajouter des contours dynamiques. Ou allez-y, mettez-les fort dans votre mix et faites une déclaration audacieuse.
Photo de Jonathan Velasquez sur Unsplash Enfin, sur quel élément peut-on compter qu’il sera exécuté par un humain ? Les voix bien sûr, même si beaucoup de oohs et ahhs nous entendons des chœurs, les voix sont très certainement détournées du domaine virtuel chaque jour. Nous aimons inconsciemment les imperfections de la voix humaine, alors faites attention au désir de les mécaniser à l'excès, surtout s'il s'agit de la seule partie live de votre arrangement autrement virtuel. Il s’agit peut-être de la section importante qui provoque des frissons, ajoute du drame ou une véritable émotion à la chanson. Même les morceaux les plus programmés bénéficieront de la personnalisation d'un chanteur et de ses gestes vocaux, se mélangeant parfois magnifiquement (pensez au karaoké).
Bien sûr, il existe bien d’autres instruments virtuels et live dont nous n’avons pas parlé :guitares, basses, cuivres ou instruments à cordes, grands patchs orchestraux. N'oubliez pas que chaque aspect de l'arrangement ne représente qu'une petite partie de l'ambiance générale, alors accordez une attention particulière aux détails et concentrez-vous sur la façon dont ils fonctionnent ensemble dans leur ensemble. Peut-être que le facteur insaisissable est caché dans les distinctions, ou peut-être que c'est le riff audacieux qui se démarque.
Quoi qu’il en soit, vous voulez que les gens se souviennent de votre chanson. La définition de ce qu’est une instrumentation de qualité est en constante évolution et subjective, alors j’espère que vous viserez ce qui vous passionne. En ce qui concerne votre travail de mixage, la bonne nouvelle est que les auditeurs moyens ne font pas la différence entre chaque partie individuelle qui compose notre morceau de musique enregistré. Au lieu de cela, ils entendent tout dans son ensemble, ou une « ambiance ». C'est la magie du mixage.
Sara Landeau
Sara est guitariste, bassiste, batteuse, éducatrice, coordinatrice de programmes musicaux, productrice, ingénieur du son, directrice musicale, auteur-compositeur et artiste vivant à New York.