i. Préparation et inspiration (la fondation)
1. Définissez votre vision / concept:
* Brainstorm: Quelle histoire voulez-vous raconter? Quelle émotion voulez-vous évoquer? Qu'est-ce qui rend ce portrait * différent *? Considérez des thèmes comme:
* surréalisme: Perspectives déformées, scénarios oniriques.
* mode: Couleurs audacieuses, poses stylisées, maquillage dramatique.
* Environnement: Le cadre est un élément clé de l'histoire.
* Résumé: Concentrez-vous sur les formes, les couleurs, les textures, moins sur la représentation littérale.
* Étude des caractères: Exagérer ou mettre en évidence les aspects de la personnalité du sujet.
* Mood Board: Rassemblez des images, des couleurs, des textures et des mots qui inspirent votre concept. Utilisez Pinterest, créez une carte physique ou utilisez des outils numériques. Cela vous aide à rester concentré.
* Considérez votre sujet: Comment votre concept s'aligne-t-il sur leur personnalité et leur niveau de confort? La collaboration est la clé.
2. Scoutisme de localisation:
* Faites correspondre le concept: L'emplacement est un élément de narration puissant. Un cadre urbain grungy est différent d'une forêt sereine.
* Évaluation de la lumière: Observez comment la lumière tombe à différents moments de la journée. L'heure d'or (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) est souvent idéale pour sa lumière douce et chaude. Considérez comment l'emplacement aura un impact sur votre lumière.
* Accessibilité et autorisation: Assurez-vous d'avoir la permission de tirer dans votre emplacement choisi.
* Plan de sauvegarde: Ayez toujours un lieu de sauvegarde en cas de temps ou de circonstances imprévues.
3. Sélection et collaboration du modèle:
* Fit de la personnalité: Choisissez un modèle dont le look et la personnalité complètent votre concept.
* Communiquez clairement: Expliquez votre vision, montrez votre tableau d'humeur et discutez des poses et des expressions.
* Release du modèle: Obtenez toujours un formulaire de version de modèle signé, surtout si vous prévoyez d'utiliser les images commercialement (par exemple, les vendre).
* Collaboration: Laissez le modèle contribuer leurs idées. Un effort de collaboration conduit à des résultats plus authentiques et intéressants.
4. Préparation du matériel:
* caméra: Le reflex numérique ou sans miroir sont généralement préférés pour leur contrôle et leur qualité d'image. Mais un smartphone peut fonctionner dans certains scénarios créatifs.
* Lens:
* Lenses Prime (par ex., 35 mm, 50 mm, 85 mm): Souvent plus net et ont des ouvertures plus larges (nombres à arrêts F inférieurs) pour une profondeur de champ peu profonde (arrière-plans flous). Idéal pour isoler le sujet.
* lentilles zoom (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm): Offrez une flexibilité pour différentes compositions sans se déplacer.
* Éclairage:
* lumière naturelle: Maître la lumière naturelle en premier. Les réflecteurs peuvent rebondir et remplir les ombres.
* speedlights (flashs): Portable et puissant. Utilisez des modificateurs (softboxs, parapluies) pour adoucir la lumière.
* stroboscopes de studio: Plus puissant que Speedlights, généralement utilisé dans un studio.
* lumières continues: Panneaux LED, etc. Bon pour la vidéo et peuvent être plus faciles à voir l'effet de la lumière en temps réel.
* Trépied: Essentiel pour les images nettes, en particulier en basse lumière.
* Réflecteurs: Blanc, argent ou or. Les réflecteurs rebondissent sur le sujet, remplissant des ombres.
* modificateurs (pour les flashs / stroboscopes): Softboxs, parapluies, plats de beauté. Ceux-ci adoucissent et façonnent la lumière.
* accessoires et accessoires: Tout ce qui contribue à votre concept (vêtements, bijoux, tissus, objets).
* Batteries et cartes mémoire: Assurez-vous d'avoir beaucoup et d'être entièrement chargé.
ii. Le tournage:exécution et expérimentation
1. Définissez la scène:
* Configuration de l'emplacement: Organisez vos accessoires et toile de fond le cas échéant.
* Configuration de l'éclairage: Positionnez vos lumières (si vous les utilisez). Faites des prises de vue pour vérifier la lumière.
* Communiquez avec votre modèle: Assurez-vous qu'ils sont à l'aise et comprenez ce que vous recherchez.
2. Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placer les éléments clés dans ce sens ou à leurs intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes dans la scène pour attirer l'œil du spectateur sur le sujet.
* symétrie: Peut créer un sentiment d'équilibre et de formalité.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan pour encadrer le sujet (par exemple, une arche, des branches).
* Espace négatif: L'espace vide autour du sujet. Peut créer un sentiment de solitude, d'immensité ou de simplicité.
* angles: Tirez sous différents angles (haut, bas, côté) pour créer différentes perspectives. Les angles néerlandais (l'inclinaison de la caméra) peuvent ajouter du drame.
3. techniques d'éclairage:
* lumière naturelle:
* Hour d'or: Lumière chaude et douce, flatteuse pour les portraits.
* Open Shade: Évitez la lumière directe du soleil direct. Recherchez l'ombre qui fournit un éclairage uniforme.
* rétro-éclairage: Placez la source de lumière derrière le sujet pour un effet brillant. Utilisez un réflecteur pour remplir les ombres sur le visage.
* lumière artificielle:
* Configuration d'une lumière: Commencez par une lumière et un réflecteur. Apprenez à façonner la lumière et à créer des ombres.
* Configuration à deux lumières: Lumière clé (lumière principale) et remplir la lumière (pour adoucir les ombres).
* Light / Hair Light: Placé derrière le sujet pour créer un point culminant sur les bords.
* Expérimentez les gels de couleur: Ajoutez de la couleur à vos lumières pour les effets créatifs.
4. posant et expression:
* Démarrez simple: Commencez par des poses de base et introduisez progressivement des plus complexes.
* Expressions faciales: Guidez le modèle avec des directions spécifiques (par exemple, "Regardez légèrement vers la gauche", "Pensez à quelque chose de heureux", "Détendez votre mâchoire").
* langage corporel: Faites attention aux mains, aux bras, aux jambes et à la posture. Les petits ajustements peuvent faire une grande différence.
* Mouvement: Capturez le mouvement pour une sensation plus dynamique. Faites la marche, le saut ou la danse du modèle.
* poses naturelles: Encouragez le modèle à se détendre et à être eux-mêmes. Les moments francs font souvent les meilleurs portraits.
5. Focus et profondeur de champ:
* ouverture (f-stop): Contrôle la profondeur du champ (quelle part de l'image est mise au point).
* faible F-stop (par ex., f / 1,8, f / 2,8): Profondeur peu profonde de champ, fond flou, isole le sujet.
* F-stop élevé (par exemple, f / 8, f / 11): Profondeur de champ, tout est au point.
* Focus sur les yeux: Une concentration nette sur les yeux est cruciale pour un portrait convaincant.
* Focus manuel: Focus manuel de pratique, en particulier avec de larges ouvertures.
6. L'expérimentation est la clé:
* essayez différents angles: Angles élevés, bas, côté hollandais.
* Différentes compositions: Cultures serrées, plans larges, cadrage non conventionnel.
* Éclairage différent: Expérimentez avec différentes sources de lumière et modificateurs.
* Jouez avec les accessoires: Voyez comment différents accessoires peuvent améliorer l'histoire.
* enfreindre les règles: N'ayez pas peur de enfreindre les "règles" de la photographie pour créer quelque chose d'unique.
iii. Post-traitement:améliorant votre vision
1. Logiciel:
* Adobe Lightroom: Excellent pour les ajustements globaux, la correction des couleurs et l'organisation.
* Adobe Photoshop: Des capacités d'édition plus avancées, y compris la retouche, la composition et les effets spéciaux.
* capture un: Une alternative populaire à Lightroom, connue pour sa manipulation des couleurs.
* Photo d'affinité: Une autre alternative abordable à Photoshop.
2. Ajustements de base (Lightroom):
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Blancs et Noirs: Réglez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique.
* Clarity &Texture: Ajouter ou réduire la netteté et les détails.
* Vibrance et saturation: Ajustez l'intensité des couleurs.
3. Correction des couleurs:
* Balance des blancs: Corrigez la température de couleur de l'image (par exemple, plus chaude ou plus froide).
* teinte, saturation, luminance (HSL): Ajustez la teinte, la saturation et la luminosité des couleurs individuelles.
* Gradage des couleurs: Utilisez le classement des couleurs pour créer une humeur ou un style spécifique.
4. Retouching (Photoshop):
* Brosse de guérison et clonage de guérison: Retirez les imperfections et les distractions.
* Séparation de fréquence: Une technique plus avancée pour lisser la peau tout en conservant la texture.
* Dodge &Burn: Éclaircir et assombrir les zones de l'image pour sculpter et ajouter la dimension.
* amélioration des yeux: Améliorez subtilement les yeux pour les rendre plus captivants.
5. Effets créatifs:
* Filtres: Utilisez des filtres pour ajouter un look ou un style spécifique à vos images.
* Textures: Superposer les textures pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt.
* Composage: Combinez plusieurs images pour créer une scène surréaliste ou fantastique.
* Couleur sélective: Isoler certaines couleurs de l'image tout en désaturant d'autres.
6. Affûtage: Appliquer l'affûtage comme étape finale pour améliorer les détails.
7. Enregistrer et exporter: Enregistrez vos images dans un format haute résolution (par exemple, JPEG ou TIFF) pour l'impression ou l'utilisation en ligne.
iv. Apprentissage et amélioration continues
* Pratiquez régulièrement: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Étudiez d'autres photographes: Analysez le travail des photographes que vous admirez. Qu'est-ce qui rend leurs images si convaincantes?
* Assister aux ateliers et séminaires: Apprenez de nouvelles techniques et obtenez les commentaires d'autres photographes.
* Rejoignez les communautés en ligne: Partagez votre travail et obtenez des critiques constructives.
* Expérimentez et n'ayez pas peur d'échouer: L'échec fait partie du processus d'apprentissage. Apprenez de vos erreurs et continuez à vous pousser de manière créative.
* Restez à jour sur les tendances: Suivez les blogs de photographie, les magazines et les médias sociaux pour rester informé des dernières tendances et techniques.
* Développez votre propre style: Au fil du temps, vous développerez votre propre style unique qui reflète votre personnalité et votre vision artistique.
Prise à emporter pour les portraits créatifs:
* Planification délibérée: Ne prenez pas seulement des photos; Ayez un concept et une raison derrière chaque plan.
* Communication: Parlez à votre modèle! Les meilleurs portraits sont souvent collaboratifs.
* Expérimentation: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses et de repousser vos limites.
* Le post-traitement fait partie de l'art: Utilisez l'édition pour améliorer votre vision, pas seulement pour «réparer» les choses.
* Authenticité: Efforcez-vous de créer des portraits authentiques et reflètent la personnalité du sujet.
Bonne chance et amusez-vous à créer! N'oubliez pas que la créativité est un processus, alors soyez patient et profitez du voyage.