i. Préparation et planification:jetant les bases de la créativité
* 1. Définissez votre vision:
* quelle histoire voulez-vous raconter? C'est la partie la plus cruciale. Visez-vous:
* mystère?
* force?
* vulnérabilité?
* surréalisme?
* joie?
* une époque spécifique (rétro, futuriste)?
* commentaire social?
* Notez votre concept de base dans une phrase ou deux. Par exemple:"Un portrait présentant la force intérieure du modèle à travers la lumière contrastée et l'obscurité, évoquant un sentiment de résilience."
* Mood Board &Inspiration: Collectez des images, des peintures, des images fixes, des textures, des couleurs et tout ce qui s'aligne sur votre vision. Les sites Web de Pinterest, Instagram et d'art sont de grandes sources. Cela aide à visualiser l'esthétique souhaitée. Ne copiez pas directement, mais utilisez-le comme tremplin.
* Techniques de recherche: Explorez des techniques de photographie créative spécifiques que vous souhaitez essayer (plus à ce sujet plus tard).
* 2. Sélection et collaboration du modèle:
* Choisissez un modèle qui complète votre vision: Considérez leur personnalité, leur apparence et leur volonté d'expérimenter. Un bon ajustement fait une * énorme différence.
* Communiquez votre vision: Expliquez clairement votre concept, l'humeur que vous recherchez et l'esthétique globale. Partagez votre tableau d'humeur.
* Impliquez le modèle: Demandez leur contribution et leurs idées. La collaboration mène à des résultats plus créatifs. Leur énergie et leur confiance devraient refléter la vision.
* 3. Scoutisme et permis d'emplacement (si nécessaire):
* Considérez l'atmosphère: L'emplacement devrait améliorer votre histoire. Pensez au-delà des emplacements de portrait typiques.
* Recherchez des éléments intéressants: Architecture unique, décors naturels, textures, motifs et sources de lumière.
* scout à différents moments de la journée: Observez comment la lumière change et comment elle affecte l'humeur de l'emplacement.
* obtenir des autorisations: Si vous tirez sur une propriété privée ou dans des espaces publics qui nécessitent des permis, effectuez les documents nécessaires.
* 4. Équipement:
* caméra: Le reflex numérique ou l'appareil photo sans miroir est idéal, mais un smartphone peut fonctionner à la pincée.
* objectifs: Choisissez des objectifs en fonction de votre vision.
* 50 mm: Polyvalent, idéal pour les portraits avec un bon flou d'arrière-plan.
* 85 mm: Excellent pour les portraits flatteurs avec une profondeur de champ peu profonde.
* 35 mm: Peut être utilisé pour les portraits environnementaux, montrant davantage de l'environnement.
* grand angle: Peut créer des perspectives dramatiques et déformées (utiliser avec parcimonie).
* Éclairage:
* lumière naturelle: L'heure d'or (peu de temps après le lever du soleil et avant le coucher du soleil) est magnifique. Les jours couverts fournissent une lumière douce et diffuse. Apprenez à utiliser des réflecteurs pour faire rebondir la lumière et remplir les ombres.
* lumière artificielle (speedlights / stroboscopes): Essentiel pour contrôler la lumière et créer des effets dramatiques. Considérez les softboxes, les parapluies et les gels.
* Accessoires:
* réflecteur: Rebondit léger pour remplir les ombres.
* diffuseur: Adoucit la lumière dure.
* gels: Ajoutez de la couleur à vos lumières.
* accessoires: Considérez les accessoires qui améliorent votre concept (voir l'étape suivante).
* Trépied: Pour les images nettes en faible luminosité ou lors de l'utilisation de longues expositions.
* 5. Accessoires et garde-robe:
* Choisissez les accessoires stratégiquement: Les accessoires doivent être significatifs et contribuer à l'histoire. Évitez les accessoires distrayants ou clichés. Exemples:livres, masques, fleurs, articles vintage, instruments de musique.
* garde-robe comme narration: Les vêtements devraient compléter le modèle et l'humeur globale. Considérez les palettes de couleurs, les textures et les silhouettes. Collaborez avec un styliste si possible.
* Cheveux et maquillage: Ceux-ci sont cruciaux pour donner le ton. Le maquillage naturel ou le maquillage audacieux peut améliorer l'apparence. Considérez le style de cheveux pour accompagner le thème.
ii. Tir:donnant vie à votre vision
* 1. Communication et pose:
* Direct avec gentillesse: Guidez votre modèle à travers des poses. Démontrer si nécessaire.
* Focus sur les émotions: Encouragez de véritables expressions. Parlez à votre modèle pour évoquer les sentiments souhaités.
* Expérimentez les poses: N'ayez pas peur d'essayer des poses non conventionnelles. Envisagez de vous inspirer des peintures de la Renaissance.
* Moments candides: Capturez des moments candides entre les poses pour des expressions authentiques.
* 2. Éclairage de maîtrise:
* Comprendre la direction lumineuse:
* Éclairage avant: Plat, minimise les ombres.
* Éclairage latéral: Crée des ombres et des reflets dramatiques.
* rétro-éclairage: Crée une silhouette ou une lumière de jante.
* Éclairage supérieur: Peut lancer des ombres peu flatteuses.
* Expérience avec les rapports d'éclairage: Le rapport entre la lumière clé (lumière principale) et la lumière de remplissage détermine le contraste de votre image.
* Température de couleur: Soyez conscient de la température de couleur de votre source lumineuse (lumière du jour, tungstène, etc.). Utilisez des paramètres de balance des blancs pour corriger les moulages de couleur ou pour créer des humeurs spécifiques.
* 3. Techniques créatives (c'est là que le «créatif» entre en jeu!)
* Mouvement de la caméra intentionnelle (ICM): Déplacez délibérément votre appareil photo lors d'une longue exposition pour créer un flou de mouvement. Cela peut ajouter un sentiment de dynamisme ou de surréalisme.
* Double exposition: Combinez deux images ou plus en une seule. Cela peut créer des effets oniriques ou surréalistes. Certaines caméras ont ce intérêt, ou vous pouvez le faire en post-traitement.
* Flare d'objectif: Utilisez une évasion de la lentille de manière créative pour un look rêveur ou éthéré. Tirez directement au soleil (veillez à ne pas endommager vos yeux).
* peinture légère: Utilisez une lampe de poche ou une autre source de lumière pour "peindre" la lumière sur votre sujet lors d'une longue exposition.
* Réflexions: Utilisez des miroirs, des flaques d'eau ou d'autres surfaces réfléchissantes pour ajouter de la profondeur et de l'intérêt à vos images.
* silhouettes: Positionnez votre sujet sur un fond lumineux pour créer une silhouette.
* bokeh: Créez un fond flou à l'aide d'une large ouverture (bombe F faible) et d'une longue distance focale.
* Utilisation créative de la vitesse d'obturation: Obturateur rapide pour le mouvement de congélation. Obturateur lent pour flou de mouvement.
* Utilisation des gels de couleur sur les lumières: Expérimentez avec des gels pour introduire les couleurs.
* 4. Composition:
* Règle des tiers: Divisez votre image en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placez votre sujet à l'intersection de ces lignes ou le long de l'une des lignes.
* lignes de tête: Utilisez des lignes pour guider l'œil du spectateur vers votre sujet.
* cadrage: Utilisez des éléments dans la scène pour encadrer votre sujet (par exemple, portes, arches, arbres).
* symétrie et motifs: Utilisez la symétrie ou les motifs de répétition pour une composition visuellement attrayante.
* Espace négatif: Utilisez un espace vide pour créer un sentiment d'équilibre et pour attirer l'attention sur votre sujet.
* 5. Expérimentez et enfreignez les règles:
* Une fois que vous comprenez les règles de la photographie, n'ayez pas peur de les briser! Expérimentez avec différentes techniques et compositions pour trouver votre propre style unique. C'est la clé.
* Prenez des risques. Tous les coups ne fonctionneront pas, mais c'est ainsi que vous apprenez et grandissez.
* Passez en revue vos images lorsque vous tournez et effectuez des ajustements au besoin.
iii. Post-traitement:polissage votre chef-d'œuvre
* 1. Logiciel: Adobe Lightroom, Capture One, Photoshop sont les normes de l'industrie. Les alternatives gratuites incluent GIMP et DarkTable.
* 2. Ajustements de base:
* Exposition: Corrigez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les zones les plus légères et les plus sombres de l'image.
* Balance des blancs: Corriger les couleurs et assurer des couleurs précises.
* Faits saillants et ombres: Récupérez les détails dans les points forts et les ombres.
* Clarity &Dehaze: Ajouter la netteté et réduire la brume.
* 3. Édition créative:
* Gradage des couleurs: Ajustez les couleurs pour créer une humeur ou un style spécifique.
* esquiver et brûler: Éclairer ou assombrir des zones spécifiques de l'image pour souligner certaines caractéristiques ou créer un sentiment de profondeur.
* Retouching: Retirez les imperfections, adoucissez la peau et améliorez les caractéristiques. Soyez conscient de sur-retrait.
* Ajout de textures: Superposer les textures pour ajouter un intérêt visuel.
* Ajout d'effets: Expérimentez des effets comme le grain de film, la vignette ou le flou.
* Conversion en noir et blanc: Créez des images dramatiques et intemporelles en convertissant en noir et blanc.
* 4. Retouching Skin (utilisez avec parcimonie): Évitez de trop-retrait. L'objectif est d'améliorer, de ne pas créer une version irréaliste du modèle. Utilisez la séparation des fréquences ou d'autres techniques pour lisser la peau tout en préservant la texture.
* 5. Touches finales:
* Affûtage: Ajoutez une dernière couche d'aiguisme pour faire éclater l'image.
* Réduction du bruit: Réduisez le bruit (grain) dans l'image.
* Crop: Cramez l'image pour améliorer la composition.
iv. Pratique et expérimentation
* Pratiquez régulièrement: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Analysez votre travail: Critiquez vos propres images et identifiez les domaines à améliorer.
* recherchez des commentaires: Partagez votre travail avec d'autres photographes et demandez des critiques constructives.
* Restez inspiré: Continuez à regarder le travail d'autres photographes, artistes et cinéastes pour rester inspirés.
* Expérimentez constamment: N'arrêtez jamais d'essayer de nouvelles techniques et approches. Les meilleurs portraits créatifs proviennent de la poussée des limites de ce qui est possible.
Prise des clés:
* La vision est primordiale: Commencez par une idée claire.
* La collaboration est la clé: Travaillez avec votre modèle, styliste et autres créatifs.
* L'éclairage est tout: Maître l'art de la lumière.
* Expérimentez et enfreignez les règles: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses.
* Le post-traitement est une extension de votre vision: Utilisez-le pour améliorer vos images.
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous obtiendrez.
En suivant ces étapes, vous pouvez créer une photographie de portrait créative qui est à la fois techniquement solide et artistiquement convaincante. Bonne chance, et amusez-vous à créer!