i. Planification et préparation - jetant les bases
* Vision:
* concept / humeur: Quelle histoire voulez-vous raconter? Joyful, pensif, puissant, mystérieux? Définissez le * sentiment * que vous visez. Cela influencera tout le reste.
* Photos de référence: Regardez les portraits que vous admirez. Analysez l'éclairage, la pose, la composition et les palettes de couleurs. Ne copiez pas, mais utilisez-les comme inspiration et communiquez votre vision à votre modèle.
* Communication avec votre modèle: C'est crucial. Discutez du concept, de l'humeur et du look que vous recherchez. Montrez-leur des photos de référence. Plus ils comprennent, mieux ils peuvent incarner le personnage souhaité.
* Scoutisme de localisation (ou configuration de studio):
* Background: Considérez la toile de fond. Est-ce que cela complète le sujet ou la distraction? Recherchez des arrière-plans propres et épurés ou ceux qui ajoutent du contexte. Pensez aux couleurs et aux textures.
* lumière ambiante: Observer la lumière existante. Comment cela tombe-t-il sur le sujet? Où sont les ombres? Cela vous aidera à décider de la quantité de lumière artificielle (le cas échéant). Considérez l'heure de la journée pour la lumière naturelle ("Golden Hour" est populaire).
* Vérification des équipements:
* caméra: Toute caméra peut prendre un portrait, mais une caméra DSLR ou sans miroir offre plus de contrôle.
* objectifs:
* 50 mm: Une distance focale classique et polyvalente qui se rapproche de la vision humaine naturelle. Souvent rapide (ouverture large comme f / 1,8 ou f / 1.4) pour de bonnes performances en basse lumière et une profondeur de champ peu profonde.
* 85 mm: Excellent pour les caractéristiques du visage flatteuses, offrant plus de compression et brouillant l'arrière-plan.
* 35 mm: Peut être utilisé pour les portraits environnementaux, qui montrent plus d'arrière-plan pour fournir un contexte.
* lentilles zoom: (par exemple, 24-70 mm, 70-200 mm) offrent une flexibilité.
* Éclairage (si nécessaire):
* réflecteur: Un moyen simple et peu coûteux de rebondir et de remplir les ombres.
* speedlight (flash): Utile pour ajouter une lumière de remplissage ou créer un éclairage plus dramatique.
* stroboscopes de studio: Pour un éclairage plus puissant et contrôlable dans un cadre en studio.
* softboxes / parapluies: Utilisé pour diffuser la lumière et créer des ombres plus douces.
* Trépied: Utile pour les images nettes, en particulier en faible luminosité ou lors de l'utilisation de lentilles plus longues.
ii. Prise de vue - capturer l'image
* Paramètres de la caméra:
* ouverture:
* large ouverture (par ex., f / 1,4, f / 2.8): Crée une profondeur de champ peu profonde, brouillant le fond et isolant le sujet. Idéal pour souligner les yeux. Nécessite une concentration minutieuse.
* ouverture plus étroite (par exemple, f / 5.6, f / 8): Gardez plus de l'image en vue, utile pour les portraits de groupe ou les portraits environnementaux où vous voulez que l'arrière-plan soit net.
* vitesse d'obturation: Choisissez une vitesse d'obturation assez rapidement pour éviter le flou du mouvement. Généralement, 1 / focale (ou plus rapide) est un bon point de départ (par exemple, 1 / 50e de seconde avec un objectif de 50 mm). Ajustez au besoin pour le mouvement de votre sujet et la lumière disponible.
* ISO: Gardez ISO aussi bas que possible pour minimiser le bruit. Augmentez uniquement si nécessaire pour atteindre la vitesse d'obturation et l'ouverture souhaitées.
* Mode de mise au point: Utilisez la mise au point automatique à point unique (AF-S ou One-Shot) pour des portraits statiques. Pour les sujets en mouvement, utilisez la mise au point automatique continue (AF-C ou AI Servo). Concentrez-vous sur les yeux - ils sont la clé pour se connecter avec le spectateur.
* Mode de mesure: La mesure évaluative / matrice est un bon point de départ. Ajustez la compensation d'exposition (+/-) selon les besoins pour s'assurer que le sujet est correctement exposé. La mesure des points peut être utile pour des situations d'éclairage délicates.
* Balance des blancs: Réglez la balance des blancs pour correspondre aux conditions d'éclairage (par exemple, lumière du jour, nuageuse, tungstène, fluorescent). Vous pouvez également tirer au format brut et ajuster la balance des blancs en post-traitement.
* posant:
* naturel et détendu: Les meilleures poses semblent sans effort. Commencez par des poses simples et ajustez progressivement.
* Corps incliné: Avoir le sujet légèrement incliné vers la caméra est généralement plus flatteur qu'une pose directe.
* Shift de poids: Le changement de poids d'une jambe à l'autre peut créer une pose plus dynamique et détendue.
* Placement des mains: Faites attention aux mains. Évitez les positions des mains raides ou maladroites. Demandez-leur de reposer naturellement sur les genoux, de toucher le visage ou de tenir un objet.
* Position du menton: L'abaissement légèrement le menton peut minimiser un double menton.
* Contact oculaire: Le contact visuel direct crée une connexion forte avec la visionneuse. Cependant, une apparence légèrement hors caméra peut également créer une humeur plus pensive ou mystérieuse.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer différentes poses et angles. Obtenez des commentaires de votre modèle.
* techniques d'éclairage:
* lumière naturelle:
* Open Shade: Fournit des ombres douces et voire légères et évite les ombres difficiles.
* Golden Hour (Sunrise / Sunset): Lumière chaude et douce qui est très flatteuse.
* rétro-éclairage: Placer le sujet avec la lumière derrière eux peut créer un bel effet de lumière de jante. Utilisez un réflecteur ou remplissez un flash pour égayer le visage du sujet.
* lumière artificielle:
* une configuration de lumière: Un bon point de départ pour les débutants. Positionnez la source lumineuse pour créer des ombres et des reflets agréables. Utilisez un réflecteur pour remplir les ombres du côté opposé du visage.
* deux configurations de lumière: Une lumière clé (la source principale) et une lumière de remplissage (pour adoucir les ombres).
* Éclairage à trois points: Lumière clé, remplissage de lumière et rétro-éclairage (pour séparer le sujet de l'arrière-plan).
* Composition:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placez les éléments clés (comme les yeux) dans ce sens ou à leurs intersections.
* lignes de tête: Utilisez des lignes en arrière-plan pour dessiner l'œil du spectateur vers le sujet.
* cadrage: Utilisez des éléments au premier plan (comme les arbres, les portes ou les arches) pour encadrer le sujet.
* Espace négatif: Laissez un espace vide autour du sujet pour créer un sentiment de calme et d'équilibre.
* Salle de la tête: Laissez un peu d'espace au-dessus de la tête du sujet, mais évitez de laisser trop.
* niveau des yeux: Le tir au niveau des yeux crée un sentiment de connexion avec le sujet.
* Diriger votre modèle:
* Soyez clair et concis: Donner des instructions spécifiques.
* Soyez positif et encourageant: Créez une atmosphère détendue et confortable.
* donner des commentaires: Dites-leur ce que vous aimez et ce que vous voulez qu'ils s'ajustent.
* Afficher les exemples: Si vous avez du mal à expliquer quelque chose, montrez-leur une photo de référence.
* Écoutez leur entrée: Ils peuvent avoir des idées que vous n'avez pas considérées.
iii. Post-traitement - Amélioration de l'image
* Logiciel: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, capture un, luminar ai, etc.
* Ajustements de base:
* Exposition: Ajustez la luminosité globale de l'image.
* Contraste: Ajustez la différence entre les points forts et les ombres.
* Highlights / Shadows: Ajustez séparément la luminosité des reflets et des ombres.
* Blancs / Noirs: Ajustez les points blancs et noirs pour maximiser la plage dynamique.
* Clarity / Texture: Ajouter ou réduire la netteté et les détails. Utilisez avec parcimonie - trop peut avoir l'air artificiel.
* Vibrance / saturation: Ajustez l'intensité des couleurs. La vibrance affecte plus les couleurs moins saturées que la saturation.
* Balance des blancs: Affinez l'équilibre du blanc pour assurer des couleurs précises.
* Ajustements locaux:
* Brosses de réglage / filtres gradués: Appliquer des ajustements à des zones spécifiques de l'image (par exemple, égayer les yeux, assombrir l'arrière-plan).
* Retouching (facultatif):
* lissage de la peau: Réduisez les imperfections et les rides, mais veillez à ne pas trop lisse de la peau, car elle peut sembler contre nature.
* amélioration des yeux: Aiguisez les yeux et ajoutez une subtile chauffante.
* Whitening des dents: Il blanchit légèrement les dents, mais évitez de les rendre trop artificiels.
* Affûtage: Aiguisez l'image pour une visualisation optimale. Utilisez différentes techniques d'accrochage pour différentes tailles de sortie (par exemple, Web vs imprimer).
* Réduction du bruit: Réduisez le bruit dans l'image, en particulier dans l'ombre.
iv. Portrait Styles - Adapter votre approche
* Portrait classique: Concentrez-vous sur la capture d'une image intemporelle et flatteuse du sujet. Contexte simple, éclairage doux et pose naturelle.
* Portrait environnemental: Montre le sujet dans leur environnement, fournissant un contexte et raconter une histoire sur qui ils sont. Des lentilles plus larges et des ouvertures moins profondes sont courantes.
* Portrait candide: Capture le sujet dans un moment naturel et sans allure. Nécessite de la patience et des réflexes rapides.
* Portrait à clé haute: Bright, aéré et optimiste. Même l'éclairage, le fond de couleur claire et les ombres minimales.
* Portrait discret: Dramatique, de mauvaise humeur et mystérieux. Fond sombre, ombres fortes et reflets minimaux.
* Portrait créatif: Expérimentez avec différentes techniques d'éclairage, posant et effets post-traitement pour créer une image unique et artistique.
Les principaux plats et conseils:
* Pratique, pratique, pratique: Plus vous tirez, mieux vous deviendrez.
* Apprenez de vos erreurs: Analysez vos images et identifiez les zones d'amélioration.
* Expérience: N'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses.
* Développez votre propre style: Trouvez ce qui fonctionne pour vous et créez un look de signature.
* Connectez-vous avec votre sujet: La chose la plus importante est de capturer leur personnalité et leurs émotions.
* apprenez toujours: Lisez des livres, regardez des tutoriels et assistez à des ateliers pour continuer à améliorer vos compétences.
* sauvegarde vos images! Utilisez plusieurs emplacements de sauvegarde.
En comprenant ces éléments et en pratiquant régulièrement, vous pouvez améliorer considérablement vos compétences en photographie de portrait. Bonne chance et bonne prise de vue!