Découvrez des astuces pour éditer des séquences d'action cinétiques et équilibrer les scénarios de plusieurs personnages avec l'éditeur de Bullet Train. .
Il y a un moment dans le film Bullet Train où un personnage ramasse une bouteille d'eau qui déclenche une séquence de flashback qui est si longue d'histoire et de richesse d'action qu'on pourrait penser qu'il s'agit d'un court métrage autonome.
Au moment où nous revenons à la scène en question, ladite bouteille d'eau est utilisée pour assommer au moins un personnage critique avant d'être rapidement abandonnée pour que des séquences de combat encore plus insensées commencent.
Et c'est le style et le rythme de Bullet Train du début à la fin. Basé sur le roman japonais intitulé Maria Beetle de Kōtarō Isaka (publié en anglais sous le titre Bullet Train ), cette adaptation en live-action est très vivante et pleine d'action.
Réalisé par David Leitch (de John Wick et Hobbs &Shaw renommée), et avec Brad Pitt et un casting all-star complet de personnages chaotiques apparemment extraits des pages de manuscrits perdus de Quentin Tarantino, Guy Ritchie et Haruki Murakami, Bullet Train est à peu près aussi énergique, chaotique et percutant qu'un film moderne peut l'être.
Cela nous amène à poser quelques questions intéressantes et perspicaces à la monteuse du film, Elísabet Ronaldsdóttir, sur son rôle dans la folie et sur la façon dont elle a réussi à rassembler autant d'intrigues transversales pour un tout complet, mais toujours cinétique.
PremiumBeat :Bonjour Elísabet, merci d'avoir discuté avec nous ! Du point de vue d'un spectateur extérieur, Bullet Train Cela semble être un projet amusant, mais stimulant, à reconstituer. Quelle a été votre approche pour équilibrer autant de scénarios de personnages à la fois ?
Avec l'aimable autorisation d'Elísabet Ronaldsdóttir. Elísabet Ronaldsdóttir :C’est une question intéressante car c’était probablement la plus grande tâche que nous avions devant nous. Comment les équilibrer ? Comment faire pour qu’ils brillent tous sans s’éclipser ? Mais c'était aussi très amusant.
L'une des choses était de savoir comment présenter ces personnages. Dans le livre – et c’était également le cas dans le scénario – à chaque chapitre, vous rencontriez un nouveau personnage. Et nous avons essayé de rester aussi fidèles à cela que possible.
Cependant, je suis convaincu que notre travail en tant qu'éditeurs consiste à traduire le script dans une langue différente, qui est l'image animée.
Ainsi, comme pour toute traduction entre langues, vous devez parfois réorganiser des phrases, voire des mots. Ainsi, lorsque j'ai commencé à expérimenter simplement en faisant rebondir ces différents personnages, il a commencé à avoir du sens de les faire se rencontrer et s'entremêler dès le début.
J'avais l'impression d'avoir une plus grande idée du destin, d'une manière que vous n'aviez pas si tôt, de la même manière lorsque nous avions les chapitres.
PB :Il y a aussi beaucoup de séquences d'action et de scènes de combat intenses et exagérées dans le film. Quelle est votre approche pour donner au public une idée de cette énergie cinétique ?
Élisabet Ronaldsdóttir :Eh bien, avant tout, je dois respecter tout le travail qui a été fait sur le film avant même de commencer le montage. Je ne chorégraphie pas l’action. Cela a été chorégraphié et produit par certaines des meilleures personnes du secteur. En gros, j'ai essayé de ne pas tout foutre en l'air !
Lorsque nous faisons de l’action, vous obtenez une pré-visibilité, et tout est organisé et chorégraphié. Évidemment, c’est aussi une question de sécurité. Les gens doivent savoir exactement dans quoi ils s'engagent pour que chaque coup de poing ou coup soit chorégraphié.
Ce que je fais, lorsqu'il s'agit d'éditer l'action, c'est de les assembler comme prévu. Ensuite, je le regarde encore et encore. Et la raison pour laquelle je fais cela, c’est parce qu’il faut du temps pour que quelque chose se sente bien. Où est-ce que ça ralentit ? Où tient-il ? Où est-ce qu'il ne frappe pas dans le bon sens ?
Notre réalisateur David Leitch est fan de vitesse variable dans ses scènes de combat. Mais, pour ce film, nous avons décidé d'attendre le grand combat du troisième acte pour introduire des vitesses variables afin de les aider à frapper encore plus fort.
Mais je le regarde encore et encore parce que je trouve qu'il est très important de trouver le rythme intérieur de la scène avant d'y mettre de la musique. Parce que si vous mettez de la bonne musique sur quelque chose, tout sera superbe.
La musique est un média tellement puissant qu’une bonne musique peut donner à tout un aspect magnifique. Mais si vous le regardez sans musique, vous constaterez peut-être que ce n’est pas si génial dans certaines parties.
Donc, j'essaie d'éviter cela en le revivant encore et encore et encore, sans son avec son sans son - et puis encore, avec son et puis encore, sans son, et ce n'est que lorsque vous avez trouvé ce rythme intérieur de la scène que vous pouvez dire que c'est OK d'introduire la musique comme cerise sur le gâteau.
PB :Quelle plateforme de montage avez-vous utilisée pour Bullet Train (et pourquoi) ?
Image via Columbia Pictures. Élisabet Ronaldsdóttir :Donc pour Bullet Train , j'ai édité sur Avid. Mais je veux dire, j’ai travaillé sur tout. J'ai coupé sur Premiere, j'ai coupé sur Final Cut Pro, vous savez, je les ai tous utilisés. Je couperai avec des ciseaux s’il le faut, mais nous utilisons Avid parce que tous les pipelines sont en place et c’est tellement confortable.
Je travaille avec cela depuis des années, et il se trouve que cela fonctionne la plupart du temps car nous avons généralement un calendrier de publication très serré. Donc, vous ne voulez pas commencer quelque chose de nouveau, si cela a du sens. Vous vous appuyez simplement sur ce que vous savez ; c'est pourquoi nous utilisons Avid.
PB :Avez-vous utilisé d'autres plugins ou outils pour travailler sur ce projet ?
Élisabet Ronaldsdóttir :Nous l'avons fait ! Mais je ne suis pas le spécialiste en la matière (rires). J'avais un premier assistant formidable qui dirigeait le navire – Nick Ellsberg – et il nous a aidés à traverser la COVID parce que nous étions tous évidemment isolés et travaillions à domicile. Et il nous a installé toutes sortes d'applications dont je ne me souviens tout simplement pas des noms pour le moment, où il nous a tous synchronisés.
Donc, même si nous travaillions dans différentes parties du monde, car pendant six mois, j'ai travaillé depuis chez moi en Islande. Il nous a tous synchronisés pour que c'était presque comme si nous travaillions au même endroit. Cela fonctionne en quelque sorte. Tout le monde se sentait ensemble et si quelqu'un changeait quelque chose, je pouvais voir que sa poubelle était verrouillée. Ensuite, lorsque la corbeille a été déverrouillée, j'ai pu voir les changements immédiatement.
PB :Comment voyez-vous l'avenir du montage vidéo de longs métrages évoluer au cours des prochaines années ?
Élisabet Ronaldsdóttir :Je ne sais pas parce que le fait est que j’ai commencé le montage sur pellicule. Vous savez, à la fois 16 et 35, où vous utilisiez la colleuse avec des gants blancs, le cadre perdu dans la poubelle, et, vous savez, ça a tellement changé depuis. Je ne sais pas si j'ai l'imagination nécessaire pour imaginer à quel point cela pourrait changer par rapport à ce qu'il est aujourd'hui.
Mais je pense que les films existeront toujours. Et je pense que les monteurs de films seront toujours essentiels à tout projet – j’en suis extrêmement positif.
Mais du point de vue technologique, tout peut arriver. Vous pouvez simplement voir les contrefaçons profondes qu’ils font ces jours-ci. Peut-être qu'à un moment donné, nous allons générer des gros plans d'un acteur parce que nous avons raté une réplique et nous n'aurons pas besoin de la restituer (rires).
Je ne sais pas mais il y a tellement de choses à voir. De plus, c’est tout simplement génial d’apprendre constamment de nouvelles choses, de sortir de sa zone de confort et d’essayer de nouvelles choses. J'en suis ravi.
Élisabet Ronaldsdóttir :Oui, c’est une question délicate, surtout parce que les choses ont changé très vite. Les premier et deuxième assistants dans un grand film deviennent de plus en plus importants. Et je déteste les appeler assistants parce que ce n’est pas comme s’ils allaient m’apporter du café ou quoi que ce soit, cela demande un ensemble de compétences très spécifiques et ils sont tous intelligents en matière de technologie. Mais honnêtement, il s'agit d'un ensemble de compétences tellement différentes dont vous n'avez pas besoin en tant qu'éditeur.
Je m'en sors bien avec eux, mais cela m'inquiète car beaucoup de gens se lancent dans le montage en passant par des assistants de montage. Et, selon la façon dont vous voyez les choses, c'est peut-être bien pour les films indépendants où il y a de la place pour cela et où vous pouvez donner des scènes et discuter de choses en équipe.
Mais sur ces grands films, c’est juste angoissant au niveau du temps. Vous travaillez dix heures par jour et tout le monde est occupé à développer ses compétences spécifiques.
Si vous voulez réussir dans ce métier, il est également important de reconnaître que passer du cinéma à l’école avant de travailler sur un film à succès représente un énorme saut. Cela ne fait aucun doute. Certaines personnes auront de la chance, mais elles seront très peu nombreuses et très éloignées. Je pense qu'il est important de former votre clan dès le début, même en passant par une école de cinéma, qui peut être un excellent endroit pour former ce clan.
Trouvez des personnes en qui vous croyez, même s’il s’agit de réalisateurs, de monteurs cinématographiques ou d’autres personnes, pour vous aider à former votre groupe. Cela demandera toujours beaucoup de travail bon marché, où il faudra monter des courts métrages. J'ai traversé tout cela en travaillant constamment à soutenir les gens autour de moi, mais je pense qu'il est essentiel de trouver son clan et d'aller avec les gens en qui on croit.
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Image de couverture via Columbia Pictures.