Les erreurs de continuité sont l'un des moyens les plus simples de détourner l'attention de votre audience. Discutons de la façon de résoudre les problèmes de continuité en post-production.
À quoi pensez-vous lorsque vous entendez le mot « continuité » ?
Vous pourriez penser à une tasse Starbucks posée sur une table à Westeros, ou peut-être à une main donnant un coup de pouce motivant à un vélociraptor. Mais l’un des aspects techniques les plus importants d’un film est le montage dans la continuité. Bien entendu, cela se produit lorsqu’un plan est suivi d’un autre plan qui a un sens temporel et spatial dans la scène.
Maintenant, en termes de gaffes de continuité dans le montage, vous avez peut-être remarqué des différences visuelles flagrantes entre les montages des grands blockbusters en raison de reprises prises des mois après le tournage original. Il existe une myriade de raisons pour lesquelles la continuité du montage d’un film en souffre. Cependant, presque toujours, ce n'est pas l'éditeur qui est responsable.
Les problèmes de production et les contretemps logistiques peuvent transformer la vie d’un monteur en enfer lorsqu’il reçoit toutes les séquences décousues. Il existe néanmoins quelques techniques et conseils à retenir concernant la continuité avant d'aborder votre prochaine modification. Commençons !
Superviseur de script vs éditeur
Vous pensez peut-être, mais n'y a-t-il pas une personne sur le plateau chargée de s'assurer que ces problèmes flagrants de disparité ne se produisent pas ?
Vous pariez que oui. Pour l'essentiel, le superviseur du scénario est chargé de s'assurer que toute la continuité est cohérente d'un plan et d'une scène à l'autre. Ainsi, plus précisément, leur travail consiste à être attentif à ce que font les personnages et à où ils se trouvent dans toute la couverture qui se déroule dans une scène.
Si vous avez déjà participé à un tournage, vous savez à quel point chaque aspect peut être chaotique, désorganisé et rapide. Il est logique que le superviseur du scénario fasse une erreur de temps en temps, laissant passer quelque chose pendant le tournage de la scène.
Dans l’ensemble, le superviseur du scénario surveille les changements de garde-robe, d’accessoires, de style et de décors qui pourraient survenir entre les prises. Foire aux vanités a publié il y a quelques années un exemple incroyable et une analyse de l'importance d'un superviseur de scénario. Découvrez-le ci-dessous.
Pensez à un personnage mangeant un cheeseburger pendant une conversation. Imaginez si, lors des allers-retours entre les deux personnages qui parlent, la quantité de cheeseburger consommée augmente et diminue tout au long de la scène. Nous parlons d'une bouchée jusqu'à presque avoir fini avec le hamburger et vice-versa.
Un autre excellent exemple de quelque chose de remarquable serait un personnage fumant une cigarette. La conversation commence et le personnage allume la cigarette et la fume pendant toute la durée de la conversation. La scène se termine avec ce personnage qui éteint la cigarette dans un cendrier.
Supposons que le réalisateur demande à l’acteur de tourner la scène 10 fois. Désormais, ils consommeraient plus d’une cigarette pendant le temps nécessaire pour filmer cette scène 10 fois. Vous devez donc choisir les prises (espérons-le qu’elles soient bonnes et utilisables) qui ont du sens séquentiellement en fonction de la durée pendant laquelle la cigarette brûlerait tout au long de la conversation.
- 7 erreurs de continuité courantes (et évitables)
On vous donne à peu près ce qu’on vous donne avec les images. Mais ce type de continuité n’est contrôlable que dans certaines limites du point de vue de l’éditeur. Alors, comment pouvons-nous, en tant qu'éditeurs, assurer une continuité cohérente dans d'autres domaines ?
Différents types de continuité
Les différents types de coupe que vous pouvez faire sont là où cela devient amusant. Outre les accessoires physiques, la décoration des décors, la coiffure, le maquillage et la garde-robe, il existe d’autres types de continuité, plus techniques. Ces éléments incluent la ligne des yeux, l'adaptation des coupes au mouvement et les changements de scène. Vous évitez également que le public ne soit désorienté en raison du non-respect des règles des 30 et 180 degrés.
- Comprendre (et parfois ignorer) la règle des 180 degrés
Ce sont toutes des choses pour lesquelles vous pouvez vous aider dans votre modification. Il existe plusieurs manières différentes de passer d'une scène à l'autre, comme les fondus d'entrée ou de sortie.
Coupes et mouvements
Cependant, selon la Théorie des images animées :considérations écologiques Selon J. D. Anderson & B. F. Anderson, « environ 95 % des limites de montage sont des coupures, ce qui constitue l'assemblage de deux images de caméra. » Ainsi, la forme de découpage la plus simple est la manière la plus importante et la plus efficace de raconter votre histoire.
Couper l'action et le mouvement implique de passer d'un plan au suivant une fois qu'un personnage effectue une action.
Disons qu’un homme se dirige vers une voiture et tend la main pour atteindre la poignée de porte. Au moment où sa main touche la poignée de porte, vous passez à un plan plus rapproché de sa main ouvrant la porte, au lieu de couper au milieu de lui ouvrant la porte pour ensuite le voir assis dans la voiture.
Pour en savoir plus sur les différents types de coupes que vous pourriez ajouter à votre répertoire, consultez notre tutoriel sur les neuf coupes essentielles que tout éditeur devrait connaître ci-dessous !
Lignes des yeux assorties
La correspondance visuelle est essentielle, car elle indique de manière non verbale que deux personnages ont une conversation.
Cela signifie que si vous incluez une photo d'un personnage regardant hors écran et vers la droite, pour avoir une continuité cohérente, vous devrez passer au deuxième personnage regardant hors écran, mais vers la gauche (de retour au premier personnage).
Cette continuité spatiale est peut-être l’une des règles importantes les plus singulières du cinéma. Cela aide à ce que tout paraisse naturel à nos yeux.
Règles des 30 et 180 degrés
En parlant d’orientation, prenons les règles des 30 et 180 degrés, qui stipulent que la caméra ne doit jamais franchir une ligne invisible de 180 degrés lorsqu’elle couvre une scène. Cela garantit que votre public comprend où se trouvent les personnages les uns par rapport aux autres et à l'environnement qui les entoure.
Passer au plan suivant qui est soit à moins de 30 degrés, soit à plus de 180 degrés désorientera le spectateur et quelque chose ne semblera pas bon. Un bon exemple visuel de ce dont nous parlons vient de Film Riot, avec un excellent angle de haut en bas pour montrer précisément comment suivre la règle.
Comment aborder votre modification
La forme la plus simple de montage en continuité suit l'idée même que le public a besoin de voir ce qui se passe dans une scène à partir d'une progression séquentielle claire d'un plan à l'autre. Ils ne devraient jamais être confus quant aux mouvements de base, aux lignes et à la localisation spatiale des personnages.
- Comment créer une continuité lors de l'utilisation de séquences d'archives
Le montage est l’un des types de scènes les plus amusants à éditer. Très probablement, vous obtiendrez une tonne de séquences de personnages progressant d’une manière qui est censée donner l’impression que cela s’étend sur une grande quantité de temps ou se produit rapidement. Cela pourrait donc signifier que vous montez un montage d’un enfant se préparant pour l’école ou apprenant à jouer au basket-ball au cours d’une année scolaire.
Lorsque vous modifiez la scène, assurez-vous que les plans suivent la chronologie dont vous avez besoin. Ne passez pas d’une photo de l’automne à une photo de l’été, puis revenez à une photo de l’hiver. Même si le montage semble omniprésent, le public a besoin de cette continuité pour croire à l’histoire.
Qu'est-ce que la modification de discontinuité ?
Mais la discontinuité n’est pas toujours une mauvaise chose. Par exemple, les flashbacks sont un moyen très efficace de faire avancer le récit en expliquant ce qui se passe actuellement à travers un regard sur les personnages du passé.
En termes de montage, faites attention à ce que vous coupez. Par exemple, coupez un plan d'établissement d'un lieu ou d'un lieu qui donne aux spectateurs un contexte immédiat avant de se lancer dans une conversation ou une action. Planifiez des objets et des lieux du passé, puis passez au début de la scène.
L'établissement de plans et de rouleaux B est le meilleur ami d'un éditeur. Ne les prenez jamais pour acquis !
La discontinuité peut aussi être un moyen magistral d’induire le public en erreur. Vous pourriez trouver une situation pour cette approche si un personnage est confus, désorienté ou devient incontrôlable.
Faire des allers-retours rapides dans le temps et dans l’espace est un excellent moyen de montrer le chaos sans sortir le spectateur de l’histoire. En fait, cela sert très bien l'histoire, surtout si vous terminez cette séquence d'une manière qui recentre le public, comme un plan d'établissement ou un passage sur un écran noir.
Avez-vous remarqué que les plans d'établissement reviennent sans cesse ? Ils constituent un excellent moyen de tout réinitialiser ou de tout remettre à la terre.
Maîtriser l'art du montage parallèle
Le montage parallèle consiste à faire des allers-retours entre deux personnages ou lieux simultanément. C'est une façon amusante de montrer l'action qui se déroule dans le monde du film que votre public regarde. Cela donne également au public un contexte quant à l'endroit et à ce que font les autres personnages les uns par rapport aux autres.
Lorsque vous prenez des décisions éditoriales avec ce type d’approche, assurez-vous de toujours donner le contexte de la « nouvelle » scène afin que le public sache précisément quel récit il regarde se dérouler.
Une autre forme de continuité consiste à trouver un flux cohérent dans votre montage. Par exemple, vous ne voulez jamais que le spectateur soit exclu de l’histoire à cause d’un découpage incohérent. Si vous laissez une photo d'un personnage prononçant une ligne, passez au personnage opposé pour montrer comment il réagit à ce qui est dit.
Une fois que vous êtes arrivé à cette réaction, assurez-vous de donner au public le temps de comprendre ce qui est communiqué, que ce soit de manière non verbale ou avec des mots. Ne revenez pas au personnage qui parle trop vite.
La meilleure façon de vous assurer que vous avez le bon timing est de monter la scène et de la regarder en tant que spectateur objectif. Regardez la vidéo ci-dessous si vous voulez un excellent exemple de ce qui ne pas faire.
Qu'est-ce que la modification par chevauchement ?
Utilisé principalement avec les scènes d'action, ce style de montage en continuité met l'accent sur un moment ou une action particulière. Il suit l'action en cours, puis passe immédiatement à un angle de caméra différent de la même action.
Cela semble étrange et rebutant, visuellement parlant. Mais lorsqu’on le jette dans une scène avec beaucoup d’efforts, cela a du sens. Vous ne réaliserez peut-être même pas que vous avez vu la même action se dérouler deux fois.
Cette scène de poursuite de Mission Impossible 2 est un excellent exemple de ce type de modification.
En conclusion
L'édition de continuité est davantage une question de ressenti et d'intuition que de calcul et de précision. Les scènes que vous montez doivent se dérouler d'une manière qui a du sens dans le contexte de l'histoire et maintenir l'intérêt du public sans l'aliéner.
Qu’il s’agisse de s’assurer que vos personnages sont orientés dans la bonne direction entre les montages ou de se rappeler de couper l’action, le montage joue un rôle crucial dans la narration cohérente de l’histoire.
N’oubliez pas que, comme tout aspect du cinéma, il s’agit parfois d’un effort de groupe qui nécessite des opinions et des voix extérieures pour vous aider à atteindre la ligne d’arrivée. Parfois, une deuxième paire d'yeux est la meilleure aide que vous puissiez recevoir en tant que monteur vidéo.
Image de couverture par Fabio Pagani .
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