L’utilisation des sept principes de l’art et du design peut vous aider à produire des photographies plus dynamiques et accrocheuses. Mais vous n’avez pas besoin d’un diplôme en appréciation de l’art pour maîtriser ces principes. Même une brève introduction pour améliorer vos compétences en composition photographique.
Dans cet article, nous examinons les sept principes de l’art et du design. Nous examinons ce qu'ils sont et comment vous pouvez les utiliser en photographie. Cet article n'est qu'une introduction, mais recherchez des liens vers des articles approfondis dans le texte.
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Quels sont les 7 principes de l'art et du design ?
Les sept principes de l'art et du design sont l'équilibre, le rythme, le motif, l'emphase, le contraste, l'unité et le mouvement.
Les artistes utilisent ces principes, dans une plus ou moins grande mesure, pour rendre leurs œuvres visuellement intéressantes. Mais ces principes ne se limitent pas aux peintres et graphistes. Les photographes peuvent également utiliser ces principes pour améliorer leur style visuel.
Vous disposez également d’éléments d’art et de design. Ce sont la ligne, la forme, l’espace, la valeur, la couleur et la texture. Ce sont les outils que les artistes visuels utilisent pour construire leurs images. Ce sont des éléments constitutifs de toute forme d’art visuel, y compris la photographie.
Les photographes peuvent créer une image basée sur la théorie de l’art en appliquant les sept principes de l’art et du design. Examinons chaque principe de plus près.
La Création d'Adam de Michel-Ange démontre une compréhension approfondie des sept principes de l'art et du design.
1. Solde
La balance est utilisée pour illustrer le poids visuel d'une image. Il peut soit unir une photo, soit créer une division. Vous pouvez atteindre l'équilibre de trois manières :
- Symétrie :les deux côtés d'une image reflètent le même sujet, comme une image miroir.
- Asymétrie :Des éléments contrastés équilibrent l'image. Par exemple, une surface texturée d'un côté d'une image et une surface lisse et mate de l'autre.
- Symétrie d'équilibre radial :Éléments équidistants autour d'un point central, Comme les rayons d'une roue de vélo.
Une image soigneusement équilibrée confère une impression de stabilité à une photo. Une image déséquilibrée crée de la désunion ou des troubles. Les deux applications sont acceptables, selon le résultat souhaité.
L'équilibre est sensuel dans le sens où il « semble » mauvais ou bon. Essayez de déplacer votre appareil photo pour obtenir différentes perspectives afin de souligner l'équilibre d'une image.
Vous pouvez également essayer de photographier différents champs de texture et de couleur. N'ayez pas peur d'expérimenter un peu.
L’équilibre symétrique de cette passerelle crée de la profondeur et conduit le regard du spectateur à travers l’image. © Stephen Crane
2. Rythme
À bien des égards, la composition en photographie est très similaire à celle que l’on trouve en musique. Le concept photographique du rythme emprunte beaucoup à la théorie musicale.
Tout comme un musicien lisant les notes d’une partition, les sujets présents dans un espace régulent la façon dont nous regardons une photo. Le rythme dicte la distribution récurrente, organisée ou désorganisée, des éléments visuels d’une image.
Essayez de visualiser la notation musicale pour introduire une sensation de rythme dans votre photographie. Les espaces négatifs, les corrélations et les différences entre les sujets sur une photo comme celle ci-dessous reflètent les notes d'une partition de musique.
© Sergueï Kotenev
3. Modèles
Les motifs donnent un sens au monde visuel grâce à leur régularité. Vous pouvez trouver des motifs dans tout, des objets artificiels et abstraits aux matériaux organiques.
L’œil humain est calibré pour rechercher des modèles. Ils peuvent susciter des réactions émotionnelles surprenantes chez le spectateur.
Les éléments de conception peuvent être organisés de manière prévisible pour former un modèle. En termes simples, les motifs sont des répétitions d’éléments d’art et de design. Ceux-ci fonctionnent à l'unisson dans un seul cadre.
Les motifs sont un principe actif de l’art et du design. Ils retirent une image de la page. Utiliser des motifs dans votre photographie relève autant de l'exploration que de la technique photographique.
Essayez de rechercher des éléments architecturaux et urbains ou des sujets organiques comme des fleurs. Une fois que vous aurez commencé à chercher, vous serez étonné par l'abondance de motifs qui vous entourent.
© Kim Chan
4. Mettre l'accent
L'accent façonne le centre d'intérêt d'une image. La couleur, l'espace, la texture et la ligne travaillent ensemble pour déterminer le focus d'une image.
Il existe de nombreuses façons de mettre l’accent sur une photo. L'accent spatial implique l'orientation d'un sujet dans le cadre photographique.
Un sujet isolé situé au centre d’une image attirera l’attention. Il s’agit de l’élément le plus facilement disponible de la photo. Le regroupement sélectif guide l'œil du spectateur vers des points focaux particuliers pour une image comportant de nombreux sujets.
La taille du sujet dicte également la manière dont le spectateur « lira » une photo. Un sujet plus grand suggère une proximité avec la surface de l'image.
Il requiert une plus grande attention que celle d’un sujet plus petit en arrière-plan. Afficher l'échelle raconte une histoire sur la physicalité des sujets, ajoutant de la profondeur et de la perspective.
La couleur est un autre outil qui peut cultiver l’emphase. Un sujet lumineux ou coloré dans une scène sombre donne à une image une impression de dynamisme et de vie. Cela attire l’œil du spectateur.
© Artem Kniaz
5. Contraste
Le contraste est créé lorsque deux ou plusieurs éléments opposés sont présents sur une photo. Clair contre sombre, chaud contre froid. Mais le contraste inclut également des éléments physiques.
La texture est une autre façon d’utiliser le principe du contraste en photographie. L'inclusion de deux textures ou plus dans une image introduit la tactilité et crée un sentiment d'appartenance.
Une gouttelette d'eau ronde posée sur les vrilles floues d'une plante est un exemple de sujet textuellement contrasté.
Des sujets contrastés amènent le récit à une photo. Vous pouvez également essayer de juxtaposer des attributs tels que la netteté et la douceur, l'ancien et le nouveau, ou la courbure et la droite.
6. Unité
L'unité décrit la relation visuelle entre les éléments d'une image. Cela aide à créer une image cohérente. L'utilisation de couleurs, de tons, de concepts ou d'éléments similaires cultive un sentiment d'unité.
La désunion est le contraire. Mauvais recadrage, perspectives gênantes, surexposition ou sous-exposition. Tout cela perturbe une image et peut provoquer la désunion.
Un autre aspect qui sous-tend une image unifiée est l’idée claire d’un résultat photographique. Un résultat photographique, ou objectif, est l'image mentale idéalisée d'une image avant qu'elle ne soit prise.
En prévisualisant un résultat, un photographe peut développer une idée plus claire du but d'une photo. Ceci, à son tour, permet au photographe de prendre un plus grand contrôle sur l'image.
© Jaspinder Singh
7. Mouvement
Le terme « mouvement » en photographie décrit souvent la relation entre la vitesse d’obturation d’un appareil photo et un sujet. Lorsqu'il s'agit d'art et de design, le mouvement fait référence au chemin parcouru par les yeux du spectateur lorsqu'il lit une photo.
Les éléments et principes de l’art et du design façonnent le mouvement. Un photographe peut contrôler la façon dont le spectateur absorbe une image. Par exemple, l'utilisation de lignes en photographie crée des « autoroutes visuelles » qui guident l'œil du spectateur.
Les lignes irrégulières créent de l’excitation, déplaçant le regard du spectateur d’un point à un autre. Les lignes courbes sont plus subtiles. Ceux-ci réduisent la vitesse à laquelle une image est visualisée.
Comprendre la nature et la psychologie de la vue humaine est un élément important du contrôle des mouvements.
Par exemple, l’œil humain est plus sensible à certaines couleurs qu’à d’autres. Le rouge attire l'attention. Les bleus doux sont plus doux et plus subtils. Le mouvement peut être dirigé grâce à l'utilisation sélective de la couleur et de la saturation.
Il existe de nombreuses façons de guider le regard du spectateur à travers une photo. Le mouvement étudie la nature de l'œil et la psychologie derrière la façon dont nous absorbons les informations visuelles.
Conclusion :principes de l'art et du design
Les sept principes de l’art en photographie sont l’équilibre, le rythme, le motif, l’emphase, le contraste, l’unité et le mouvement. Ceux-ci constituent le fondement des arts visuels.
L’utilisation de ces sept principes d’art et de design vous permet de mieux contrôler votre photographie. Cela conduit à de meilleures photos qui se démarquent et vous aident à reconnaître les opportunités photographiques.