Défiez votre perspective avec ces documentaires sur les cinéastes, leurs outils, les histoires qu'ils résument et le contexte culturel de leur travail.
De la France à Taipei, le cinéma évolue et modifie le paysage culturel qui l'entoure. Certains films et cinéastes laissent derrière eux une influence encore plus profonde. Regardez dans les coulisses avec cinq documentaires qui explorent ce qui se passe pour devenir un cinéaste légendaire.
T okyo-Ga (Wim Wenders, 1985)
Explorateur bien-aimé Wim Wenders (Paris, Texas, Alice dans les villes ) a été mystifié par le travail du regretté réalisateur Yasujiro Ozu (Late Spring, Tokyo Story ). Ainsi, le réalisateur allemand est allé chercher dans les rues de Toyko des preuves de l'héritage d'Ozu dans ce carnet de voyage hybride et portrait de cinéaste.
Ce n'est pas une réflexion passive ou nostalgique de Wenders. Il a trouvé le directeur de la photographie Yuharu Atsuta, qui a collaboré avec Ozu pendant plus de vingt ans, et a demandé une démonstration de leur processus de tournage à caméra fixe, avec le même modèle de caméra lourde Mitchell que le couple a utilisé lors de leurs derniers tournages. L'acteur Chishu Ryu est gêné alors que Wenders s'extasie sur son respect pour le leader de longue date d'Ozu. (Il a une fois regardé deux films d'Ozu mettant en vedette Ryu le même jour, dit Wenders, et jamais auparavant il n'avait ressenti un tel respect pour l'acteur.)
La nature méthodique du processus d'Ozu, sur tous les fronts, ressort clairement, grâce à la narration de Wenders. Ici, les fans de Wenders pourront l'apercevoir en tant que fan studieux, ce qui ravira ceux qui aiment ses films pour leur économie inspirée d'Ozu.
La pointe :la magie du montage de films (Wendy Pomme, 2004)
Celui-ci est un must pour les conteurs de tous les médiums. Les réalisateurs et les monteurs derrière des films emblématiques détournent l'attention des scénarios et des décors pour exploiter la salle de montage, un lieu rempli de drames et d'enjeux importants.
Les discours francs et les secrets avoués ne manquent pas dans ce documentaire, qui est un matériel de soirée idéal pour les cinéphiles avisés. Les acteurs qui se sont frayé un chemin dans les salles de montage sont nommés et parfois calomniés. Quentin Tarantino explique pourquoi il a spécifiquement recherché une rédactrice pour Reservoir Dogs, son premier film (il voulait que quelqu'un le « nourrisse » tout au long du processus plutôt que de rivaliser avec ses idées, dit-il.) Cette monteuse, Sally Menke, parle ensuite de ses décisions.
L'histoire de la technologie de montage et son influence sur la grammaire cinématographique trouvent également leur place ici. Joe Hutshing, qui a édité JFK , révèle comment s'est produite la scène saisissante dans laquelle Lee Harvey Oswald entre dans le Texas Theatre. Le réalisateur Oliver Stone a continué à pousser pour plus de chaos dans le montage. Hutshing utilisait un système de montage linéaire de trois quarts de pouce. Il a finalement commencé à taper sur les touches avec abandon pour produire ce que nous voyons dans JFK .
Des éditeurs méconnus comme Dede Allen (Bonnie and Clyde ) et Carol Littleton (E.T .) décomposent les tendances et les normes acceptées de l'édition à travers différentes époques. La pointe de la technologie est aussi amusant à regarder qu'il s'agit d'une justice rendue aux éditeurs du monde entier et à leurs relations conjugales avec les réalisateurs.
Fleurs de Taipei :nouveau cinéma de Taiwan (Chinlin Hsieh, 2014)
L'île de Taiwan est restée sous la loi martiale de 1949 à 1987. À l'époque, c'était le régime de loi martiale le plus ancien au monde. Cela a laissé Taïwan dans un état d'isolement diplomatique qui a finalement cédé la place à une poussée organisée en faveur de la démocratie à la fin des années 1970.
Les jeunes cinéastes des années 1980 ont pris la relève des écrivains du mouvement renouvelé de la littérature nativiste et ont nourri l'identité culturelle de Taiwan avec des films sur les gens, leurs valeurs et leurs perspectives. Fleurs de Taipei montre comment ces films et leurs politiques ont influencé le cinéma mondial.
L'œuvre d'Edward Yang (Taipei Story, That Day on the Beach ) et Hsiao-Hsien Hou (trilogie "The Coming of Age", A City of Sadness ) de 1980 à aujourd'hui fait l'objet de discussions passionnées par les historiens du cinéma, les programmateurs et les critiques de Venise au Japon. Extraits de films, comme Millenium Mambo de Hou - avec toute son agitation et sa nostalgie, vous entraînera dans la poésie du cinéma taïwanais si vous n'êtes pas encore entré dans ses espaces doux.
Fleurs de Taipei compare les modes et les motivations des réalisateurs taïwanais de la Nouvelle Vague à ceux des cinéastes du monde entier. C'est une riche étude de la façon dont différentes cultures ont connu la liberté et préservé l'histoire à travers le film narratif.
Voir la version complète ici.
M. X :Une vision de Leos Carax (Tessa Louise-Salomé, 2014)
Visuellement obsédant et plein de contexte, ce documentaire sur l'insaisissable réalisateur français Leos Carax (Mauvais Sang , Moteurs sacrés ) vaut la peine d'entendre un Denis Lavant impressionné parler longuement de ce que c'était que d'incarner les visions de tourment de Carax.
Lavant a joué le rôle principal dans tous les films de Carax sauf un, agissant comme un substitut du réalisateur et de son expérience du monde. Le dédain de Carax pour les interviews fait de ce film un document rare. Le réalisateur parle en voix off ou derrière des lunettes de soleil, notamment de son penchant pour Godzilla et de la façon dont il se sent constamment comme un imposteur. D'autres cinéastes et critiques relient la sensibilité particulière de Carax à la comédie muette, à la Nouvelle Vague française et même aux origines de l'image en mouvement.
La chose la plus importante à propos de M. X - cela n'entrave pas l'air mystérieux de Carax ou son insistance sur la vie privée. Le style du film soutient sa mystique. Les personnes interrogées sont assises dans l'ombre alors que des projections de lumière et des images fracturées dansent sur leur peau, gardant le même ton entre les extraits.
Caméraman (Kirsten Johnson, 2016)
Lorsque vous avez envie de quelque chose de plus philosophique qu'informatif, Cameraman est une merveilleuse expression des questions posées par les cinéastes depuis l'aube du médium.
Johnson voulait partager son histoire personnelle en tant que directrice de la photographie documentaire (Fahrenheit 9/11, Citizenfour, Derrida) avec ce film d'essai. Son travail résonne dans des moments candides du monde entier. Beaucoup d'entre eux ont été enregistrés avant ou après des entretiens formels pour différents projets et sauvés de l'étage de la mise à mort. Les spectateurs peuvent imaginer l'impact de la réalisation de documentaires au cours des vingt-cinq dernières années sur les sujets filmés. Ils parlent librement à la caméra tout en naviguant dans les complications de la présence de Johnson.
Cette caméra est à la fois un ticket à l'intérieur et un tampon maladroit entre elle et l'espace - un hôpital, un vestiaire, le milieu d'un passage pour piétons dans une rue animée de New York. "Rien de mal à être proche, garde tout le monde au chaud", dit un sujet lorsque Johnson s'excuse d'avoir gêné.
Le rôle du documentaire dans le monde est puissant dans Cameraperson. C'est plus qu'un portrait de cinéaste. C'est peut-être le portrait de chaque directeur de la photographie.