Modes cinématographiques vont et viennent, mais ce n'est pas une raison pour que les cinéastes en herbe n'expérimentent pas la tendance du jour.
Chaque année, nous commençons à voir une augmentation du contenu avec une technique cinématographique spécifique à l'honneur. À tel point que vous ne pouvez pas vous connecter à votre créateur de contenu préféré sans le voir. Et il y a aussi ceux qui en viennent à s'indigner de l'utilisation enthousiaste de certaines méthodes cinématographiques. Alors pourquoi tout ce remue-ménage ?
Comme vous pouvez le voir dans la vidéo ci-dessus, Jakob Bowen — de The Buff Nerds - est mal à l'aise avec la surutilisation des cardans ces dernières années (nous en reparlerons plus tard). Pour ma part, je grimace lors du chargement d'un court métrage pour voir qu'il a été classé avec le M31 LUT largement surutilisé. Si le monde souterrain existe, il est sans aucun doute recouvert d'orange et de sarcelle. Les modes et les tendances vont et viennent à un rythme si rapide qu'il est difficile de se rappeler quelle était la technique de saison au printemps dernier.
Au cours de la dernière décennie, nous avons constaté une augmentation des techniques suivantes chez les cinéastes amateurs et semi-professionnels en ligne :
- Faible profondeur de champ
- Coups glissants/de suivi
- Time-lapse
- Gimbal
- VR/360
- Drone
Nouvelle technologie, faible coût
Au printemps 2011, j'ai enfin mis la main sur le 5D Mk II. À partir de ce jour (pendant tout l'été), presque tout ce que j'ai tourné était à f/1.2. Bien sûr, presque tout était également flou et tombait rapidement dans et hors de la mise au point. Cependant, j'avais rêvé d'une faible profondeur de champ pendant des années. Et après avoir passé de nombreux mois à chercher comment ajouter un adaptateur 35 mm au Canon HV20, et des années à aspirer à un appareil photo qui pourrait même donner à distance une sensation "cinématographique", je n'étais certainement pas sur le point de commencer à utiliser correctement les réglages d'ouverture.
Cet état d'esprit ne m'a pas mené très loin. C'était amusant mais peu pratique.
Avec l'augmentation du nombre d'appareils photo plein format abordables, la faible profondeur de champ et la mise au point en rack ont envahi la communauté des cinéastes YouTube comme un virus dans une ville surpeuplée. Pourriez-vous même appeler une vidéo de voyage une vidéo de voyage si vous n'aviez pas une mise au point en rack d'une fleur dans le paysage pittoresque derrière ? Non, vous ne pourriez pas. Bien sûr, avec l'essor de la prise de vue d'absolument tout avec une grande ouverture, les forums de cinéma étaient enflammés de voix mécontentes préoccupées par la surutilisation de la faible profondeur de champ. La faible profondeur de champ doit être utilisée comme un outil cinématographique pour diriger la mise au point, et non pour créer un bokeh dans la station-service uniquement pour donner à la scène un aspect "filmique".
Dans un article de 2011 pour Filmmaker Magazine , "La faible profondeur de champ est-elle une mode ?", Michael Murie a souligné quelques commentaires de professionnels concernant l'engouement pour la faible profondeur de champ au début des années 2000.
Internet (et les professionnels de l'industrie) n'ont pas eu longtemps à se disputer, car peu de temps après la richesse des prises de vue à faible profondeur de champ, tout est soudainement devenu une question de time-lapse. Time-lapse en mouvement de la Voie lactée, time-lapse du même endroit pendant différentes saisons, time-lapse de la caméra se déplaçant d'un autre monde à travers une ville surpeuplée. S'il y avait quelque chose qui changeait de manière dynamique tout au long de la journée - ou même de l'année - vous pourriez parier qu'il y avait un cinéaste ou un photographe assis quelque part créant de la magie.
Alors, d'où viennent exactement ces modes ?
Ce n'est pas comme si un jour quelqu'un quelque part invente une nouvelle technique et que soudain tout le monde veut participer. Toutes les méthodes, sans VR, sont utilisées dans le cinéma et la télévision depuis des décennies, c'est précisément pourquoi ces techniques deviennent si populaires. Pour la première fois depuis qu'ils ont vu ces techniques utilisées sur grand écran, le petit consommateur peut enfin reproduire la prise de vue, pour seulement une fraction du coût.
L'incursion initiale de Canon sur le marché de la vidéo amateur à professionnel a déclenché une réaction en chaîne dans l'industrie des équipements et des accessoires. Les consommateurs ont enfin eu accès à des caméras qui, dans une certaine mesure, produisaient des résultats qui avaient été limités au grand écran. Mais il y avait un vide qu'il fallait combler. Alors que les consommateurs pouvaient filmer en plein format à f / 1,8, ils ne pouvaient pas déplacer la caméra de la même manière que les productions de longs métrages. Vous deviez toujours louer une piste et un chariot, ou vous tourner vers YouTube pour savoir comment créer le vôtre.
Au début, la nouvelle "alternative économique" n'est souvent pas si économique - pas pour les cinéastes à petit budget ou sans budget. Prenez le MōVI, par exemple. Si vous n'êtes pas familier avec la plate-forme, je suis sûr que vous vous souvenez peut-être de vous être émerveillé devant les images des coulisses de la caméra sur patins à roulettes, glissant de la rue au taxi.
Comme l'a dit Danny Greer dans un post PremiumBeat des archives, "Le système de caméra MōVI est configuré pour changer complètement la stabilisation de la caméra dans l'industrie de la production vidéo professionnelle."
C'était complètement révolutionnaire car le stabilisateur était construit autour de la stabilisation gyroscopique et des accéléromètres. Pas besoin des gilets et des poids Steadicam maladroits lorsque cette plate-forme fait le même travail avec plus d'agilité et moins de configuration. Mais il y avait le prix de 14 995 $ - pas nécessairement un point d'entrée à petit budget pour un stabilisateur pour votre 5D.
Cependant, lorsqu'une nouvelle technologie comme celle-ci entre sur le marché, vous pouvez également compter sur le fait que, quelques années plus tard, nous verrons une technologie similaire à une fraction du coût - comme le Ronin M, que vous pouvez obtenir tout neuf pour 800 $. C'est une énorme différence de prix. Bien sûr, il y a des raisons, comme vous pouvez le voir ci-dessous.
Mis à part la discussion MōVI contre Ronin, le fait est que ces types de plans de stabilisation n'ont été produits que par des productions de premier plan, car ce n'est pas comme si tous les passionnés avaient 50 000 $ en banque pour une ARRI Trinity. Mais pour un Ronin-M ? Absolument. Par conséquent, nous allons voir une abondance de contenu composé uniquement de séquences capturées sur un cardan, car jamais auparavant les passionnés et les cinéastes en herbe n'ont pu imiter le mouvement de la caméra depuis le grand écran, pour un coût aussi bas. Pour revenir à la vidéo de Jakob présentée dans l'introduction, il déclare à juste titre ce qui suit :
Jakob poursuit en disant que "Vous devez utiliser ces outils de réalisation de films (cardan) à votre disposition pour susciter une émotion, ou dire au public comment il est censé se sentir, en ce moment." Je suis d'accord (en regardant vos images de drone et le classement M31). Cependant, est-ce une position que nous devrions adopter? Tout comme les tendances de la mode et l'évolution de la musique, ce n'est pas un processus que nous, en tant qu'individus, pouvons arrêter ou changer. Mais est-il nécessaire de le faire ? Les tendances et les modes du contenu en ligne se déplacent rarement (au moment de leur popularité) vers les longs métrages et la télévision, et essentiellement, ce ne sont que de jeunes créateurs de contenu qui s'amusent avec des outils qui n'étaient pas disponibles il y a dix ans.
Comme je l'ai découvert en filmant tout à f/1.2, je crois que ceux qui créent du contenu (et abusent d'une technique) apprendront à comprendre la valeur de la méthode. Je pense également que les nouveaux créateurs de contenu apprennent aujourd'hui que l'utilisation de la technologie pour réaliser un plan spécifique apparaîtra plus profonde lorsqu'elle est utilisée avec parcimonie, pour susciter une émotion. Mais pour le moment, les créateurs de contenu ont la capacité figurative de voler vers la lune. C'est quelque chose dont il faut se délecter, pas rejeter.