i. Comprendre l'objectif d'un traitement vidéo musical
Avant de plonger dans la ventilation, rappelez-vous ce qu'un traitement vidéo musical est censé faire:
* Communiquez la vision du réalisateur: C'est la proposition du réalisateur, décrivant leur interprétation créative de la chanson.
* Vendez le concept: Il vise à convaincre l'artiste et le label de disques d'investir dans leur vision.
* Fournir une feuille de route: Il ouvre la voie à la planification et à l'exécution, donnant un cadre pour toutes les personnes impliquées.
ii. Présentation initiale:la vue d'ensemble
1. Lisez soigneusement l'ensemble du traitement: Ne commencez pas à le décomposer avant de comprendre le récit ou le concept complet. Lisez-le couverture à couverture, en prenant des notes sur vos impressions initiales.
2. Identifiez le concept / thème de base:
* Quelle est l'idée centrale que le réalisateur essaie de transmettre? Est-ce une histoire narrative, une vidéo basée sur les performances, des visuels abstraits ou une combinaison?
* Comment le concept est-il lié aux paroles de la chanson et à la signification globale?
* Existe-t-il une esthétique ou un style spécifique que le réalisateur vise (par exemple, réalisme granuleux, fantaisie surréaliste, rétro, futuriste)?
3. Déterminez le genre:
* Cela influence le style global, les techniques de prise de vue et le public cible. Considérez les genres comme narratif, performance, conceptuel, expérimental, etc. Les vidéos mélangent souvent des genres.
4. Identifiez l'humeur et le ton globaux:
* La vidéo est-elle destinée à être sombre et de mauvaise humeur, optimiste et énergique, mélancolique et réfléchissante, ou autre chose?
* Comment le directeur prévoit-il d'atteindre cette humeur grâce à des visuels, à l'éclairage, à la palette de couleurs et à l'édition?
iii. Scène par scène Breakdown:plonger dans les détails
Pour chaque scène ou section du traitement, analysez systématiquement les éléments suivants:
1. Numéro de scène (le cas échéant): Cela aide à l'organisation et à référencer des parties spécifiques du traitement.
2. Emplacement:
* Où se déroule la scène? Soyez précis (par exemple, "Abandoned Warehouse", "Sun-Drenched Beach", "Intime Concert Stage").
* Notez tous les défis potentiels associés à l'emplacement (par exemple, permis, accessibilité, conditions météorologiques).
* Y a-t-il plusieurs emplacements et comment se rapportent-ils les uns aux autres?
3. Description visuelle:
* À quoi la scène est-elle censée * ressembler *? C'est souvent la partie la plus détaillée du traitement.
* Faites attention aux descriptions de:
* Paramètre: Détails sur l'emplacement, les accessoires, la conception des ensembles et l'atmosphère générale.
* Personnages / talent: Leur apparence, leurs costumes, leur maquillage et toutes les actions spécifiques qu'ils effectuent.
* Éclairage: Quel type d'éclairage est utilisé (par exemple, lumière naturelle, lumière artificielle, ombres dramatiques), et comment contribue-t-elle à l'humeur?
* Palette de couleurs: Y a-t-il des couleurs spécifiques qui dominent la scène et quel effet créent-ils?
* Composition: Comment les éléments sont-ils organisés dans le cadre? Y a-t-il des angles ou des mouvements de caméra spécifiques décrits?
4. Action / performance:
* Que se passe-t-il dans la scène? Décrivez les actions du talent, les effets spéciaux et tout autre événement significatif.
* Est-ce un coup de performance, une scène narrative ou autre chose?
* Notez tous les défis logistiques potentiels avec l'action (par exemple, les cascades, la chorégraphie complexe, la dispute des animaux).
5. Angles / mouvements de la caméra:
* Quels types de plans sont décrits (par exemple, gros plan, tir large, établissement de tir, tir POV)?
* Quels mouvements de caméra sont spécifiés (par exemple, Dolly, Crane Shot, ordinateur de poche)?
* Cette section est cruciale pour le directeur de la photographie (DP) et de l'équipe de caméra.
6. Besoins d'éclairage et d'adhérence:
* Sur la base de la description visuelle, identifiez l'équipement d'éclairage qui sera nécessaire pour réaliser l'aspect souhaité (par exemple, HMI, LED, réflecteurs).
* Notez tout équipement de préhension qui sera nécessaire pour les mouvements de la caméra (par exemple, des coups, des grues, des trépieds).
7. Armoire, cheveux et maquillage:
* Quels costumes spécifiques sont nécessaires pour le talent?
* Quels types de looks de cheveux et de maquillage sont nécessaires?
* Y a-t-il des exigences de maquillage d'effets spéciaux?
8. accessoires et conception de set:
* Énumérez tous les accessoires mentionnés dans la scène.
* Remarquez toute exigence spécifique pour la conception de l'ensemble (par exemple, la construction d'un ensemble, modifiant un emplacement existant).
9. Effets spéciaux (SFX) et effets visuels (VFX):
* Y a-t-il des effets spéciaux pratiques (par exemple, pyrotechniques, brouillard, pluie)?
* Y a-t-il des effets visuels qui devront être ajoutés en post-production (par exemple, CGI, composition, graphismes animés)?
10. Conception sonore:
* Notez tous les effets sonores spécifiques ou les sons ambiants décrits dans la scène.
* Considérez la nécessité de l'ADR (remplacement de dialogue automatisé) en cas de dialogue parlé.
11. rythme et édition:
* Le traitement indique-t-il un style d'édition rapide, rythmé ou varié?
* Y a-t-il des techniques d'édition spécifiques mentionnées (par exemple, des coupes de saut, des trousses croisées, du ralenti)?
12. Considérations budgétaires:
* Lorsque vous décomposez chaque scène, considérez les coûts potentiels qui y sont associés.
* Notez tous les éléments qui pourraient être particulièrement chers (par exemple, des ensembles élaborés, des effets spéciaux, des camées de célébrités).
iv. Exemple de panne de scène
Disons que le traitement comprend cette description de cette scène:
* scène 3: * Une figure solitaire (l'artiste) traverse une forêt dense et enveloppe de brouillard la nuit. Ils sont illuminés par un seul clair de lune à bas niveau. La caméra suit lentement avec eux, révélant des arbres noueux et des branches torsadées. L'artiste porte une longue manteau noir et coule et porte une lanterne vacillante. *
Voici comment vous pourriez le décomposer:
* Numéro de scène: 3
* Emplacement: Forêt dense
* Description visuelle:
* Paramètre: Forêt dense, arbres noueux enveloppés de brouillard, branches torsadées
* Personnages / talent: Artiste dans une longue manteau noir qui coule, portant une lanterne vacillante
* Éclairage: "Moonlight" célibataire (au clair de lune "(probablement artificiel), créant des ombres dramatiques
* Palette de couleurs: Couleurs sombres et sourdes avec des reflets de la lanterne
* Composition: Artiste centré dans le cadre, entouré de la forêt; mouvement de caméra lent et délibéré
* Action / Performance: Artiste marchant lentement et délibérément à travers la forêt.
* angles / mouvements de la caméra: Suivi de suivi, peut-être en utilisant un Dolly ou Steadicam pour maintenir un mouvement fluide.
* Besoins d'éclairage et d'adhérence:
* Grande source de lumière artificielle pour simuler le clair de lune (HMI ou panneau LED)
* Fog Machine
* Équipement de préhension pour le mouvement de la caméra (Dolly, Steadicam)
* garde-robe, cheveux et maquillage:
* Crape noire longue et fluide
* (Considérez les détails des cheveux et du maquillage en fonction du style habituel de l'artiste)
* accessoires et conception du jeu:
* Lanterne scintillante
* Améliorer potentiellement la forêt avec des plantes ou des décorations supplémentaires
* sfx / vfx: Effets de brouillard (probablement une combinaison de l'amélioration pratique et potentiellement de la VFX)
* conception sonore: Les sons de la forêt ambiante, les feuilles bruissantes, peut-être les traces de l'artiste.
* rythme et édition: Rythme lent et délibéré; Prises longues.
* Considérations budgétaires: Coûts de localisation, location d'équipement d'éclairage, pansement potentiel, coûts SFX.
v. Considérations clés pendant la panne
* prioriser la clarté: Utilisez un langage clair et concis. Évitez le jargon à moins que tout le monde de l'équipe ne le comprenne.
* Identifier les problèmes potentiels: Lorsque vous décomposez chaque scène, recherchez des défis logistiques ou techniques potentiels. Notez-les afin qu'ils puissent être traités pendant la pré-production.
* Considérez le budget: Gardez le budget à l'esprit lorsque vous analysez le traitement. Les idées du réalisateur sont-elles réalistes compte tenu des ressources disponibles? Où les coûts pourraient-ils être réduits sans sacrifier la vision globale?
* collaborer: Le processus de panne est souvent un effort de collaboration impliquant le réalisateur, le producteur, le DP, le concepteur de production et d'autres membres d'équipage clés. Discutez de vos résultats et posez des questions de clarification.
* Utilisez des outils pour rester organisé: Utilisez des feuilles de calcul, des logiciels de production dédiés ou même un simple bloc-notes pour garder une trace de votre panne. Les outils numériques peuvent vous aider à organiser et à partager des informations avec l'équipe.
vi. Après la ventilation:le mettre à utiliser
La ventilation terminée devient un document crucial pour:
* Budgétisation: Estimation des coûts associés à chaque élément de la vidéo.
* planification: Création d'un calendrier de prise de vue qui prend en compte le temps requis pour chaque scène.
* Scoutisme de localisation: Trouver des emplacements qui correspondent à la vision du réalisateur.
* Embauche de l'équipage: Identifier les membres de l'équipage nécessaires et leurs rôles spécifiques.
* Réunions de pré-production: Discuter du plan avec toute l'équipe et répondre à toute question ou préoccupation en suspens.
En suivant ces étapes, vous pouvez décomposer efficacement un traitement de clip et transformer la vision du réalisateur en un plan tangible pour un tournage réussi. N'oubliez pas que plus votre ventilation est approfondie et détaillée, mieux vous serez préparé pour donner vie à la vidéo.