Pourquoi insistons-nous toujours sur l'éclairage à trois points ? Vous savez :key light, fill light et back light ? Même quand c'est bien fait, c'est un cliché et, quand c'est mal fait, le résultat est aussi hokey qu'un portrait d'annuaire. Puisqu'il est largement utilisé dans l'éclairage de théâtre, de photos et de films, ce vénérable schéma doit avoir quelque chose pour lui, n'est-ce pas ? Bien sûr, comme nous allons le voir.
Clichés utiles
Comme beaucoup d'autres clichés, l'éclairage à trois points s'est répandu parce qu'il était si utile. L'idée n'est pas née dans la photographie, mais dans le théâtre, où les ombres sur les acteurs de scène rendent leurs visages difficiles à voir. De plus, les décors superficiels répartissent les interprètes dans des tableaux en deux dimensions. Cela vous semble familier ?
Pour résoudre le premier problème, les concepteurs d'éclairage ont inventé l'éclairage côté chaud/côté froid, en plaçant des gels jaunâtres sur les lumières dirigées d'un côté et des gels bleutés sur les lumières dirigées de l'autre. Étant donné que nos cerveaux supposent que les lumières directes proviennent soit du soleil chaud, soit d'ampoules, ils acceptent les lumières du côté chaud comme "lumière" et les lumières du côté froid comme "ombre", même si un posemètre peut montrer peu ou pas de différence entre Les deux côtés. Ensemble, les lumières chaudes et froides offrent une modélisation du visage sans sacrifier les détails.
Pour contrer le manque apparent de profondeur sur scène, les concepteurs ont placé une troisième lumière au-dessus et derrière les interprètes, pour saupoudrer les cheveux et les épaules d'un filet de lumière. Cet accent sépare l'interprète de l'arrière-plan et ajoute de la profondeur visuelle à l'image de la scène.
Voila ! Juste comme ça, l'éclairage à trois points est né.
L'idée de base
Lorsque les premières photographies fixes et cinématographiques se sont appropriées les conceptions d'éclairage théâtral, elles ne pouvaient pas utiliser efficacement les lumières chaudes (jaunâtres) et froides (bleuâtres), car le film était en noir et blanc. Au lieu de cela, ils ont fait varier la luminosité, incrustant avec une lumière plus brillante, remplissant avec une lumière opposée moins brillante et se séparant avec un rétro-éclairage (également appelé éclairage de jante ou kicker).
Dans le monde réel, la lumière peut provenir de plusieurs sources à la fois, mais en photographie et en vidéographie, l'éclairage semble provenir d'une seule source, qu'elle soit naturelle ou artificielle. Les surfaces tournées vers cette source unique sont claires et les surfaces détournées sont sombres.
Parce que les caméscopes ne peuvent pas voir dans les ombres aussi bien que nos yeux, même le côté obscur a besoin d'au moins un peu de lumière pour l'empêcher d'apparaître en noir et sans relief sur l'écran. Nous devons au moins remplir partiellement les ombres pour révéler les détails qu'elles contiennent, tout en les gardant plausiblement ombragés. Ainsi, avec la lumière clé agissant comme source de lumière principale, la lumière d'appoint opposée éclaire les ombres.
Les images vidéo sont encore plus plates que les images de scène, de sorte que le contre-jour devient encore plus important pour séparer le sujet de l'arrière-plan et ajouter une impression de profondeur. Et là, vous avez la configuration d'éclairage classique à trois points, avec la lumière apparente fournie par la lumière principale, le contraste géré par la lumière d'appoint et la dimensionnalité accentuée par le rétroéclairage.
En changeant les instruments d'éclairage et les techniques de placement, vous pouvez faire varier l'effet de la lumière à trois points en fonction du style général de votre conception d'éclairage. Pour vous montrer comment, nous allons démontrer avec chacune des trois approches d'éclairage les plus courantes :le réalisme pictural, le réalisme et le naturalisme.
Réalisme pictural
Le réalisme pictural, que Hollywood à l'ancienne appelait « peindre avec la lumière », est un style franchement théâtral qui donne une impression de réalité, même si l'éclairage est en fait assez artificiel (pensez à des films classiques comme Casablanca). Nous allons commencer notre visite ici, car le réalisme pictural utilise l'éclairage à trois points dans sa forme la plus pure.
Tout d'abord, la lumière principale se rapproche de l'effet d'une source de lumière réelle et réelle. Vous pouvez incruster de chaque côté de votre sujet, mais plaçons notre lumière à 4h30 sur un cadran d'horloge imaginaire (Figure 1). La lumière doit être au-dessus du niveau des yeux du sujet, dirigée vers le bas jusqu'à 30 degrés sous l'horizontale. Cette position crée une modélisation distincte pour les sourcils, le nez, la bouche et le menton, en particulier avec le projecteur généralement utilisé pour ce style d'éclairage.
ATTENTION :Si vous placez la clé lumineuse trop loin sur le côté, vous risquez de perdre une partie de cette modélisation. Si vous le montez trop haut, en revanche, vous pouvez exagérer les ombres des orbites et peindre une moustache hitlérienne sous le nez du sujet.
Même un point clé correctement placé projettera des ombres sombres, de sorte que vous les remplissez littéralement avec la lumière d'appoint. Un projecteur scoop (gros rond) ou large (large rectangulaire) fonctionne bien, surtout lorsqu'il est adouci par la diffusion de verre filé. Positionnez le remplissage à environ 8h30 (pour conserver l'ombre qu'il projette hors de l'image) et à peu près au niveau des yeux (pour adoucir les ombres des yeux, du menton et du cou).
C'est ici que le réalisme pictural se révèle à l'œil averti. Déplacez la lumière d'appoint vers l'intérieur et vers l'extérieur, en vérifiant l'effet sur un moniteur de référence, jusqu'à ce que tous les détails du visage soient clairement visibles. Lorsque vous atteignez l'équilibre parfait entre conserver les ombres et révéler tous les détails qu'elles contiennent, l'œil de votre vidéaste vous dira que l'effet est légèrement exagéré. Mais c'est l'idée :le réalisme pictural n'est pas censé être vraiment réaliste.
Passons maintenant au rétroéclairage. Placez-le le plus près possible de 12h00 sans déplacer le support dans le cadre. (Ce n'est pas un problème si vous pouvez accrocher vos lumières au-dessus.) Placez la lumière aussi loin en avant que possible tout en restant derrière le sujet. Ce placement augmente la profondeur des éclaboussures de lumière sur la tête et les épaules, tout en empêchant la source lumineuse de créer une lumière parasite.
Réalisme
Tout d'abord, vous souhaiterez peut-être adoucir à la fois l'incrustation et les lumières d'appoint, pour un effet moins dramatique. Apprivoisez l'endroit clé en clipsant une feuille de verre filé sur ses portes de grange ouvertes. La lumière restera directionnelle, seulement moins percutante.
Ensuite, essayez de remplacer la cuillère à lumière d'appoint ou large par une boîte à lumière, un parapluie ou une casserole fluorescente. Cette source de remplissage beaucoup plus grande semble plus naturelle et projette rarement une ombre propre, si vous avez besoin de la déplacer plus en avant. La plus grande source fournira moins de remplissage par unité de surface, elle sera donc moins agressive. Pour parfaire le look, déplacez la lumière vers l'intérieur et vers l'extérieur jusqu'à ce que la plupart des détails d'ombre, mais pas tous, soient visibles sur votre moniteur de référence.
Pour terminer la révision, éloignez le rétro-éclairage du sujet (ou inondez-le, si vous utilisez un spot) pour réduire son intensité. Travaillez pour une lueur discrète qui sépare le sujet de l'arrière-plan sans attirer l'attention sur elle-même.
En étudiant l'effet final (Figure 2), remarquez que le style d'éclairage n'a pas changé, pas plus que l'intensité. Le réalisme n'est rien d'autre que du réalisme pictural avec le tah-daaaah ! atténué.
Naturalisme
Contrairement aux autres styles, le naturalisme fonctionne en imitant le plus possible les conditions d'éclairage réelles, ce qui est un look très populaire pour les longs métrages de nos jours. Le naturalisme s'appuie souvent sur de très grands instruments d'éclairage comme des casseroles fluorescentes pour fournir un éclairage ultra-doux à source unique qui semble s'enrouler autour du sujet. Le secret bien gardé est que l'éclairage à trois points peut également donner un aspect naturaliste.
Dans ce schéma, essayez d'utiliser des lumières douces pour l'incrustation et le remplissage. La lumière principale fournira l'effet de lumière naturelle de la fenêtre que vous souhaitez. Pour améliorer l'illusion, abaissez la lumière presque au niveau des yeux du sujet. Éloignez la lumière d'appoint à grande source jusqu'à ce que seules les parties les plus claires des zones d'ombre soient lisibles sur le moniteur de référence. Vous pouvez également tirer la lumière d'appoint vers la position neuf heures. Le résultat devrait apparaître à l'œil civil comme s'il n'y avait aucune lumière d'appoint.
En ce qui concerne le rétroéclairage, gardez-le très modéré, mais ne vous inquiétez pas de cette légère lueur supplémentaire pour les cheveux et les épaules.
Paradoxalement, l'effet lumineux de la clé enveloppante et des lumières d'appoint masque l'artificialité du rétroéclairage. (Incidemment, en alimentant cette lumière à travers un gradateur, vous pouvez réduire son intensité au goût, tout en la réchauffant de manière romantique à mesure qu'elle s'assombrit.) La configuration complète ressemblera à la figure 3.
Et c'est un enveloppement pour ce mois-ci. J'espère que vous êtes convaincu que le vieil éclairage ringard à trois points est en fait une technique subtile mais polyvalente pour créer presque tous les looks que vous souhaitez obtenir.
Bon tournage !
L'éditeur collaborateur Jim Stinson est l'auteur du livre Communication et production vidéo.