1. Planification et narration:
* Connaissez votre histoire et vos objectifs de scène: Avant même de penser aux visuels, comprenez ce que vous voulez réaliser avec la scène. Quelles émotions voulez-vous évoquer? Quelles informations de parcelle doivent être transmises? Quel est l'état interne du personnage?
* Structure narrative forte: Une scène bien structurée a un début clair, un milieu et une fin. Il devrait contribuer à l'intrigue globale ou au développement de personnage.
* Sous-texte et métaphores visuelles: Utilisez des éléments visuels pour communiquer des choses qui ne sont pas explicitement énoncées dans le dialogue. Une porte fermée pourrait représenter l'isolement, une bougie vacillante pourrait signifier l'espoir décollant.
* rythme: Contrôlez le rythme de la scène. Le rythme lent peut créer des tensions ou mettre l'accent sur les moments calmes. La stimulation rapide peut renforcer l'excitation ou l'urgence.
2. Composition et cadrage:
* Règle des tiers: Divisez le cadre en neuf parties égales avec deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placer des éléments clés dans ce sens ou à leurs intersections crée une composition plus attrayante et équilibrée.
* lignes de tête: Utilisez des lignes (routes, clôtures, rivières, etc.) pour guider l'œil du spectateur vers le sujet principal ou créer un sentiment de profondeur.
* Espace négatif: Les zones vides autour du sujet peuvent créer un sentiment d'isolement, d'espace ou d'anticipation.
* cadrage dans un cadre: Utilisez des éléments au premier plan (fenêtres, portes, arches) pour encadrer le sujet et ajouter de la profondeur et du contexte.
* symétrie et asymétrie: La symétrie peut créer un sens de l'ordre et de la stabilité. L'asymétrie peut créer une tension et un intérêt visuel.
* premier plan, milieu, arrière-plan: Utilisez ces couches pour créer une profondeur et un intérêt visuel.
* Angle de la caméra:
* Levet des yeux: Neutre, relatable.
* Angle élevé: Rend le sujet vulnérable ou petit.
* Angle bas: Fait que le sujet semble puissant ou imposant.
* Angle néerlandais (incliné): Crée un sentiment de malaise, de désorientation ou de chaos.
* Over-the-épaule (OTS): Montre la relation entre deux personnages.
3. Éclairage:
* Éclairage à trois points: Une configuration d'éclairage standard à l'aide d'une lumière clé (source de lumière principale), remplissez la lumière (pour ramollir les ombres) et rétro-éclairage (pour séparer le sujet de l'arrière-plan).
* lumière naturelle: Utilisez la lumière naturelle à votre avantage, mais soyez conscient de l'époque de la journée et des conditions météorologiques. Les réflecteurs peuvent aider à faire rebondir la lumière et à remplir les ombres.
* lumière artificielle: Expérimentez avec différents types de lumière artificielle (tungstène, fluorescent, LED) pour créer différentes humeurs.
* Température de couleur: La lumière chaude (jaunâtre / orange) peut créer une sensation confortable ou nostalgique. La lumière fraîche (bleuâtre) peut créer un sentiment de froideur ou de malaise.
* dur vs lumière douce: La lumière dure crée des ombres dures, tandis que la lumière douce crée des ombres plus diffusées.
* silhouette: Détro-éclairage d'un sujet pour créer un contour sombre.
* Chiaroscuro: Utiliser de forts contrastes entre la lumière et l'obscurité pour créer un effet dramatique.
4. Mouvement de la caméra:
* Plans statiques: Peut créer un sentiment de stabilité ou d'observation.
* Pan: Mouvement horizontal de la caméra sur un axe fixe.
* inclinaison: Mouvement vertical de la caméra sur un axe fixe.
* zoom: Changer la distance focale de l'objectif pour que le sujet apparaisse plus près ou plus éloigné.
* Dolly (tir de suivi): La caméra se déplace sur une piste ou un chariot, en suivant le sujet ou en révélant l'environnement.
* Croe Shot: La caméra se déplace verticalement sur une grue, permettant un large éventail de perspectives.
* portable: Crée un sentiment d'immédiateté et de réalisme. (Utilisez avec parcimonie et avec contrôle!)
* Steadicam: Fournit un mouvement de caméra lisse pendant que l'opérateur marche ou fonctionne.
5. Conception sonore:
* Sound diégétique: Son qui provient de la scène (dialogue, effets sonores, musique d'une radio, etc.).
* son non diegetique: Sound qui est ajouté en post-production (score musical, narration, etc.).
* Effets sonores: Utilisez des effets sonores pour améliorer le réalisme et l'impact de la scène.
* foley: Créer des effets sonores en enregistrant des sons de tous les jours dans un studio.
* ambiance: Le bruit de fond de la scène (par exemple, vent, trafic, oiseaux).
* silence: L'absence de son peut être aussi puissante que le son.
6. Édition:
* Couper l'action: Transition entre les tirs pendant un mouvement pour créer un flux transparent.
* Montage: Une séquence de plans courts utilisés pour comprimer le temps ou transmettre une humeur particulière.
* coupe croisée (montage parallèle): Couper entre deux scènes différentes qui se produisent simultanément.
* coupe de saut: Une transition brusque entre des tirs qui crée un effet discordant. (Utiliser intentionnellement)
* l-cut et j-cut: L'audio d'un tir saigne dans la suivante, créant une transition plus fluide. L'audio L-Cut du premier coup continue dans le deuxième coup. L'audio J-Cut du deuxième coup commence avant la coupe visuelle.
7. Effets visuels (VFX):
* Utilisé pour améliorer le réalisme, créer des scénarios impossibles ou ajouter un flair visuel. Des améliorations subtiles (par exemple, la suppression des imperfections) aux environnements CGI complets.
Considérations clés pour obtenir un look "cinématographique":
* Ratio d'aspect: Envisagez d'utiliser un rapport d'aspect plus large (par exemple, 2,39:1 ou 2,35:1) pour créer un aspect plus cinématographique. Cela peut être réalisé grâce à la culture en post-production.
* Profondeur de champ: La profondeur de champ peu profonde (où seule une petite partie de l'image est mise au point) peut être utilisée pour attirer l'attention sur le sujet et créer un sentiment de séparation de l'arrière-plan. Cela nécessite d'utiliser des ouvertures plus larges (nombres en F-Stop inférieurs).
* Gradage des couleurs: Ajuster les couleurs des images en post-production pour créer une humeur ou une esthétique spécifique.
* Choix de l'objectif: Différentes lentilles créent différentes perspectives. Les lentilles grand angle peuvent exagérer la distance et rendre la scène plus grande. Les téléobjectifs compressent l'espace et rapprochent le sujet.
* Résolution et fréquence d'images: Bien que 4K soit courant, la résolution n'est pas le facteur * uniquement *. Considérez la fréquence d'images - 24 images par seconde est la fréquence d'images cinématographiques traditionnelle.
* Conception de production et costumes: L'aspect général de la scène est crucial. Des palettes de couleurs cohérentes, des accessoires authentiques et des costumes bien conçus contribuent tous à une expérience cinématographique.
Remarques importantes:
* Pratique et expérimentation: La meilleure façon d'apprendre ces techniques est de pratiquer et d'expérimenter. Filmer des images, regarder des films et analyser comment les cinéastes utilisent ces éléments.
* enfreindre les règles: Une fois que vous comprenez les règles, n'ayez pas peur de les briser. Parfois, les scènes les plus mémorables sont celles qui défient la convention.
* moins est souvent plus: N'essayez pas de gaspiller trop de techniques cinématographiques en une seule scène. Concentrez-vous sur l'utilisation efficace de quelques techniques pour réaliser votre effet souhaité.
* La technologie ne garantit pas "cinématographique": Vous pouvez faire des scènes cinématographiques convaincantes avec des équipements de base. L'accent devrait être mis sur la narration et la composition.
En maîtrisant ces techniques et en les appliquant de manière réfléchie, vous pouvez créer des scènes visuellement étonnantes, émotionnellement engageantes et vraiment cinématographiques. Bonne chance!