Un directeur de la photographie (directeur de la photographie, DP ou DOP) est responsable de l'enregistrement d'un film, d'une production télévisuelle, d'un documentaire, d'un clip vidéo ou de tout autre type de film cinématographique. Essentiellement, c'est à eux de traduire le script en images utilisables. Leur objectif principal est de capturer la vision du réalisateur à travers la composition, l'éclairage, le choix de l'équipement, le réglage de la caméra et d'autres moyens, tels que la profondeur de champ, le zoom, la mise au point, la couleur, l'exposition et la filtration.
Examinons quelques-uns des principaux rôles et responsabilités du directeur de la photographie.
Décide du style visuel du film
Un directeur de la photographie collabore avec le réalisateur et les autres chefs de département pour déterminer le style visuel et l'ambiance du film. La relation entre un directeur de la photographie et le réalisateur peut prendre plusieurs formes. Certains réalisateurs donneront plus de liberté artistique à leurs directeurs de la photographie, tandis que d'autres superviseront chaque décision. Quel que soit l'arrangement, le directeur de la photographie répond toujours à la vision du réalisateur.
Par exemple, dans le film culte acclamé de Ridley Scott "Blade Runner" (1982), tourné par Jordan Cronenweth, né à Los Angeles, Cronenweth a travaillé avec Scott pour réaliser le style qu'il voulait pour le film.
Cronenweth explique :« Ridley a estimé que le style de photographie de « Citizen Kane » se rapprochait le plus du look qu'il souhaitait pour Blade Runner. Cela comprenait, entre autres, un contraste élevé, des angles de caméra inhabituels et l'utilisation de faisceaux de lumière."
Pour obtenir l'esthétique futuriste du film, Cronenweth a placé de nombreux néons sur tout le plateau. Il les plaçait partout où il le pouvait - dans les vitrines des magasins, dans les bus et même dans la tige des parapluies des gens. Il a même mis du hors champ pour aider à éclairer les scènes de rue.
Choisir un objectif
Comme l'a dit un jour le réalisateur Sidney Lumet, "différents objectifs raconteront une histoire différemment". Le type d'objectif et la distance focale qu'un directeur de la photographie choisit pour filmer avec des effets sur l'aspect général de la scène. Lors du choix d'un objectif, ils regarderont sa distance focale, que nous mesurons en millimètres. Les objectifs grand angle courants incluent 18 mm, 24 mm et 27 mm. Les gens considèrent un objectif de 50 mm comme « standard » et beaucoup pensent qu'il est égal à ce que l'œil humain voit. Ces objectifs sont populaires parmi de nombreux réalisateurs et directeurs de la photographie car ils aident à informer le public où se trouve la scène, qui y est et ce qui les entoure. En règle générale, ils vous permettent de voir une plus grande partie de l'arrière-plan avec une plus grande partie de l'image mise au point.
Les longues focales courantes incluent 85 mm, 100 mm et 135 mm. Les objectifs plus longs compriment l'arrière-plan et ont souvent une profondeur de champ plus faible. Les cinéastes les utilisent pour isoler une personne, concentrant le regard du spectateur sur un sujet particulier.
Les directeurs de la photographie travailleront avec le réalisateur pour déterminer quelle distance focale convient le mieux à la scène qu'ils tournent.
Composition et cadrage
Un directeur de la photographie est chargé de décider quel type de caméras, d'objectifs de caméra, d'angles de caméra et de mouvements de caméra sont les meilleurs pour donner vie à la vision du réalisateur.
"Do The Right Thing" (1989) de Spike Lee a été tourné par le collaborateur de longue date de Lee, Ernest Dickerson. Dickerson a mis l'accent sur la puissance ou l'impuissance d'un personnage en exécutant des plans à faible angle et des plans à angle élevé. Il a multiplié la puissance du personnage plus grand que nature du film, Radio Raheem, en le filmant en contre-plongée. De même, Dickerson a photographié le propriétaire de la pizzeria du film, Sal, sous un angle élevé pour le faire se sentir moins important.
Alors que le film le professe et que la tension monte, Dickerson filme les futurs personnages belligérants avec une inclinaison néerlandaise, donnant au spectateur un sentiment de chaos, de terreur et de colère.
Éclairage
Pendant que le directeur de la photographie fait fonctionner les caméras du plateau, il supervise également l'éclairage du plateau. Les directeurs de la photographie sur les grands plateaux travaillent en étroite collaboration avec le chef du département électrique, connu sous le nom de gaffer, pour créer, manipuler et contrôler la lumière afin de créer l'ambiance souhaitée.
La façon dont le directeur de la photographie éclaire un film affecte grandement l'aspect et la convivialité du film. Par exemple, lorsqu'il travaillait sur "Le Parrain" en 1972, le directeur de la photographie Gordon Willis a décidé d'éclairer le film différemment de tout autre film à l'époque. La plupart des studios à cette époque ont trempé leurs films avec des scènes uniformément éclairées à cette époque de l'histoire. Cependant, les personnages, lorsqu'ils étaient en gros plan, avaient souvent une lumière oculaire projetée sur leur visage pour accentuer leurs yeux. Cette technique montrait clairement leurs émotions. Willis est allé dans le sens inverse et a peint avec des ombres pour montrer le côté obscur des semelles de ces gangsters. Il a créé des ombres pour cacher les yeux des personnages ou même la moitié de leur visage en utilisant une lumière haute ou latérale.
Le film a failli ne pas voir la lumière du jour car son studio était horrifié par son utilisation des ombres et des ténèbres. Ironiquement, le film a remporté trois Oscars et est devenu l'un des films les plus rentables à ce jour.
Participer aux répétitions
Le directeur de la photographie assiste aux répétitions avec le réalisateur et les acteurs pour comprendre le blocage - comment les personnages se déplacent dans une scène et interagissent avec leur environnement. Ils planifient également la mise en scène de la scène - le placement et le mouvement de la caméra par rapport au blocage. Le directeur de la photographie, le réalisateur et les acteurs s'engagent souvent dans une danse compliquée pour trouver la meilleure façon de raconter l'histoire du réalisateur.
Un bon exemple de ce blocage et de cette mise en scène complexes peut être vu dans une scène de "Les Affranchis" de Martin Scorsese (1990). Prise Steadicam de trois minutes, Henry Hill (Ray Liotta) mène sa cavalière Karen Friedman (Lorraine Bracco) par la porte arrière de la discothèque Copacabana, en bas, à travers plusieurs couloirs sombres, à travers une cuisine chaotique à l'intérieur du club. Ici, le maître d'hôtel ordonne à un serveur de porter une table à l'avant du club pour le gangster et son rendez-vous. Chaque fois que nous avons besoin de voir le visage d'un personnage ou d'un figurant, l'éclairage est parfait. Des figurants circulent continuellement entre la caméra en mouvement et les acteurs alors qu'ils se dirigent vers leur destination. C'est extraordinairement engageant.
"Ce plan de Copa est toujours célèbre parmi les cinéphiles et légendaire pour des milliers d'opérateurs Steadicam et pour cause :il est parfait !" Garrett Brown, directeur de la photographie et inventeur du Steadicam, a déclaré à propos du "coup de Copa" de l'opérateur du Steadicam Larry McConkey.
Décider du format d'image à utiliser
Le directeur de la photographie discutera avec le réalisateur du format d'image avec lequel tourner le film. Le terme ratio d'aspect décrit la relation mathématique entre le côté horizontal de l'image à l'écran et la verticale. Le ratio utilisé pour nos téléviseurs modernes est de 16×9. Cela signifie que la proportion entre la largeur et la hauteur sera toujours de 1,78 pour 1, généralement écrite sous la forme 1,78:1. Bien que ce soit le format d'image le plus courant aujourd'hui, ce n'est pas le seul. « 2001 :L'Odyssée de l'espace » (1968) a été tourné avec un ratio de 2,20:1, tandis que « How the West Was Won » (1962) a été tourné en 2,59:1. "Ben Hur" (1959) est allé encore plus loin avec un rapport hauteur/largeur de 2,76:1.
Wes Anderson est allé encore plus loin avec « The Grand Budapest Hotel » (2014). Anderson a décidé d'utiliser un rapport d'aspect spécifique pour chaque chronologie du film. Le film commence en 1932 avec un format d'image de 1,37,1. Les scènes de 1968 ont été tournées en 2,35:1 et les scènes modernes ont été cadrées dans un rapport de 1,85:1.
Les responsabilités d'un directeur de la photographie sont infinies
Les responsabilités d'un directeur de la photographie sont vastes et variées. Nous n'en avons même pas abordé certains, tels que la taille de la prise de vue, les décisions d'ouverture et les choix de mise au point. Vous pouvez en apprendre davantage sur les nombreux rôles du directeur de la photographie en lisant des livres, en regardant des vidéos YouTube ou en fréquentant une école de cinéma. Vous pouvez également en apprendre davantage sur le rôle que la plupart des directeurs de la photographie ont appris au cours des 100 dernières années :en gravissant les échelons de la hiérarchie du service caméra.