En bref
- La mise en scène correspond à chaque élément du plan :visuel et auditif
- Mise en scène comprend le cadrage, l'éclairage, la scénographie, le blocage et le son
- La somme de votre mise en scène correspond à votre style artistique en tant que cinéaste
Qu'est-ce que la mise en scène ? C'est probablement la question qui vous a amené à cet article. La mise en scène est un terme souvent laissé indéfini. Cependant, il mérite d'être expliqué car c'est une partie essentielle du travail d'un réalisateur. C'est, en fait, l'aboutissement de tous les outils, compétences et expériences d'un cinéaste utilisés ensemble pour raconter une histoire enveloppée dans une atmosphère.
Peut-être que la définition la plus vague de quoi que ce soit vient du juge de la Cour suprême Potter Stewart dans son opinion sur l'affaire "Jacobellis v Ohio". Il était incapable de définir ce qui rendrait un film obscène et donc non protégé par le premier amendement. Il a écrit:"Je le sais quand je le vois." Cette définition haussant les épaules a poussé les avocats et les artistes à repousser les limites. Personne ne connaît les dimensions exactes de l'obscénité depuis près de 50 ans.
La mise en scène est également indéfinie. Quelques années plus tard seulement, le professeur d'études cinématographiques Brian Henderson a déclaré dans son essai "The Long Take" que la mise en scène est "le grand terme indéfini du cinéma". Il commence par énumérer les réalisateurs qui en sont passés maîtres. Il a inclus des maîtres comme Murnau et Orson Welles. Cependant, il poursuit en écrivant "on ne se risque pas à la légère à une définition de la mise en scène... dont chaque personne, lorsqu'elle est examinée, révèle un sens et une signification différents..."
Définition de mise en scène
Traduit littéralement, mise en scène signifie « mettre en scène ». Cela inclut les choses que les films ont en commun avec les pièces de théâtre. Cela signifie les accessoires, l'éclairage, la garde-robe, le blocage et le nombre de couches dans la scène (premier plan, plan intermédiaire et arrière-plan). Probablement une meilleure traduction car c'est "tout ce qui fait partie de votre prise de vue", ou "tout dans le cadre". C'est, par essence, le miasme de tout ce qui rend votre film beau et unique. C'est ce qui crée l'ambiance et fait passer vos idées.
Mise-en-scène comprend également quelques éléments que les pièces de théâtre n'ont pas vraiment. Par exemple, les films ont des caméras mobiles pour représenter le public autrement fixe d'une pièce. C'est-à-dire le rapport d'aspect du cadre, les angles de caméra, la mise au point, la distance focale de l'objectif et les traitements de couleur éventuels du film ou de la vidéo. Vous remarquerez peut-être en regardant "Game of Thrones" sur HBO que tout à Castle Black semble très bleu. Cela inclut la neige et les gens.
Cela fait partie de la mise en scène et c'était une décision consciente de la part des showrunners, des réalisateurs, des directeurs de la photographie, des étalonneurs de couleurs, des décorateurs et d'autres qui se sont réunis, bien avant qu'un cadre ne soit tourné, et pris des décisions sur l'apparence de la pièce finale.
Mise-en-scène et le long plan
Cependant, tout comme une pièce de théâtre, le critique Brian Henderson ajoute que la mise en scène "nécessite la durée de la longue prise". Une fois que vous avez ajouté une coupe, vous avez mis en scène la mise en scène ; a rebattu les cartes. Henderson veut que les choses aient du temps. Il est fan des plans continus de 10 minutes.
Vous pouvez avoir beaucoup de choses dans le cadre et les rendre choquantes, inintéressantes ou carrément hostiles au spectateur. C'est encore de la mise en scène; c'est juste une mauvaise mise en scène. Autrement dit, à moins que cela ne soit fait pour une raison très spécifique - il y a en effet des moments où vous voudrez peut-être que votre public soit mal à l'aise ou pense que quelque chose est moche. Vous pouvez considérer la mise en scène comme une conception pour l'écran :tout organiser dans le cadre d'une manière à la fois agréable à l'œil et utile pour raconter l'histoire.
Éléments de mise en scène
Les éléments qui composent votre cadre, et donc votre mise en scène sont :
- Paramètre
- Éclairage
- Accessoires
- Acteurs, y compris leur maquillage, costumes et coiffures
- Et dernièrement, l'étalonnage des couleurs, qui prend de plus en plus d'importance dans les productions cinématographiques et vidéo
Votre mise en scène est construite à partir de chacun de ces éléments. Tout ce que vous mettez dans un cadre doit viser à en créer un qui soit cohérent, distinctif et spectaculaire.
Stanley Kubrick était un maître de la belle mise en scène et il aimait les longs plans. Un endroit où cela est particulièrement évident est l'avant-dernière scène de "2001 :l'Odyssée de l'espace". Dans cette scène, l'astronaute Dave Bowman vit sa vie dans une mystérieuse pièce lumineuse, surveillée par le monolithe. Le mobilier, les couleurs, la lumière, le placement des objets, la symétrie et l'asymétrie sont tous faits pour créer une beauté particulière. Remplacez une chaise par une découverte de vente de garage et tout le cadre est frappé avec un marteau et renversé.
La mise en scène est partout
Est-ce que certaines vidéos ont ça et d'autres pas ? Oscar Wilde, dans « The Picture of Dorian Gray », a déclaré :« Il n'existe pas de livre moral ou immoral. Les livres sont bien écrits, ou mal écrits. C'est tout." La mise en scène est comme ça; tous les films l'ont, mais dans certains, c'est très bon, et dans d'autres, ce n'est pas très bon. Parfois, cela compte, et parfois non.
Par exemple, une grande réflexion a été consacrée à la mise en scène de Lawrence d'Arabie. Les angles de prise de vue, le placement des acteurs et des accessoires ont été très soigneusement étudiés dans chaque image par le réalisateur David Lean, le directeur de la photographie Freddie Young et une foule d'autres personnes, y compris des costumiers et des stylistes.
Comparez cela avec une vidéo de sécurité incendie d'entreprise dont le seul devoir est d'informer les employés de bureau de la façon d'évacuer correctement un bâtiment en cas d'urgence et de coûter moins de 400 $ à produire. Dans ce cas, le vidéaste peut envisager certains aspects de l'éclairage et du placement de la caméra, mais il est fort probable qu'il n'échangera pas une prise de vue statique contre une prise de vue en travelling simplement parce que la prise de vue en travelling est plus attrayante.
La mise en scène fait partie de votre style personnel
Mise-en-scène représente votre objectif primordial en tant que cinéaste - votre style, votre talent artistique personnel. Il résume de nombreux éléments de la production vidéo que vous avez déjà appris, de la composition à la distance focale en passant par l'utilisation de l'espace négatif. La façon dont vous assemblez ces éléments créera votre propre mise en scène particulière.
De nombreux réalisateurs et directeurs de la photographie ont une mise en scène très spécifique qui télégraphie leur présence. Vous pouvez regarder un film de Michael Bay, Quentin Tarentino ou Guillermo del Toro et savoir qui l'a réalisé.
Quand commence la mise en scène ?
La mise en scène commence bien avant d'arriver sur le plateau. Cela commence par votre concept. Quand un producteur dit:"Ce film est un drame policier new-yorkais sur une détective dont le passé souterrain l'a rattrapée", cela crée déjà une scène. En utilisant cette description, vous commencerez à trouver des acteurs, des décors et des éclairages pour faire ressortir cela. De même, si votre client vous dit :"Ce film est une procédure policière sur un père célibataire dont l'insistance sur une vie méticuleusement ordonnée et fastidieuse implique l'équilibre prudent entre la garderie et la résolution de crimes dans les règles de l'art", vous commencerez probablement à penser de différents acteurs, éclairage et travail de caméra.
Dans chacun de ces exemples, vous pouvez commencer à penser à des façons d'utiliser l'équilibre ou le déséquilibre des objets dans un cadre pour montrer l'ordre ou le désordre, une palette de couleurs qui montre des choses sous contrôle ou hors de contrôle, des scènes très éclairées par rapport à des scènes fortement éclairées. scènes éclairées. Choses qui se passent le jour vs choses qui se passent la nuit. Les cheveux d'un personnage peuvent être méticuleux tandis que les autres peuvent être négligés, une garde-robe bien entretenue et l'autre échevelée. Toutes ces choses travailleront ensemble pour raconter votre histoire avant que vos personnages ne parlent une ligne de dialogue.
Planifier une bonne mise en scène
Savoir que des choses existent et être capable de les nommer et de les décrire contribue grandement à réduire la quantité de recherches que vous devez effectuer pour trouver le bon produit final.
Dans certains films, la mise en scène est si épaisse et si pré-planifiée que les acteurs se retrouvent souvent comme de minuscules accessoires dans une vision beaucoup plus grande, pensez à des films de science-fiction épiques ou à des films de super-héros à succès. Dans certains de ces cas, tout ce qui se trouve dans le cadre est quelque chose qui a été créé spécifiquement dans le but de ce cadre. Mais cela ne signifie pas qu'aucun travail ne va dans des films plus réalistes – c'est juste plus subtil.
Un concepteur de production peut consacrer énormément de temps et d'efforts à trouver le réfrigérateur exact à placer dans la cuisine d'un personnage pour aider à raconter son histoire. Même le contenu de ce réfrigérateur peut être soigneusement choisi pour faire avancer le récit. Le personnage est-il conscient de sa santé ? Sont-ils un maniaque de la propreté? Un alcoolique? Tous ces indices subtils font partie de la mise en scène, tout autant qu'un gigantesque robot destructeur de Terre, dominant Manhattan, ou la boule à neige dans "Citizen Kane" (1941).
Étude de cas :"Milkshake à la poudre à canon"
Jetons un coup d'œil au film de gangsters très stylisé du réalisateur israélien Navot Papushado "Gunpowder Milkshake" (2021), avec Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh et Angela Basset. Réalisé par Michael Seresin avec une conception de production de David Scheunemann et une décoration de décor de Mark Rosinski, "Gunpowder Milkshake" est un film d'action qui rend hommage à de très nombreux autres films - c'est-à-dire qu'il a une mise en scène très spécifique .
Comment cela se passe-t-il ?
"Tout est au service de l'histoire", explique le réalisateur Navot Papushado, "une fois que j'ai compris qu'il s'agissait d'un film d'assassin basé sur les ronin ou les samouraïs solitaires de Kurisawa ou les tueurs à gages d'Hitchcock, une fois que vous avez compris cela, c'est là que ce genre du genre-mélangeur est né. C'est presque une étude de qui vous êtes en tant que cinéaste parce que vous écrivez quelque chose et ensuite vous vous rendez compte, 'Oh, attendez une minute, j'ai été influencé par ceci et ceci et cela.' Et quand vous décomposez une scène, vous revivez encore une fois ces influences."
Les lignes épurées, les espaces propres et les tubes d'éclairage au plafond dans certaines parties de Gunpowder Milkshake rendent un hommage appuyé au film épique de Stanley Kubrik de 1968, 2001 :l'odyssée de l'espace.
"Il y a beaucoup de clins d'œil à Kubrick, en particulier dans les scènes de combat de la clinique, que nous voulions rendre très stériles, lumineuses et propres, donc c'est comme" 2001 ", mais c'est aussi comme" Roger Rabbit ". Je pense que c'est de plus en plus dans les années 1980, c'est l'évolution naturelle d'être influencé par tous ces grands films. Vous grandissez et progressez en tant que personne et cinéaste, mais ces piliers du cinéma sont toujours à l'arrière de votre tête."
Commencer au début
Navot dit que toute cette pré-planification sur la façon dont les choses vont se passer, pour lui, très tôt.
« La première personne avec qui vous commencez à travailler est votre chef décorateur. La première chose que nous avons faite a été de créer une carte des couleurs déterminant la signification de chaque couleur. Un groupe va être tout bleu et gris, l'autre groupe sera tout marron, le jaune va signifier la mort, donc il y a un sac jaune qui dit "J'aime les chatons" dessus, et il est plein d'armes, et le corps les sacs sont jaunes. Et orange va signifier changement, évolution, donc 35 minutes après le début du film, notre héroïne, qui a été habillée de couleurs très sombres, met une veste orange parce qu'elle commence à prendre des décisions qui vont à l'encontre de son personnage."
Karen Gillan enfile une veste orange et commence sa métamorphose. Milkshake à la poudre à canon, 2021 — réalisé par Navot Papushado.
L'un des gangs, vêtu de brun foncé et de tons terre. La disposition des acteurs est extrêmement particulière et montre la nature très ordonnée de ce groupe de voyous. Milkshake à la poudre à canon, 2021 — d dirigé par Navot Papushado.
Navot et son équipe de production se sont également assurés que les accessoires correspondent à chacun des personnages. Ils ont discuté des textures, des tissus et des armes, puis ont envoyé les différents chefs de département pour commencer à rassembler les choses. Une partie du scénario a changé lorsque les acteurs ont été choisis, mais d'autres choses sont restées exactement telles qu'elles étaient écrites dans le scénario original.
Michelle Yeoh affronte une pièce remplie de méchants. La palette de couleurs soigneusement choisie par le réalisateur Navot Papushado donne un aspect très stylisé au film et permet aux spectateurs de placer facilement les personnes qui appartiennent à une scène et les intrus. Milkshake à la poudre à canon, 2021 — d dirigé par Navot Papushado.
Couleur et narration
"Gunpowder Milkshake" utilise avec succès l'éclairage, les couleurs et le cadrage pour créer un monde très spécifique, un monde dans lequel les couleurs nous disent qui appartient et qui est un intrus. Les gens qui appartiennent à une scène s'intègrent comme s'ils étaient camouflés et ceux qui ne sont pas en contraste frappant. Le monde lui-même, même dans ses endroits les plus granuleux, est d'une propreté impeccable - parkings, il n'y a pas d'objets qui ne servent pas à faire avancer l'histoire et nous rappellent qu'elle se déroule dans un monde pas tout à fait ici, où les règles sont différentes. À mi-chemin entre la fantaisie et la réalité, "Gunpowder Milkshake" est capable de faire des sauts qui nécessiteraient une explication dans un cadre différent.
Le langage de la mise en scène
On voit que la mise en scène peut être empruntée, référencée et rendue hommage. La mise en scène peut également servir à rapprocher stylistiquement plusieurs films.
Prenez le chef-d'œuvre de Ridley Scott de 1979 sur la terreur spatiale "Alien". Le film se déroule dans les ponts inférieurs d'un vaisseau spatial crasseux appelé le Nostromo, lui-même un clin d'œil au roman de 1904 de Joseph Conrad. Tout dans ce vaisseau spatial crie "classe ouvrière" - des uniformes décontractés au fouillis, à la crasse et à l'éclairage sombre. Il s'agit d'un vaisseau spatial qui existe avec de faibles marges dans un monde peu glamour, parfait pour cacher un extraterrestre mangeur de personnes.
Cette franchise a produit un certain nombre de films connexes, comme la suite bourrée d'action de 1986 "Aliens", et d'autres, dont certains se déroulent dans un passé lointain - notre présent - sur Terre. Comment faire en sorte que la Terre en 2007 ressemble à un vaisseau spatial en 2134 ou à une colonie spatiale en 2191 ?
Le vaisseau spatial original de Scott a été inspiré par les dessins de H.R. Geiger qui placent des tubes partout. C'est ainsi que nous obtenons le territoire familier du Nostromo. Pour refléter cela, les réalisateurs Greg et Colin Strause nous emmènent dans un égout effrayant rempli d'eau dont les tuyaux muraux sont un hommage appuyé à l'égout dans la suite de James Cameron de 1986 "Aliens".
Les couloirs du remorqueur spatial Nostromo. Extraterrestre, 1977 — d réalisé par Ridley Scott.
Sous la colonie. Extraterrestres, 1986 — d réalisé par James Cameron.
Un égout sur la terre contemporaine, Alien vs. Predator :Requiem, 2007 — réalisé par Colin et Greg Strause.
Dans chacun de ces cas, la mise en scène évoque un espace sombre et compliqué où des choses effrayantes peuvent se cacher. Cependant, dans les deux derniers, les réalisateurs utilisent des objets familiers pour maintenir les films dans un univers que le public a l'impression de connaître.
Devoirs à la maison
Votre devoir est de prêter attention à la façon dont tous ces éléments se rejoignent dans les films et la télévision que vous regardez. Choisissez des scènes qui vous parlent. Regardez-les plusieurs fois afin de pouvoir déconstruire chacun des éléments. Vous devez comprendre ce qu'ils ajoutent à la pièce finale et comment ils fonctionnent de concert les uns avec les autres. Y a-t-il des choses que vous feriez différemment ? Faites également attention la prochaine fois que vous préparez une prise de vue. Qu'incluez-vous, où l'incluez-vous et pourquoi ? Comment cela aide-t-il à propulser votre histoire ?